Mes: enero 2018

Desnudo con gato. Anna Ajmátova y Modigliani

“Su sola mirada te cortaba el aliento. Alta, de pelo oscuro, morena, esbelta y ágil, con los ojos verdosos de un tigre polar, durante medio siglo la han dibujado, pintado, esculpido y fotografiado un sin número de artistas, entre ellos Modigliani. Los versos dedicados a ella formarían más volúmenes que su obra entera.”  (Joseph Brodsky)

La poetisa Ana Ajmatova conoció a Amadeo Modigliani en la primavera de 1910  cuando llegó con su marido, el poeta acmeísta Nikolai Gumiliov a Paris en su luna de miel.  Se vieron varias veces y después de su regreso a Rusia no dejaron de cartearse  “Usted se quedó en mí como una obsesión…” le escribía Modigliani.

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Un año después Anna volvió sola a Paris para reunirse con él y allí vivieron una pasión intensamente breve. Él tenía 26 años y empezaba a ser conocido, ella tenía 21 y ya escribía poesía. Durante esos meses en París visitaron varias veces el Museo del Louvre. Modigliani soñaba con Egipto, con sus antigüedades y su arte de lineas esquemáticas y puras. Hizo dieciséis dibujos de Anna. De los cuales, hasta el momento, solo se han encontrado cinco.

Cuando Anna volvió a Rusia él ya no le volvió a escribir: “Hoy no me ha llegado ni una carta: él ha olvidado escribirme, o tal vez se ha ido/ […]/ Hace poco él estaba conmigo/ tan enamorado, amoroso y mío:/ fue durante el invierno límpido/ y ahora la primavera está repleta de tristeza…/ Hace poco él estaba conmigo…”

Anna conservó durante toda su vida uno de los dibujos, el más recatado, que incluyó en su libro “La carrera del tiempo” de 1965, y que ahora está en la exposición permanente del Museo de Ajmátova en San Petersburgo. 

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Ella decía que los demás dibujos se habían perdido durante la revolución y la guerra civil en Rusia. Incluso le llegó a decir a Joseph Brodsky que los soldados habían liado sus cigarrillos con ellos. 

Pero en octubre de 2008 a dos investigadores de arte: Jorge Bustamante e Irina Ostroúmova les llama la atención un dibujo de Modigliani al carboncillo y lápiz que descubren en el Museo Soumaya de ciudad de México llamado simplemente “Desnudo con gato” 

 

 

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Las lineas son simples, los trazos largos y firmes. Una mujer desnuda de nariz aguileña y cuello de cisne posa de perfil junto a un gato, como una deidad egipcia. Es Anna Ajmátova.

 

En la oscura neblina de París,
Quizás otra vez Modigliani
Camine imperceptible tras de mí.
Su triste naturaleza
Incluso en el sueño me inquieta
De ser culpable de muchas desdichas.
Pero para mí –su mujer egipcia– él es
La música que toca el viejo en el organillo.
Todo el rumor de París se esconde bajo esa música,
Como el rumor de un mar subterráneo
Que ha bebido del dolor
El mal y la vergüenza.

Anna Ajmátova
(Variante de un borrador de “Poema sin héroe” (1940-1965))

Liu Bolin. El hombre invisible

Liu Bolin (Shandong 1973) es un artista, escultor y fotógrafo chino. Se le conoce como “El hombre invisible” por su serie fotográfica “Escondido en la ciudad” en ella se mimetiza con escenarios urbanos, con obras arquitectónicas, con paisajes. Se convierte en escalera, en una calle de Venecia, en el toro de la Bolsa de Nueva York, en un tractor…

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Todo empezó en 2005. Las autoridades chinas demolieron el pueblo artístico en donde él trabajaba: Suo Jia Cun que era considerado la mayor congregación de artistas en Asia. El estudio de Liu fue destruido y él decidió utilizar su arte como protesta silenciosa por la falta de protección del gobierno chino hacia sus artistas. Usó su propio cuerpo pintando sobre él durante horas para desaparecer en un mundo que muchas veces es hostil.

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“Después de graduarme de la maestría… me sentía como un extra innecesario en el mundo. En ese momento comenzaron a demoler la zona donde estaba mi estudio y quería expresarme con la única forma que lo sabía hacer: con el arte. Mi primera obra fue una protesta”.

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Bajo su capa de hombre invisible nos recuerda que para el sistema las personas no somos importantes.

¿Quién no se ha sentido alguna vez así?

 

Los anarquismos de Fernando Pessoa. Un poema y un cuento

Anarquismo

La noche y el caos forman parte de mi.
Me remonto al silencio de las estrellas.
Soy el efecto de una causa del tiempo,
del Universo [quizás lo excedo].
Para encontrarme, debo buscarme entre las flores,
los pájaros, los campos y las ciudades,
en los actos, las palabras y los pensamientos de los hombres,
en la noche del sol y las ruinas olvidadas de mundos hoy desaparecidos.
Cuanto más crezco, menos soy.
Cuando más me encuentro, más me pierdo.
Cuanto más me pruebo, más veo que soy flor
y pájaro y estrella y universo.
Cuanto más me defino, menos límites tengo.
Lo desbordo todo. En el fondo soy lo mismo que Dios.
Mi presencia actual contiene las edades anteriores a la vida,
los tiempos más viejos que la tierra,
los huecos del espacio antes de que el mundo fuera. 

El banquero anarquista

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El banquero anarquista es un cuento de Fernando Pessoa editado por primera vez en el número 1 de la Revista Contemporánea en 1922. Es una de las pocas obras que el autor  pudo ver publicadas en vida. En ella reflexiona sobre la libertad, sobre las iniciativas individuales y lo absurdo que es el fanatismo en política. También cuestiona la falsedad de los grandes remedios en tiempos de crisis. 

La trama es una paradoja: un rico banquero y gran comerciante se proclama sincero y auténtico anarquista.

Empieza así: 

Habíamos concluido de cenar. Frente a mí, el banquero, mi amigo, gran comerciante y acaparador notable, fumaba como quien no piensa. La conversación, que había ido apagándose, yacía muerta entre nosotros. Intenté reanimarla, al azar, sirviéndome de una idea que me pasó por el pensamiento. Me di vuelta hacia él, sonriendo.

-Es verdad: me dijeron hace días que ud. en sus tiempos fue anarquista…

-Fui, no: fui y soy. No cambié con respecto a eso. Soy anarquista.

-¡Ésa sí que es buena! ¡Usted anarquista! ¿En qué es ud. anarquista?… Sólo si ud. le da a la palabra cualquier sentido diferente…

 

A partir de aquí critica con sus razonamientos el mito del igualitarismo y  las posibilidades de emancipación del ciudadano, pero no las del individuo.

Acaba así:

-Mi amigo, yo ya se lo dije, ya se lo demostré, y ahora se lo repito… La diferencia es sólo ésta: ellos son anarquistas sólo teóricos, yo soy teórico y práctico; ellos son anarquistas místicos y yo, científico; ellos son anarquistas que se agachan, yo soy un anarquista que combate y libera… En una palabra: ellos son pseudoanarquistas y yo soy anarquista.

Y nos levantamos de la mesa.

Lisboa, enero de 1922.

La historia se puede leer íntegramente en  Wikisource. 

 

 

 

La puerta del infierno de Rodin

En 1880 el Estado francés encargó a August Rodin una puerta monumental en bronce con bajo-relieves que representaran la Divina Comedia de Dante Alighieri.

Rodin trabajó durante muchos años en ella (1880 – 1917) creando cientos de  figuras y grupos escultóricos en donde se representaban todas las pasiones y estados de ánimo del espíritu humano. También colaboró en la obra la escultora francesa Camille Claudel.

Él no intentó seguir el texto de la Divina Comedia, se dejó influir por la obra de Charles Baudelaire “Las flores del mal”, cuya primera edición ilustró entre 1887 y 1888.

Nunca vio terminada su obra. Después de su muerte en 1917  se fundió en bronce a partir de sus modelos en yeso. Se hicieron ocho puertas que ahora se encuentran en museos de Francia, Estados Unidos, Japón, Corea del Sur y México.

Muchas de sus obras más destacadas como: El Pensador, El beso, Ugolino, o Las tres sombras surgieron de ese proyecto.

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Este mes de enero acaba en la Fundación Mapfre de Barcelona una exposición sobre la creación de la puerta del infierno a la que he podido asistir.  La fuerza de las esculturas previamente hechas en escayola es sobrecogedora.

Hay una que no es de las más conocidas, pero que expresa a la perfección su título: Amor Fugit (1886)

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Un hombre y una mujer están abrazados por la espalda encima de una roca. Él, en una postura forzada, casi imposible, se esfuerza por retenerla. No puede, ella se le escapa como si fuera llevada por el viento, por algo que es incapaz de controlar.

Es una paradoja porque a su vez él queda unido a ella, pegado a su espalda, para siempre. Da qué pensar.

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SATORI. La luna en una gota de agua

Satori es un término japonés que significa literalmente comprensión. Es el momento en el que se descubre que solo existe el presente, que el tiempo es solo un concepto, que el pasado y el futuro son una ilusión al igual que todo el mundo físico.

Satori es la iluminación.

Según el budismo zen todos los seres humanos poseen dos identidades, una sagrada y verdaderamente real y otra ilusoria. La sagrada es la “naturaleza búdica” el Dios interno, mientras que la ilusoria o profana hace referencia al ego ordinario de cada día y a un espectro que es tirano y opresor.

El maestro Taisen Deshimaru (1914-1982) dijo lo siguiente respecto al Satori:

La luz de la luna es muy poderosa, pero puede ser reflejada por una minúscula gota de agua o de rocío sobre la hierba. Si alcanzamos el Satori, no estamos en un estado de espíritu especial. Al contrario de lo que piensan muchos occidentales, el Satori significa la vuelta a las condiciones normales del espíritu.

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“Si usted cree que hay diferencias, las encontrará. Si piensa que no las hay, no encontrará ninguna”.

“La meditación es la base de todas las religiones”.

Taisen Deshimaru

Taisen Deshimaru

“La filosofía viene después de la práctica”.

“Todo está ligado, todo se une en el universo. No se puede separar la parte del todo: la interdependencia rige el orden cósmico”.

“La victoria y la no-victoria, la vida o la no-vida se deciden en un instante. Hay que vivir en el instante: aquí es donde la vida y la muerte se deciden totalmente”.

“Los religiosos pueden acompañarnos al borde del río, pero no pueden beber por vosotros ni obligaros a beber”.

“Solo el silencio es vuestro verdadero origen”.

“Mantén las manos abiertas y todas las arenas del desierto podrán pasar a través de ellas. Mantenlas cerradas y todo lo que podrás sentir será un poco de arena”.

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