Autor: Carme Garcia i Parra

El 9 de marzo a las 8.39 en la tumba de Saskia

Saskia Uylenburg (Leeuwarden, 1612-Amsterdam, 1642) fue la esposa de Rembrandt. Su historia es romántica y trágica. Estaban muy enamorados, pero ella enfermó poco después de casarse.

Rembrandt la dibujó justo después de pedirla en matrimonio con la flor en la mano que le regaló.

Debajo del retrato él mismo escribió: “Este es el retrato de mi esposa de 21 años, a los tres días de nuestro compromiso. El 8 de junio de 1633”.

Saskia aparece en muchos de sus cuadros como modelo, en escenas cotidianas o representando figuras mitológicas. En muchos de ellos lleva en la mano una flor, símbolo de la felicidad conyugal.

Saskia disfrazada como Flora (1634)

Tuvieron tres hijos que fallecieron poco después de nacer y uno que sobrevivió: Titus. Saskia murió al año siguiente, tenía 29 años, se cree que a causa de la tuberculosis, y fue enterrada en la Oude Kerk de Amsterdam. Rembrandt acababa de terminar su obra “Ronda de noche”. En el cuadro aparece un ángel junto a las dos figuras centrales que emite luz propia. Su cara recuerda mucho a Saskia. Después de su muerte estuvo años sin pintar.

Pero la vida sigue y el pintor tuvo que cuidar del niño. La sirvienta Hendrickie Stoffels, se convirtió en su nueva compañera. No pudo casarse con ella porque hubiera perdido los derechos sobre la herencia de Saskia, quizás no quiso. Hendrickie murió en 1662 y Rembrandt se vio obligado a vender la tumba de Saskia para poder pagar su entierro.

La tumba de Saskia está en la Oude Kerk, en un lugar oscuro, pero cada 9 de marzo a las 8.39 de la mañana un rayo de sol la ilumina. Para agradecer esa luz y recordar a Saskia, cada año ese día y a esa hora se reúne gente en las afueras de la iglesia y se celebra un desayuno al sol.

las

Aleix Clapès. El pintor misterioso

El personaje del cuadro que presenta esta entrada no es Aleix Clapès, es el retrato que el pintor hizo de Manuel Dalmau Oliveres, pero nos abre la puerta al mundo tenebrista y simbólico del autor.

Autorretrato

Este sí es su autorretrato. Mirada brillante y dura, medio velado entre la luz y la sombra. Aleix Clapès (Vilassar 1846-Barcelona 1920). Fue uno de los representantes del modernismo catalán. Compañero de Ramón Casas, de Santiago Rusiñol, de Domènec i Montaner, amigo intimo de Gaudí y de Eusebi Güell, para quien colaboró y trabajó en el Palau Güell y en La Pedrera. De repente su amistad con los dos se rompió, nunca se supo bien porqué, se dice que porque no cumplía con sus trabajos, porque hacia lo que quería y tenía un carácter muy difícil.

Clapès era un pintor multidisciplinario, había sido fotógrafo, editor, propietario de una tienda de pinturas. Diseñó muebles, hizo tapices (muchos de ellos desaparecidos), incluso ganó un premio en un concurso de poesía en el que Àngel Guimerà estaba de jurado con su obra “Mar Latino”

Hace unos días pude admirar su pintura en la exposición que hay sobre él en el Palau Güell de Barcelona (“El inquietante pintor de Güell y Gaudí”, Dic 2020 – Mayo 2021). Me impresionó lo fantasmagórico de sus retratos. Es como si pintara espíritus, personas difuminadas y esquivas, todas ellas inquietantes.

Parte de su leyenda dice que en 1920 León Trotski adquirió uno de sus cuadros “El peón” para exponerlo en el Kremlin y que poco después el mismísimo Stalin le escribió para elogiar y comentar la obra. No se conserva la carta ni se sabe nada del cuadro.

Clapès fue una figura de extremos, ganó mucho dinero y acabó en la ruina, fue ensalzado como un genio y denostado y rebajado por otros. El crítico Ramón Casellas era un entusiasta de su arte mientras que Feliu Elias le calificaba de “calamidad plástica” y de “energúmeno sin humanidad ni maneras”; y Picasso y Casagemas se referían a él como “el loco de Clapès”.

Aleix Clapès murió el 17 de septiembre de 1920, a los 64 años, mientras decoraba el vestíbulo y la escalera del manicomio del hospital de la Santa Creu.

Una de sus pinturas más emblemáticas, de grandes proporciones (2.5m x 6.80m) “Traslado de los restos de Santa Eulalia” está expuesta en la Sala de Actos del Hospital de Sant Pau.

Quizás tuvo una personalidad complicada, pero eso es algo inherente a los grandes creadores, a la gente capaz de tocar el cielo y el infierno con el mismo dedo.

Flores del vestíbulo de La Pedrera pintadas por Aleix Clapès.

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Durante más de cinco años he estado escribiendo una entrada semanal en este blog. Cada miércoles. Nunca fallaba, ni durante las vacaciones, ni cuando estaba enferma, ni durante los viajes.

He escrito desde Creta, desde La India, desde Albania, desde  montañas y playas. Durante el primer confinamiento escribí acerca de personas que vivieron encerradas y que la inspiración no les abandonó, sino que pudo incentivarlos.

Pero hace poco, un día al despertar no supe qué escribir. Intenté seguir hablando sobre las cosas que me gustan y que me emocionan, sin pretensiones, como siempre, de una manera escueta, abriendo pequeñas ventanas para que puedan entrar las ideas mezcladas con el aire. Pero nada. Solo podía mirar al techo.

Y me pregunté para qué o quién debía de seguir haciéndolo, ¿tenía algún sentido?. Porque un blog no deja de ser como disparar a ciegas, nunca sabes en donde impactará tu escrito, ni tan siquiera si de verdad lo leerá alguien. ¿Valía la pena?

No sé qué ha pasado, quizás nada, pero hoy he deseado volver al blog y aquí estoy. La situación externa no ha cambiado, incluso en el sitio mágico en donde casi siempre escribo sigo obligada a llevar mascarilla.

No hace falta entender. Quizás uno siempre escribe para sí mismo. Qué más da.

RANGOLIS. Protección y Bienestar

El origen la palabra “Rangoli” proviene del sánscrito “rang” que significa color y “aavalli” enredadera.

Esos dos elementos se combinan creando una expresión artística que aporta bienestar a todo el que lo contempla y que sirve de protección ante el mal.

Se hacen con pétalos de flores, harina, semillas o arena coloreada. Es un arte efímero que transmite la idea de fragilidad y de provisionalidad de la vida.

Cuenta la leyenda que un sumo sacerdote cayó en la más profunda tristeza tras la muerte de su hijo y que oró a Brahma pidiéndole que devolviera la vida al niño. Brahma conmovido por su dolor pidió a una mujer que dibujara en el suelo el retrato del pequeño, sopló sobre él y resucitó al niño. Así nació el primer rangoli.

Hoy en día los dibujos se realizan a la entrada de las casas para protegerlas de las desgracias y como saludo a los huéspedes. Normalmente los crean las mujeres.

Es una tradición que ha ido pasando de generación en generación porque con la armonía de sus formas y colores reduce la energía negativa y atrae a la buena suerte.

También se dice que empezaron a hacerse porque al barrer el piso de las casas o cubrirlo con estiércol se formaban líneas disarmónicas que rompían los flujos energéticos.

Recuerdan mucho a las estructuras fractales, una figura que se repite formando un todo sin principio ni fin.

Como esta poesía de Rabindranath Tagore:

SERVIR

«Dormía, y soñaba
que la vida era alegría.

Desperté, y vi
que la vida era servicio.

Serví, y vi
que el servicio era alegría.»

“No hay paz que no pueda hallarse en el momento presente”.Tasha Tudor

Tasha Tudor (Boston, 28 agosto 1915- Vermont, 18 junio 2008) fue una ilustradora de cuentos infantiles que decidió vivir en la naturaleza y con los recursos del pasado.

Tasha Tudor. Ilustración Laura in the snow.

Hilaba sus propias ropas, sembraba sus hortalizas, ordeñaba a las cabras. Vestía faldas largas con delantales y cofias. Fue descalza, siempre que pudo, hasta el final de sus días. Cambió su nombre por Tasha en honor a Natasha Rostova de Guerra y Paz, y Tudor que era el apellido de su madre.

Desde muy pequeña adoraba los objetos antiguos y bellos, los cuales representaba en todas sus pinturas, así como las flores, que enlazaba en guirnaldas dotando a sus dibujos de una delicada feminidad con aires de otros tiempos.

En 1944 publicó su primer libro “Mother Goose” que le permitió comprarse y restaurar una granja antigua y vivir según sus deseos. Publicaría cien más, así como numerosas tarjetas postales (más de cuatrocientas) que le darían fama mundial.

Hoy en día la gente está tan abatida. Si tomaran un té de manzanilla y pasaran más tiempo libre por la noche disfrutarían más de la vida”.

También confeccionaba cestas, marionetas y muñecas y hacía representaciones teatrales para su familia. Se han hecho varios documentales de su vida, el primero en 1957 fue: The Golden Key: Enter the Fantasy World of Tasha Tudor.

“La manera más básica y poderosa de acercarse a una persona es escuchándola”.

Fue un emblema del romanticismo rural. Dedicó su vida a la belleza y a la sensibilidad, a la jardinería y a sus perros Corgi, de los que decía tenían mirada de persona y enseñó a vivir de otra manera, más ligada a la tierra, a la familia y a las cosas sencillas y entrañables.

A pesar de todas las contaminaciones y horrores, qué hermoso es este mundo”.

Suponiendo que solo vieras las estrellas una vez al año, piensa en lo maravilloso que es el mundo”.

Tú eres todas las combinaciones de números. La vida. Frida Khalo

Todos conocen a Frida Khalo ( Coyoacán, 1907-1954) como pintora, pero hay una faceta de ella inédita que también destila sensibilidad y realismo, que transporta directamente a su universo. Son sus escritos.

 “Estoy bien… Bien hundida, bien decepcionada, bien vacía. Bien harta, bien rota. Bien fracasada, bien inestable, bien cansada… Definitivamente: Estoy bien“.

Estos son versos extraídos de su diario. En ellos se retrata igual que en sus pinturas.

He aquí algunos fragmentos de sus cartas a su gran amor Diego Rivera:

… Cuando me dijeron que habrían de amputarme la pierna no me afectó como todos creían, NO, yo ya era una mujer incompleta cuando le perdí, otra vez, por enésima vez quizás y aún así sobreviví…
No pretendo causarte lástima, a ti ni a nadie, tampoco quiero que te sientas culpable de nada, te escribo para decirte que te libero de mí, vamos, te “amputo” de mí, sé feliz y no me busques jamás…
Se despide quien le ama con vehemente locura,
Su Frida.

…”Recuerda que siempre te amaré
aunque no estés a mi lado.
Yo en mi soledad te digo,
amar no es pecado a Dios”.
..

“Tú eres todas las combinaciones de números. La vida”.

Mi deseo es entender la línea, la forma, el movimiento.
Tú llenas y yo recibo.

Tu palabra recorre todo el espacio y llega
a mis células que son mis astros y va
a las tuyas que son mi luz
“.

Nunca fue ni será mío.
Es de él mismo.
La vida callada dadora de mundos,
lo que más importa es la no ilusión.
La mañana Nace,
los rojos amigos,
los grandes azules,
hojas en las manos,
pájaros ruideros,
dedos en el pelo,
nidos de palomas,
raro entendimiento de la lucha hermana,
sencillez del canto de la sinrazón,
locura del viento en mi corazón.
Dulce xocolatl del México antiguo,
tormenta en la sangre que entra por la boca.
Compulsión,
augurio,
risa
y dientes finos,
agujas de perla
para algún regalo de un siete de julio.
Lo pido,
me llega,
canto,
cantando,
cantaré desde hoy
nuestra magia, amor.

Aunque haya dicho “te quiero” a muchos y haya tenido citas y besado a otros, en el fondo sólo te he amado a ti…

Yo lo veía… y puedo jurar que no me quedaban ganas de ver a nadie más. En ese preciso momento comprendí, que los ojos siempre le pertenecen a las personas que los hacen brillar.

Quisiera darte todo lo que nunca hubieras tenido, y ni así sabrías la maravilla que es poder quererte.

– No voy a pedirte que me escribas, que te quedes, que me beses, que me abraces o que me quieras. Porque si tengo que pedirlo, ya no lo quiero.

-Bebía porque quería ahogar mis penas, pero las malvadas aprendieron a nadar.


Mereces un amor que te quiera despeinada, con todo y las razones que te levantan de prisa, con todo y los demonios que no te dejan dormir.
Mereces un amor que te haga sentir segura, que puede comerse al mundo si camina de tu mano, que sienta que tus abrazos van perfectos con su piel.
Mereces un amor que quiera bailar contigo, que visite el paraíso cada vez que mira tus ojos y que no se aburra nunca de leer tus expresiones.
Mereces un amor que te escuche cuando cantas, que no le asuste caer.
Mereces un amor que se lleve las mentiras, que te traiga la ilusión, el café y la poesía.


“No quiero un final feliz, quiero una vida llena de momentos felices, porque al final todo es triste”.

Sin duda fue una mujer que sufrió mucho por su enfermedad, sus circunstancias y la intensidad de su temperamento, pero en el fondo en su obra siempre hay color, formas exuberantes y pasión. Siempre buscó la felicidad:

Ser feliz es una decisión que hay que tomar todos los días, que no depende de las condiciones de vida que uno tenga, sino de la actitud con la cual enfrenta los problemas. La felicidad es eso: Decidir ser feliz”.

Piero Fornasetti. El lenguaje a través de los objetos y de su musa

Piero Fornasetti (1913-1988). Nació en Milán en la mansión que habían construido sus padres, roja por fuera y laberíntica por dentro. Fue uno de los grandes artistas italianos que destacaron en la historia del diseño. Pintor, escultor, interiorista estuvo muy influenciado por los surrealistas y sobre todo por Giorgio de Chirico.

Con una sola idea era capaz de crear muchas versiones, todas ellas inspiradoras y únicas. En su obra se repiten soles, lunas, manos, monedas, instrumentos musicales, y sobre todo la cara de una mujer, la cantante de ópera Lina Cavalieri, la descubrió en una revista del siglo XIX y creó con su cara una serie de 350 variaciones (Tema y Variaciones).

Piero Fornasetti

“Empecé a pintarla y nunca paré”, dijo de su musa que se convirtió en su imagen icónica.

Lina Cavalieri (1874-1944) era una famosa soprano que había actuado con Caruso en Nueva York, también era actriz y monologuista, y estaba considerada “la mujer más bella del mundo”. A los sesenta años se alistó como enfermera voluntaria durante la Segunda Guerra Mundial y murió por un bombardeo aliado en su casa de Florencia.

Ellos nunca se conocieron.

La fisonomía de Lina siempre estará asociada a Fornasetti.

“Fornasetti creó más de 11.000 artículos, muchos de ellos con el rostro de una mujer, la soprano de ópera Lina Cavalieri, como un motivo”  El diseñador Piero Fornasetti y la cara de la soprano Lina Cavalieri 10

Para él cualquier objeto tenía vida en si mismo y servía para expresar su arte

Conservó más de 10 años una berenjena para ver como iba cambiando e irla dibujando. Su filosofía era la libertad creativa y el rigor artesano.

“Nací pintor –aseguró en una entrevista antes de morir–, empecé a los diez años y nadie me enseñó, aprendí de los libros”.

“Lo primero es pintar un desnudo. Cuando lo consigues, puedes diseñar un edificio o un coche”. Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

El Atelier Fornasetti hoy en día está dirigido por su hijo Barnaba Fornasetti usando muchos de los patrones originales y aplicando el color a mano.

Philippe Starck dice de él: “Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños. Cada objeto es una puerta abierta que te aspira, como en Alicia en el País de las Maravillas”.

El vendedor de lámparas que supo fotografiar un mundo

Gilbert Garcin (La Clotat, Francia, 1929-2020), es uno de los fotógrafos franceses surrealistas más reconocidos. Ha expuesto en todo el mundo. Su historia es tan alucinante como su obra.

Hasta los 65 años tuvo una vida convencional, trabajaba en una tienda de lámparas como comercial. Su vida artística empezó cuando se jubiló. Siempre había sido habilidoso y le habían gustado las fotos, así que se inscribió en Arles en los talleres de fotografía. Como no tenía demasiadas posibilidades económicas hizo el mismo de modelo en todas sus fotos, más tarde convenció a Monique, su mujer, que al principio se oponía a salir en sus “inventos” para que le acompañara en sus composiciones.

Porque Garcin, no solo fotografiaba sino que recortaba las fotos y las pegaba en un soporte de madera para poder componer con ellas un mundo, el de los sentimientos, el de las relaciones humanas, el de la pareja.

Todas sus fotografías sugieren mil historias según quien las contemple:

-Mira, se están peleando. Se están peleando, pero eso les mantiene unidos.

-No, viven juntos desde hace mucho tiempo y la convivencia necesita un equilibrio de fuerzas, una armonía para perdurar.

“Comenzar a los 65 años tiene muchas desventajas, y una sola ventaja: la experiencia vivida”.

Gilbert Garcin empezó su obra a los 65 años, pero no expuso profesionalmente hasta los 80.

Murió este año, el 17 de abril de 2020 a los 91 años mientras dormía.

Garcin no solo nos deja un gran legado artístico sino también la certeza de que no hay barreras, de que todo es posible si se tiene un propósito y algo que decir.

Jessie Arms Botke. La pintora de pájaros

Jessie Arms (Chicago 1883- California 1971). “Artista. Decoración de interiores” Así es como Jessie Arms Botke se presentaba ante la sociedad americana. Su obra es mucho más, es una artista de exquisita elegancia que logró captar en sus lienzos y murales toda la majestuosidad de los pájaros y de la naturaleza.

Fue una mujer que decidió no ir a la Universidad para poder ingresar en el Instituto de Arte de Chicago y que consiguió ser una de las figuras más destacadas del impresionismo americano.

Pelícanos, gansos, cacatúas, flamencos, flores tropicales de líneas delicadas inspiradas en la pintura japonesa. Su obra habla por ella misma.

El Hurgador [Arte en la Red]: Recolección / Compilation (CXXXII-1 ...

El mundo del arte a principios del siglo XX era casi exclusivamente masculino, pero Jessie Arms Blotke fue proclamada por los críticos como la mejor pintora decorativa de occidente.

GRULLAS | Murales, Papel pintado de casa, Habitaciones con papel ...

“Pinto… como un pájaro canta”. Claude Monet.

Objetos de deseo. Surrealismo y diseño

La primera exposición que he visitado después de casi tres meses de confinamiento fue la de Caixa Forum en Barcelona “Objetos de deseo. Surrealismo y diseño”. Sí, el surrealismo está bien para empezar, como mínimo es coherente con la situación que estamos viviendo.

Mascarilla, acceder por las zonas habilitadas. No hizo falta mantener la distancia de seguridad, no había nadie. Gracias a ello tuvo una atención personalizada, una de las azafatas del museo me hizo una visita guiada en exclusiva. En el fondo una delicia.

La muestra está dividida en cuatro partes de las que destaco algunas obras:

Sueños de modernidad:

Salvador Dalí y Antoni Gaudi.

Imagen y arquetipo:

Piero Fornasetti. Platos decorados (1950)

Erotismo:

Salvador Dalí. Mae West. Sofá labio (1936)

El pensamiento Salvaje:

Fernando y Humberto Campana. “Cabaña” (2003)

En el surrealismo se fuerzan los límites entre la realidad y la ficción. Una forma o un objeto no tiene porqué siempre ser lo que parece. Como la obra de los hermanos Campana, parece una cabaña, pero es una estantería a la que solo se puede acceder metiendo las manos entre la cortina de rafia.

Lo importante son las emociones humanas, lo irracional, la provocación. El absurdo en la vida cotidiana y en el día a día.

Cepillo de Pelo. Bless (1999)

Su ideal de belleza lo describió el Conde de Lautréamont: “Bella (…) como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección”.

Su fuerza vital, su sentido profundo está en el binomio Eros-Tánatos, la relación entre la vida y la muerte. ¿O acaso no es absurdo nacer para morir irremediablemente?