Mes: febrero 2019

Las calaveras pintadas y la copa de Lord Byron

En todas las civilizaciones desde tiempos inmemoriales ha habido un culto a los restos humanos, unas veces por respeto a los antepasados, por superstición, como reliquias poseedoras de capacidades sanadoras; otras, algo más lúgubres, apilando los huesos en osarios y formando composiciones artísticas, incluso lámparas para la decoración de una iglesia como esta en Sedlec (República Checa).
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En el pequeño pueblo de Hallstatt (Austria) junto a la iglesia de Santa María se encuentra la Karner Beinhaus o casa de los huesos. Allí se guardan infinidad de calaveras decoradas, la mayoría de ellas datan de antes de 1890. 
Cuando los restos del fallecido eran exhumados los cráneos eran limpiados y pintados con diversos motivos, flores, serpientes, cruces, etc.
El mismo sepulturero se encargaba de decorarlas. 
Casi las dos terceras partes de las calaveras pintadas eran de hombres. Esto se debía en parte al hecho de que las mujeres solían vivir más que sus esposos, por lo que podían ocuparse de sus restos. En cambio la calavera de una viuda se dejaba a cargo de los hijos u de otros parientes que no estaban tan dispuestos a pagar para que la decorasen.
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Para poder exponer el cráneo allí, se debían cumplir dos requisitos, ser natural del pueblo y haberlo dejado escrito en el testamento. La última incorporación es del año 1998.
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Otra historia que llama la atención es la de la existencia de una copa que mandó hacer Lord Byron con la bóveda de un cráneo humano. Lo encontró en la Abadia de Newstead en su época de estudiante y le encargó a un orfebre que la puliera y le añadiera una inscripción. Con ella celebraba sus brindis en las cenas estudiantiles y durante los “festines poéticos”
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He aquí la poesía que compuso para ella:
Espera, no creas que mi espíritu huyó.
Contempla en mí a la única calavera
de la que, al contrario que de una cabeza viva,
nunca salen tonterías.
Yo viví, amé y bebí con placer, como tú.
Y ahora estoy muerto. ¡Que la tierra renuncie a mis huesos!
Tú lléname, no puedes ofenderme,
Pues el gusano tiene labios aún más viles.
Mejor es contener chispeante uva
que albergar a la viscosa cría del gusano;
mejor es abrazar como copa
bebida de dioses que ser comida de reptiles.
Donde quizá alguna vez brilló mi ingenio,
hazme brillar para otros,
pues cuando desaparecen los sesos, ay,
¿qué sustituto puede existir más noble que el vino?
Bebe ávidamente mientras puedas.
Cuando tú y los tuyos, como yo lo fui, seáis aniquilados,
quizá otra estirpe te salve del abrazo de la tierra,
escriba versos y se deleite con los muertos.
¿Por qué no? Ya que durante el breve día de la vida
nuestras cabezas engendran efectos tan tristes,
una vez limpias de gusanos y sucio barro,
al menos pueden ser útiles.
“Lines inscribed upon a cup formed from a Skull (1808)”.
Lord Byron

 

 

Música encantada. Catrin Finch y Seckou Keita

Hay semanas en las que se  junta todo, en las que parece que se da el pistoletazo de salida a todos los problemas que están en lista de espera desde hace tiempo.

No se me ocurre mejor bálsamo para sobrellevarlas que la música,  sin palabras, con una vibración pura que va directa al corazón.

Catrin Finch y Seckou Keita. Galesa y Senegalés. Ying y Yang. Negro y blanco. Kora y arpa celta.

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Su música encuentra un punto de intersección encantado en donde se funde y se crea la vida. Suenan como un solo instrumento   

Maravillosa música, pero mucho más maravillosa la sonrisa de los dos.

La mujer que se esconde detrás de las arañas. Louise Bourgeois

Cada día has de abandonar tu pasado o aceptarlo. Si no lo puedes hacer te conviertes en escultor”.
Louise Bourgeois (Paris, 1911-Nueva York, 2010) Fue una escultora y escritora francesa, polémica por su interpretación del sexo, innovadora y defensora de los derechos de la mujer, que vivió desde 1938 en Nueva York. Su familia poseía un taller de restauración de tapices medievales y renacentistas en Francia, allí surgió su fascinación por el arte. Es mundialmente famosa gracias a sus esculturas de arañas gigantes por lo que recibió el apodo de “La mujer araña”.
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En 1932 se matriculó en la Sorbona para estudiar cálculo y geometría, pero al morir su madre lo abandonó para dedicarse enteramente al arte sin tener la aprobación de su padre. Al él le dedicó una de sus principales obras: “Destrucción del padre (1973)”. Su finalidad era exorcizar el miedo que le inspiraba ya que era un hombre promiscuo y presuntuoso:

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“Cuando era pequeña, me daba miedo cuando estaba en a la mesa del comedor y mi padre no dejaba de alardear de su persona, se jactaba una y otra vez de sus logros, y cuanto más grande pretendía hacer su figura, más diminutos nos hacía sentir al resto. De repente, se producía una tensión máxima, terrible, y lo agarrábamos –mi hermano, mi hermana, mi madre y yo-, y los cuatro lo agarrábamos y lo colocábamos encima de la mesa y le arrancábamos los brazos y las piernas: lo desmembrábamos. Y éramos tan eficaces en esta labor que acabábamos devorándolo. Asunto terminado. Ésta es una fantasía, cierto, pero a veces vivimos nuestras propias fantasías.”
“Destrucción del padre/Reconstrucción del padre. Escritos y entrevistas (1923-1997)” Es también uno de sus libros más representativos, en él expresa su pensamiento y su trabajo creativo como algo totalmente ligado a su infancia.
Otra de sus polémicas obras es “Femme couteaux (1969-1970)”.
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 “La gente dice que es una forma agresiva, pero no lo es. Es inofensiva, sin brazos, ¡pero tiene mucho miedo! Se encuentra en un periodo defensivo de su vida. Es una chica que ha encontrado un cuchillo pero no sabe qué hacer con él. Es un objeto bonito, reluciente, pero malgastado en sus manos. Después de todo, ella no es más que un pequeño pájaro que defiende su nido”.

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“Partial Recall”
“Las piezas han encajado en su sitio-las cosas están como deben, les comptes sont réglés. El perdón y la clemencia están bien, pero no dejan de ser refinamientos”.
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En “Cells (Celdas)” expresa su miedo y su dolor, son como pequeñas prisiones afectivas en donde se incluyen recipientes de vidrio, escaleras… y algo tan importante en su vida como las agujas ya que en su familia eran básicas para  la restauración de los tapices.
“Cuando era pequeña, todas las mujeres de mi casa usaban agujas. Siempre he tenido fascinación por las agujas, por el poder mágico de las agujas. Las agujas sirven para reparar los daños. Tratan de conseguir un tipo de perdón. No son nunca agresivas, a diferencia de los alfileres”.

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Pero lo que más caracteriza a Louise Bourgeois son sus esculturas de arañas. Mamá (Maman, 1999), de casi 9 metros de altura, en el museo Guggenheim de Bilbao,  pertenece a una serie inspirada en la araña. Es un homenaje a su madre y a su labor de tejedora. La araña protege, cuida  y a la vez devora. Encarna la dualidad fortaleza-fragilidad. En su obra las arañas empiezan a aparecer ya en 1940 a modo de dibujos. Ahora están distribuidas por todo el mundo.
El tema principal del artista son las emociones… y las ideas… Ambos conceptos al mismo tiempo”.
Louise Bourgeois murió a los 99 años en Nueva York de un infarto de miocardio, el 31 de mayo de 2010. Hasta el último día estuvo trabajando en su taller.
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“Mi arte es un exorcismo”.

Las leyendas de los barcos de piedra

Ya desde la Edad de Piedra los hombres hacían extrañas construcciones con forma de barco para enterrar a sus muertos.

Barcos de piedras de la época vikinga, Menzlin (Alemania). (CC BY-SA 3.0)

 

 

Antiguas leyendas celtas hablan de como algunos  hombres ( Bran, Maelduinn) habían surcado el mar con barcos de piedra. También se decía que los evangelizadores irlandeses (Samson y Suliac) llegaron a Armórica en el siglo VI de ese modo.

Las tradición jacobea hace referencia a cómo se le apareció al apóstol Santiago en Muxía la Virgen María en un barco de piedra. Y de como fueron trasladados los restos de Santiago el Mayor de Palestina a Finisterre en un navío de esas características.

Hoy se ha demostrado que lo que parecía imposible puede ser verdad.

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El escultor bretón Jean Yves Menez, nacido en 1953 en Finisterre construyó en 1999 un buque de granito y lo lanzó al mar en el año 2000, el “Maen Vag”.

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Partió de un bloque de 35 toneladas de granito lanhelin que fue dando forma y vaciando hasta que pudo alcanzar la linea de flotación.

Este barco puede llevar hasta siete pasajeros y ha realizado numerosas travesías.

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Hoy está expuesto en Dol de Bretaña delante de la catedral de San Samson, el mismo que llegó en misión evangelizadora desde Irlanda en un navío de piedra.

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Lo único imposible es aquello que no imaginas.