Dibujo

Kirie. Solo con un papel y unas tijeras

El Kiri-e es un arte ancestral japonés que consiste en crear una obra plástica a partir de una hoja de papel, recortándola y contrastándola con un fondo negro.

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Esta técnica ya se usaba hace más de mil años, era el Isi-Katagami y consistía en recortar  plantillas de papel para estampar los dibujos en los kimonos. se hacía con brochas consiguiendo así hermosos patrones.

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El efecto que produce el Kirie es como el de una delicada puntilla, una filigrana, hecha con mucha habilidad y paciencia.

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“La impaciencia entorpece el pensamiento y lo transforma en impulso. La paciencia es inteligencia, por lo tanto es equilibrio y armonía del espíritu”.

Norys Uribe Santana

 

 

 

Dibujos que descubren la verdad. Lois Gibson

Antes el dibujo y la pintura servían para reproducir y conservar en el recuerdo paisajes y  personas, desde que apareció la fotografía en el siglo XIX su esencia cambió, pero sigue habiendo un tipo de dibujos en donde la reproducción para el recuerdo aún es crucial e insustituible. El dibujo forense.

Lois Gibson es una de sus máximas exponentes. Trabaja para la policía de Houston y esta es su historia.

Todo empezó con un suceso muy desgraciado. En 1971 y con 21 años fue asaltada y violada en Los Ángeles, fue tal el impacto que le provocó que no pudo ni denunciar los hechos, pero retuvo la cara de su agresor, poco más tarde y por casualidad le volvió a ver cuando era detenido por la policía por otro delito.

Años después se licenció en Arte y se dedicó a hacer retratos callejeros para poder sobrevivir. Se trasladó a Houston al enamorarse de un turista que posó para ella de modelo. Fue allí en donde un día se ofreció a colaborar con la policía al no poder olvidar su experiencia traumática. Desde 1989 Lois ha ayudado a identificar más de 1266 delincuentes.

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Al principio nadie creyó que aquella pintora pudiera resolver nada, sobre todo porque la gente cuando es agredida tiende a no querer recordar nada, pero ella no les preguntaba por la cara sino por la expresión, eso les desbloqueaba y así empezaba a dibujar.

 

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Lois también puede reconstruir rostros a través del tiempo, con fotos de niños desaparecidos o dados en adopción ha ayudado a su identificación al poder dibujar su apariencia actual. Incluso a rescatar los rostros de personas asesinadas en el Holocausto gracias a los testimonios de familiares.

Hoy da clases en el Instituto de Arte Forense de Houston que fue fundado por ella.

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«Tengo 68 años y te juro que no puedo dejar este trabajo. Soy una adicta. Es demasiado maravilloso poder detener asesinos con solo un dibujo». 

Odilon Redon. El simbolismo fantástico

Odilon Redon (Burdeos 1840- París 1916) fue un pintor simbolista al que se le considera uno de los precursores del surrealismo.

En su obra lo corriente se convierte en excepcional y místico. Los mitos paganos conviven con el materialismo científico y los animales imaginarios se pasean entre piezas de maquinaria.

Redón hace el retrato del inconsciente, el dibujo de las imágenes de los sueños.

Sus personajes parecen tranquilos, pero intranquilizan. Esconden una historia, muchos sonríen, saben que guardan un secreto que nunca revelaran al que los observa.

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Hasta 1890 su pintura fue casi exclusivamente en blanco y negro, estuvo muy influido por Goya (que murió en Burdeos, su ciudad natal). A él le dedica varias de sus litografías inspiradas en las series de Los caprichos, Los desastres de la guerra y las pinturas negras.

 

 

 

 

Poco a poco, ya en la cincuentena, va llegando al color realizando acuarelas y óleos. Era un gran admirador de Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire y de Charles Darwin, de quienes ilustró varias publicaciones.

Su obra se mantuvo casi en el anonimato hasta que se publicó una novela de culto en 1884, “À rebours”,de Joris-Karl Huysmans, en la que aparece un aristócrata decadente que colecciona dibujos de Redon.

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“Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible”.

“Mis dibujos inspiran, no se definen. No determinan nada. Ellos los colocan en el ambiguo mundo de la indeterminación. Se trata de una especie de metáfora”.

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“¿Lo que distingue al artista del aficionado? Sólo el dolor que siente el artista. El aficionado busca sólo placer en el arte.”

 

Odilon Redón murió en París el 6 de julio de 1916.

 

 

 

William Morris. Arts & Crafts

“Si me preguntasen cuál es la producción más importante del arte contestaría que una casa hermosa, y si me preguntasen la segunda en importancia diría que un libro hermoso”.

 

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La casa roja, en donde todo estaba diseñado por él.

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Uno de sus libros: “News from nowhere”

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William Morris

William Morris (Walthamstow,1834- Londres, 1896) fue arquitecto, diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista y activista político. Aunque perteneció a la época victoriana, marcada por el romanticismo y el despertar del desarrollo industrial, fue un hombre de espíritu renacentista.

Nació en una familia acomodada, pero pronto puso en entredicho su situación privilegiada y se dedicó a cambiar el mundo sublevándose contra lo establecido.

“No quiero arte para unos pocos de la misma manera que no quiero educación para unos pocos o libertad para unos pocos”.

Empezó por lo más simple. Un día al ver las casas en donde vivían los trabajadores se propuso cambiar su calidad de vida intentando impregnar todo lo que les rodeaba de belleza y comodidad. Así nació el movimiento Arts & Crafts  que también incluía el respeto por el medio ambiente y la conciencia política.

“No tengas nada en tu casa que no sepas que es útil o que no consideres bello”

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Diseñó muebles, joyas, vajillas, libros, tapices, azulejos, papeles pintados inspirados en la naturaleza (muchos de sus diseños aún se pueden ver en las paredes de las casas modernas) 

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“El verdadero secreto de la felicidad reside en sentir un interés genuino por los pequeños detalles de la vida cotidiana” 

La influencia de su obra se extendió por toda Europa: Gran Bretaña (Margaret Mcdonal), Alemania y Austria (Hoffmann, G. Klimt) Cataluña (Puig i Cadafalch, Lluis Masriera) y también a Los Estados Unidos (Frank Lloyd Wright)

He podido admirar más de trescientos de sus diseños en el MNAC de Barcelona. Nada más entrar en la exposición me sentí bien, todo es armónico, delicado, todo está creado para complacer. Me transportó a la Edad Media, al Renacimiento, al Modernismo, a la naturaleza, y también a mi infancia, porque el papel pintado del comedor de casa se parecía mucho a uno de sus diseños.

“El pasado no está muerto, vive en nosotros, y estará vivo en el futuro que estamos ayudando a hacer.” 

Una maravilla. Estará en el MNAC de Barcelona hasta el 21 de mayo de 2018.

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El libro de los abrazos de Eduardo Galeano

Sí, cada una de las casi doscientas historias del libro son como un abrazo. Un abrazo suave, poético, intimo. Un abrazo que parece mínimo por lo breve, pero que te hunde en los abismos inexplorados de tu propia alma como brazos que llevan a las estrellas.

Empieza así:

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Cada historia va acompañada por un dibujo, simple, surrealista como son los sueños de la infancia.

La mayoría de los dibujos son del mexicano José Guadalupe Posadas, pero algunos son del propio Galeano.

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Todas ellas se ubican en países americanos, en España y en Barcelona que es donde se exilió. Aquí os dejo tres de ellas:

El lenguaje del arte 

El Chinolope vendía diarios y lustraba zapatos en La Habana. Para salir de pobre, se marchó a Nueva York.
Allá, alguien le regaló una vieja cámara de fotos. El Chinolope nunca había tenido una cámara en las manos, pero le dijeron que era fácil:
 – Tú miras por aquí y aprietas allí. 
Y se echó a las calles. Y a poco andar escuchó balazos y se metió en una barbería y alzó la cámara y miró por aquí y apretó allí.
En la barbería habían acribillado al gangster Joe Anastasia, que se estaba afeitando, y esa fue la primera foto de la vida profesional de Chinolope.
Se la pagaron una fortuna. Esa foto era una hazaña. El Chinolope había logrado fotografiar la muerte. La muerte estaba allí: no en el muerto, ni en el matador. La muerte estaba en la cara del barbero que la vio.

 

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La pálida

Mis certezas desayunan dudas. Y hay días en que me siento extranjero en Montevideo y en cualquier otra parte. En esos días, días sin sol, noches sin luna, ningún lugar es mi lugar y no consigo reconocerme en nada, ni en nadie. Las palabras no se parecen a lo que nombran y ni siquiera se parecen a su propio sonido. Entonces no estoy donde estoy. Dejo mi cuerpo y me voy, lejos, a ninguna parte, y no quiero estar con nadie, ni siquiera conmigo, y no tengo, ni quiero tener, nombre ninguno. Entonces pierdo las ganas de llamarme o ser llamado.

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Llorar

Fue en la selva, en la amazonia ecuatoriana.
Los indios shuar estaban llorando a una abuela moribunda.
Lloraban sentados, a la orilla de su agonía.
Un testigo, venido de otros mundos, preguntó:
– ¿Por qué lloran delante de ella, si todavía está viva?
Y contestaron los que lloraban:
– Para que sepa que la queremos mucho.
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Y dos frases:
Una la pone en boca de su amigo Fernando Rodriguez en el cuento Celebración del silencio/1 :
 “No hay que pasar de los setenta, porque entonces te enviciás y ya no querés morirte”.
Y la otra forma parte de la historia Sucedidos/3 que habla de un médico de Nicaragua: 
…”Porque él cura tocando. Y contando, que es otra manera de tocar”.
 
 
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ESCHER. Un artista mágico y matemático

“Asombrarse es la esencia de la vida”

Maurits Cornelis Escher nació en Leeuwarden el 17 de junio de 1898 y murió en Hilversum en 1972. Empezó estudiando arquitectura, pero enseguida destacó en el dibujo y en el grabado de madera. Este artista holandés fue reconocido por sus grabados xilográficos y litográficos en los que representaba figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios. Por una obra mágica y matemática al mismo tiempo.

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A Escher le obsesionaba la realidad y la forma de plasmarla en el plano. Con la representación en tres dimensiones creaba obras capaces de saltar por encima de las normas, por encima del papel, que producían efectos imposibles.

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Contemplar los tres planos de la naturaleza como  en “Three worlds” en donde vemos la superficie del agua (las hojas), el fondo del río (el pez) y el exterior (los árboles).

Escher descubre el misterio de la geometría en un viaje a España, en la Alhambra de Granada, en donde copia y se inspira en muchos de los motivos ornamentales. Usa patrones rellenando todos los espacios sin dejar ningún hueco.

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Él quería que sus obras estuvieran exentas de todo mensaje político y social, que fueran una mera recreación visual. Incluso llegó a ponerles precios exorbitados en un intento inútil de que no se difundieran, Pero sus diseños se extendieron y hoy forman parte de posters, películas (Incepción, Tron, Dentro del laberinto), video juegos (Echochrome, Monument Valley) y  libros como “Caleidociclos” de editorial Taschen en donde se incluyen las instrucciones para el montaje de sus figuras.

Nadie puede abstraerse a sus imágenes hipnóticas, a sus fractales, a sus construcciones imposibles en donde se puede bajar y subir al mismo tiempo. A su geometría.

Una vez alguien dijo que la geometría era el único arte directamente ligado al retorno del hombre al Paraíso.