Mes: noviembre 2019

Dibujos que descubren la verdad. Lois Gibson

Antes el dibujo y la pintura servían para reproducir y conservar en el recuerdo paisajes y  personas, desde que apareció la fotografía en el siglo XIX su esencia cambió, pero sigue habiendo un tipo de dibujos en donde la reproducción para el recuerdo aún es crucial e insustituible. El dibujo forense.

Lois Gibson es una de sus máximas exponentes. Trabaja para la policía de Houston y esta es su historia.

Todo empezó con un suceso muy desgraciado. En 1971 y con 21 años fue asaltada y violada en Los Ángeles, fue tal el impacto que le provocó que no pudo ni denunciar los hechos, pero retuvo la cara de su agresor, poco más tarde y por casualidad le volvió a ver cuando era detenido por la policía por otro delito.

Años después se licenció en Arte y se dedicó a hacer retratos callejeros para poder sobrevivir. Se trasladó a Houston al enamorarse de un turista que posó para ella de modelo. Fue allí en donde un día se ofreció a colaborar con la policía al no poder olvidar su experiencia traumática. Desde 1989 Lois ha ayudado a identificar más de 1266 delincuentes.

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Al principio nadie creyó que aquella pintora pudiera resolver nada, sobre todo porque la gente cuando es agredida tiende a no querer recordar nada, pero ella no les preguntaba por la cara sino por la expresión, eso les desbloqueaba y así empezaba a dibujar.

 

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Lois también puede reconstruir rostros a través del tiempo, con fotos de niños desaparecidos o dados en adopción ha ayudado a su identificación al poder dibujar su apariencia actual. Incluso a rescatar los rostros de personas asesinadas en el Holocausto gracias a los testimonios de familiares.

Hoy da clases en el Instituto de Arte Forense de Houston que fue fundado por ella.

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«Tengo 68 años y te juro que no puedo dejar este trabajo. Soy una adicta. Es demasiado maravilloso poder detener asesinos con solo un dibujo». 

No quiero ir nada más que hasta el fondo

Esas fueron las últimas palabras que Alejandra Pizarnik, poeta argentina 1936-1972, dejó escritas en su casa el día de su suicidio en Buenos Aires el 25 de septiembre de 1972.

Pizarnik fue una de las grandes voces surrealistas de la generación de los sesenta en América latina. Toda su obra está impregnada de pasión, de sentimiento y de muerte 

SOMBRA DE LOS DÍAS A VENIR

Mañana
me vestirán con cenizas al alba,
me llenarán la boca de flores.
Aprenderé a dormir
en la memoria de un muro,
en la respiración
de un animal que sueña.

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Se la definió como la poeta maldita de América, era extravagante, andrógina, bisexual. En la adolescencia había padecido acné, asma, tartamudeo y tenía tendencia a la obesidad, Se aisló de un mundo al que no entendía, que no la aceptaba y que acabó recluyéndola en un hospital psiquiátrico.

En sus poesías escribe sobre el silencio, la muerte, la locura, la ausencia

 

EN ESTA NOCHE, EN ESTE MUNDO

A Martha Isabel Moia

En esta noche en este mundo
las palabras del sueño de la infancia de la muerte
nunca es eso lo que uno quiere decir
la lengua natal castra
la lengua es un órgano de conocimiento
del fracaso de todo poema
castrado por su propia lengua
que es el órgano de la re-creación
del re-conocimiento
pero no el de la resurrección
de algo a modo de negación
de mi horizonte de maldoror con su perro
y nada es promesa
entre lo decible
que equivale a mentir
(todo lo que se puede decir es mentira)
el resto es silencio
sólo que el silencio no existe

no
las palabras
no hacen el amor
hacen la ausencia
si digo agua ¿beberé?
si digo pan ¿comeré?

en esta noche en este mundo
extraordinario silencio el de esta noche
lo que pasa con el alma es que no se ve
lo que pasa con la mente es que no se ve
lo que pasa con el espíritu es que no se ve
¿de dónde viene esta conspiración de invisibilidades?
ninguna palabra es visible.

 

Vivió en París trabajando de traductora, allí conoció, fue amiga y protegida de escritores como Cortázar, Octavio Paz, Ítalo Calvino, Rosa Chacel o Mujica Láinez, con quien realizó una exposición de sus dibujos y pinturas.

Ella decía: “La poesía no es una carrera sino un destino”. 

 

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Despedida

Mata su luz un fuego abandonado.
Sube su canto un pájaro enamorado.
Tantas criaturas ávidas en mi silencio
y esta pequeña lluvia que me acompaña.

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A Ester Singer

Alguna vez
alguna vez tal vez
me iré sin quedarme
me iré como quien se va

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Pero hace tanta soledad
que las palabras se suicidan.

 

 

URÓBOROS. En mi fin está mi principio

Uróboros su nombre, que procede del griego,  significa serpiente que se come la cola. Es una figura que se forma a partir de los opuestos Al hacerlo forma un círculo que simboliza el ciclo eterno de las cosas, el renacimiento, también el esfuerzo y la fatalidad en donde todo vuelve a empezar a pesar de los esfuerzos para impedirlo. El sol, las olas del mar, lo que cae para lego volver a empezar. La eternidad.

Ya en Egipto, en la cámara de la pirámide de Unis, en el 2300 a.C. se encontró un jeroglífico que lo representaba.

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En alquimia  la iconografía alquímica, En la Chrysopoepia, tratado alquímico del s. II, el más antiguo que se conoce, aparece representando la obra circular del alquimista, la transformación de los metales en oro como símbolo de purificación. El color verde se asocia con el principio, mientras que el rojo simboliza la consumación del objetivo del Magnus Opus.

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El sentido del uróboros lo encontré en la poesía de T. S. Eliot:

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En mi principio está mi fin. Una tras otra
Las casas se levantan y se derrumban, se desmoronan, se extienden,
Son arrancadas, destruidas, restauradas, o en su lugar
Queda un baldío, una fábrica o un paso a desnivel.
Viejas piedras para nuevos edificios,
Vieja leña para nuevas hogueras,
Viejas hogueras para las cenizas y cenizas para la tierra
Que ya es carne, pieles y heces,
Huesos humanos y animales, tallos y hojas de cereal.
Las casas viven y mueren.
Hay un tiempo para la construcción,
Un tiempo para habitar y engendrar
Y un tiempo para que el viento rompa el cristal desprendido
Sacuda las maderas en que trota el ratón del campo
Y el tapiz en jirones donde se halla bordado
Un lema silencioso.
En mi principio está mi fin. Ahora cae la luz.

 

El sentido del uróboros está grabado en la tumba del gran poeta Giacomo Leopardi. Dentro de él una lechuza y una lámpara encendida ambas símbolo de la sabiduría y el conocimiento.

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Todas las cosas desde la eternidad son de formas semejantes y dan vueltas en círculos” (Marco Aurelio).

 

Un museo en donde todo tiene sentido

Cuando lo ves desde lejos parece un edificio en construcción, está en Serós (Lleida), entre campos de viñas y de olivos. Es el espacio transmisor del Túmulo Megalítico. Un museo diseñado por el arquitecto Toni Gironès (Badalona, 1965).

 

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En el año 2007 cuando se realizaban unas obras en el canal Segarra-Garriges se descubrieron casualmente los restos de una tumba megalítica del tipo dolmen pirenáico. estudios posteriores determinaron que fue usada para enterramientos colectivos entre los años 2750 al 2000 aC.  En ella se encontraron huesos humanos, objetos de metal, de  bronce y cuentas de collares de conchas finamente trabajadas.

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Pero lo excepcional no fue tan solo eso. Las grandes piedras cuadrangulares de las que se componía el dolmen estaban trabajadas con dibujos geométricos por ambas caras y eran muy anteriores a aquel período.  Eran los fragmentos de tres estatuas-menhires que se destruyeron expresamente para construir la tumba y los dibujos representaban las vestimentas de los personajes a los que hacían referencia, en ellos se observaba claramente un cinturón y una capa similar a la que llevaba Ötzi el hombre de los hielos que vivió aproximadamente hace 3.350 – 3.100 años a.C.

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Los fragmentos de tres estelas que formaban parte de un cromlec, una de ellas la que debía estar en el centro medía como mínimo  siete metros de altura y pesaba alrededor de 5,5 toneladas. Es la más alta de todo el continente europeo. Están datadas entre 4000 y 3000 años a.C. (La pirámide de Keops fue construida sobre el año 2600 a.C.).

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Para albergar este conjunto excepcional que abre muchos interrogantes sobre los antiguos pobladores de nuestro territorio  se ideó un museo también excepcional.

Está hecho con ladrillos de obra vista, hierros para la construcción y botellas de cristal. Se ilumina por grandes lucernas que dirigen la luz del sol como si fueran potentes focos  a las piezas expuestas. La ventilación en verano se consigue retirando algunas botellas estratégicamente situadas para crear corriente de aire, y en invierno se mantiene el calor tapándolas con corchos para así crear cámaras de aire caliente.

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Pero sin duda lo mejor es cómo se accede al túmulo en donde están las estelas.

Es a través de un recorrido en forma de espiral cuadrangular formado por paredes de ladrillos con orificios. A medida que te adentras va disminuyendo la luz, también el sonido, al principio cuando pisas el suelo, al ser de fragmentos de ladrillo, hace ruido, pero la textura del firme se va suavizando hasta quedar reducida a polvo rojo que absorbe el sonido. Cuando aparece el silencio y la penumbra llegamos a las estelas en donde se focaliza la luz del día.

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Es difícil explicar lo que se siente. Es como ver algo sagrado, un símbolo que sin palabras llega directo al corazón. Un espacio de reflexión profunda.

Luego seguimos la espiral, el suelo empieza a crujir, se espesa, cada vez entra más luz. El museo nos devuelve al mundo.

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Pero nosotros ya no somos los mismos.