Autor: Carme Garcia i Parra

Piero Fornasetti. El lenguaje a través de los objetos y de su musa

Piero Fornasetti (1913-1988). Nació en Milán en la mansión que habían construido sus padres, roja por fuera y laberíntica por dentro. Fue uno de los grandes artistas italianos que destacaron en la historia del diseño. Pintor, escultor, interiorista estuvo muy influenciado por los surrealistas y sobre todo por Giorgio de Chirico.

Con una sola idea era capaz de crear muchas versiones, todas ellas inspiradoras y únicas. En su obra se repiten soles, lunas, manos, monedas, instrumentos musicales, y sobre todo la cara de una mujer, la cantante de ópera Lina Cavalieri, la descubrió en una revista del siglo XIX y creó con su cara una serie de 350 variaciones (Tema y Variaciones).

Piero Fornasetti

“Empecé a pintarla y nunca paré”, dijo de su musa que se convirtió en su imagen icónica.

Lina Cavalieri (1874-1944) era una famosa soprano que había actuado con Caruso en Nueva York, también era actriz y monologuista, y estaba considerada “la mujer más bella del mundo”. A los sesenta años se alistó como enfermera voluntaria durante la Segunda Guerra Mundial y murió por un bombardeo aliado en su casa de Florencia.

Ellos nunca se conocieron.

La fisonomía de Lina siempre estará asociada a Fornasetti.

“Fornasetti creó más de 11.000 artículos, muchos de ellos con el rostro de una mujer, la soprano de ópera Lina Cavalieri, como un motivo”  El diseñador Piero Fornasetti y la cara de la soprano Lina Cavalieri 10

Para él cualquier objeto tenía vida en si mismo y servía para expresar su arte

Conservó más de 10 años una berenjena para ver como iba cambiando e irla dibujando. Su filosofía era la libertad creativa y el rigor artesano.

“Nací pintor –aseguró en una entrevista antes de morir–, empecé a los diez años y nadie me enseñó, aprendí de los libros”.

“Lo primero es pintar un desnudo. Cuando lo consigues, puedes diseñar un edificio o un coche”. Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

El Atelier Fornasetti hoy en día está dirigido por su hijo Barnaba Fornasetti usando muchos de los patrones originales y aplicando el color a mano.

Philippe Starck dice de él: “Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños. Cada objeto es una puerta abierta que te aspira, como en Alicia en el País de las Maravillas”.

El vendedor de lámparas que supo fotografiar un mundo

Gilbert Garcin (La Clotat, Francia, 1929-2020), es uno de los fotógrafos franceses surrealistas más reconocidos. Ha expuesto en todo el mundo. Su historia es tan alucinante como su obra.

Hasta los 65 años tuvo una vida convencional, trabajaba en una tienda de lámparas como comercial. Su vida artística empezó cuando se jubiló. Siempre había sido habilidoso y le habían gustado las fotos, así que se inscribió en Arles en los talleres de fotografía. Como no tenía demasiadas posibilidades económicas hizo el mismo de modelo en todas sus fotos, más tarde convenció a Monique, su mujer, que al principio se oponía a salir en sus “inventos” para que le acompañara en sus composiciones.

Porque Garcin, no solo fotografiaba sino que recortaba las fotos y las pegaba en un soporte de madera para poder componer con ellas un mundo, el de los sentimientos, el de las relaciones humanas, el de la pareja.

Todas sus fotografías sugieren mil historias según quien las contemple:

-Mira, se están peleando. Se están peleando, pero eso les mantiene unidos.

-No, viven juntos desde hace mucho tiempo y la convivencia necesita un equilibrio de fuerzas, una armonía para perdurar.

“Comenzar a los 65 años tiene muchas desventajas, y una sola ventaja: la experiencia vivida”.

Gilbert Garcin empezó su obra a los 65 años, pero no expuso profesionalmente hasta los 80.

Murió este año, el 17 de abril de 2020 a los 91 años mientras dormía.

Garcin no solo nos deja un gran legado artístico sino también la certeza de que no hay barreras, de que todo es posible si se tiene un propósito y algo que decir.

Jessie Arms Botke. La pintora de pájaros

Jessie Arms (Chicago 1883- California 1971). “Artista. Decoración de interiores” Así es como Jessie Arms Botke se presentaba ante la sociedad americana. Su obra es mucho más, es una artista de exquisita elegancia que logró captar en sus lienzos y murales toda la majestuosidad de los pájaros y de la naturaleza.

Fue una mujer que decidió no ir a la Universidad para poder ingresar en el Instituto de Arte de Chicago y que consiguió ser una de las figuras más destacadas del impresionismo americano.

Pelícanos, gansos, cacatúas, flamencos, flores tropicales de líneas delicadas inspiradas en la pintura japonesa. Su obra habla por ella misma.

El Hurgador [Arte en la Red]: Recolección / Compilation (CXXXII-1 ...

El mundo del arte a principios del siglo XX era casi exclusivamente masculino, pero Jessie Arms Blotke fue proclamada por los críticos como la mejor pintora decorativa de occidente.

GRULLAS | Murales, Papel pintado de casa, Habitaciones con papel ...

“Pinto… como un pájaro canta”. Claude Monet.

Objetos de deseo. Surrealismo y diseño

La primera exposición que he visitado después de casi tres meses de confinamiento fue la de Caixa Forum en Barcelona “Objetos de deseo. Surrealismo y diseño”. Sí, el surrealismo está bien para empezar, como mínimo es coherente con la situación que estamos viviendo.

Mascarilla, acceder por las zonas habilitadas. No hizo falta mantener la distancia de seguridad, no había nadie. Gracias a ello tuvo una atención personalizada, una de las azafatas del museo me hizo una visita guiada en exclusiva. En el fondo una delicia.

La muestra está dividida en cuatro partes de las que destaco algunas obras:

Sueños de modernidad:

Salvador Dalí y Antoni Gaudi.

Imagen y arquetipo:

Piero Fornasetti. Platos decorados (1950)

Erotismo:

Salvador Dalí. Mae West. Sofá labio (1936)

El pensamiento Salvaje:

Fernando y Humberto Campana. “Cabaña” (2003)

En el surrealismo se fuerzan los límites entre la realidad y la ficción. Una forma o un objeto no tiene porqué siempre ser lo que parece. Como la obra de los hermanos Campana, parece una cabaña, pero es una estantería a la que solo se puede acceder metiendo las manos entre la cortina de rafia.

Lo importante son las emociones humanas, lo irracional, la provocación. El absurdo en la vida cotidiana y en el día a día.

Cepillo de Pelo. Bless (1999)

Su ideal de belleza lo describió el Conde de Lautréamont: “Bella (…) como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección”.

Su fuerza vital, su sentido profundo está en el binomio Eros-Tánatos, la relación entre la vida y la muerte. ¿O acaso no es absurdo nacer para morir irremediablemente?

Galileo Chini. El arte en todo

Apasionado de la belleza, del arte en los objetos cotidianos, en las paredes, en los palacios y en los escenarios, Galileo Chini (Florencia, 1873-1956) fue uno de los artistas que representaron el modernismo italiano, llamado Stilo Liberty o Floreale.

Pintor , decorador, ceramista y diseñador gráfico fue un artista integral de de formación autodidacta que participó en las decoraciones exteriores e interiores de muchos palacios italianos, también hizo carteles y escenografías teatrales trabajando con los textos operísticos de Sem Benelli.

Galileo Chini "vaso arte della ceramica", 1903- 1904. Galileo Chini is the famous Italian artist credited with introducing the art nouveau or Liberty style into Italy. Esculturas, Mosaicos, Tradições Italianas, Objetos, Floreros De Cristal, Jarrón De Porcelana, Diseños Vintage, Uñas Azules, Creatividad

Trabajó para los reyes Rama V y Rama VI de Tailandia, realizando para ellos las pinturas del Palacio del Trono de Bangkok, así como varios retratos del rey Rama VI.

Uno de sus admiradores y mayores coleccionistas fue Luchino Visconti que incluyó en sus películas algunas de sus obras.

A causa de una ceguera progresiva su actividad se fue reduciendo hasta su muerte en Florencia en 1956.

“Aquel que ha contemplado la belleza está condenado a reproducirla o morir”.

Luchino Visconti

No volveré a tocarte. No te veré morir. Idea Vilariño

Se llamaba Idea, Idea Vilariño, nació en Montevideo (Uruguay) el 18 de agosto de 1920. Fue poeta, ensayista y crítica, también compositora y maestra, formó parte de la llamada generación del 45 de la que también formaban parte Juan Carlos Onetti y Mario Benedetti. Su padre, Leandro Vilariño, era un conocido anarquista y poeta. Su madre Josefina Romani fue una especialista en literatura europea. Sus hermanos se llamaban Numen, Poema, Azul y Alma.

YA NO SERÁ

Ya no será,
ya no viviremos juntos, no criaré a tu hijo
no coseré tu ropa, no te tendré de noche
no te besaré al irme, nunca sabrás quien fui
por qué me amaron otros.

No llegaré a saber por qué ni cómo, nunca
ni si era de verdad lo que dijiste que era,
ni quién fuiste, ni qué fui para ti
ni cómo hubiera sido vivir juntos,
querernos, esperarnos, estar.

Ya no soy más que yo para siempre y tú
Ya no serás para mí más que tú.
Ya no estás en un día futuro
no sabré dónde vives, con quién
ni si te acuerdas.

No me abrazarás nunca como esa noche, nunca.
No volveré a tocarte. No te veré morir.

El poema recitado por ella

Idea escribió desde niña, tuvo una infancia difícil por padecer asma y eczema, lo cual la dotó de una extraordinaria sensibilidad. Sus primeros poemas los escribió entre los 17 y los 21 años, luego fue reconocida internacionalmente.

Poema ” Todo es muy simple“. Recitado por ella.
5 poemas de Idea Vilariño

Como compositora, hizo canciones emblemáticas de la música popular uruguaya: A una paloma (cantada por Daniel Viglietti), La canción y el poema (Alfredo Zitarrosa), Los orientales y Ya me voy pa’ la guerrilla  (Los olimareños).

Daniel Viglietti. “A una paloma”

Falleció en Montevideo el 28 de abril de 2009 a los 88 años a causa de una oclusión intestinal. A su entierro no fueron más que diez personas. Al morir dejó una nota que decía: “Nada de cruces. No morí en la paz de ningún señor, etc. Empresa Forestier Posse o Martinelli. Decir allí murió Idea Vilariño. Cremar

“Ah, noches silenciosas, de oscuras lunas suaves,
noches largas, suntuosas, cruzadas de palomas,
en un aire hecho manos, amor, ternura dada,
noches como navíos..
.

“Fragmento de “El Olvido”

Saliendo de la crisálida.

La palabra crisálida deriva del griego Khrysallis que significa oro.
En zoología es el estado previo a la etapa adulta de un insecto, cuando la larva se convierte en imago. Es la metamorfosis completa.
 
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Las crisálidas no suelen moverse ni alimentarse, tan solo esperan su transformación que se va realizando dentro de la cápsula que les protege mientras dura el proceso de transmutación de sus órganos.
 
La fase de crisálida puede durar desde algunas semanas a varios meses.
 
Durante estos meses de confinamiento todos hemos estado en nuestra crisálida. No habrá servido de nada si no conseguimos hacer cambios.
No han de ser grandes cosas, a veces lo pequeño es más importante,
 
Nos habíamos creído que seríamos casi inmortales, que íbamos a vivir mucho más de cien años y un pequeño virus nos pone todo patas arriba.
 

Crisálida es el nombre de una escultura del mexicano Manuel Felguérez. La obra es de 2014 y está elaborada con las piezas de un Volkswagen “Escarabajo”.

Las crisálidas - John Wyndham -5% en libros | FNAC

“Las Crisálidas” del autor inglés John Wyndham, el que escribió “El día de los trífidos”, es una novela ambientada en el futuro después de una guerra nuclear, habla de la intolerancia, de los cambios y de la adaptación.

(…) Dios no tiene la última palabra. Si la tuviera ya estaría muerto. Pero no esta muerto: cambia y crece, como todo lo vivo. Por eso, cuando estaban empeñados en organizar y ordenar el mundo de acuerdo con esa especie de planes eternos que se inventaron, Dios envió la Tribulación para destruirlo todo y recordarles que la vida es cambio.”

Amapolas en la ciudad

Durante las tres primeras semanas de mayo los campos se llenan de amapolas. Es su época de floración más importante, aunque según el terreno también florecen en abril, mayo y septiembre.

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¿Quién no recuerda haber visto campos inflamados de rojo? Y digo recordar porque lo cierto es que las amapolas son una especie en vías de extinción. En botánica se las considera como malas hierbas porque le roban los nutrientes a la tierra en donde hay plantaciones de cereales. Ahora con tantos pesticidas se ha reducido mucho su presencia.

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A las amapolas les gusta crecer en zonas de tierras removidas, en suelos que han sido arados y en campos en donde se han librado batallas, por eso son el símbolo de las Guerras Mundiales. Nunca se encuentran en los bosques o en las altas montañas.  Según el lenguaje de las flores representan la fragilidad y la delicadeza.

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Ahora, entre tantas cosas extrañas que estamos viviendo, se puede observar también un fenómeno maravilloso.

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Están naciendo amapolas en la ciudad.

Balcones

 

 

Burgos, Ciudad Invisible: Balcón en ruinas

Balcón cerrado

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Balcón con pájaro

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Balcón con gato

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Balcón con niño

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Balcón con muchos niños

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Balcón con muchas flores

“Así tú y yo buscamos un hueco, otro planeta
en donde no tocara la sal tu cabellera,
en donde no crecieran dolores por mi culpa,
en donde viva el pan sin agonía.
Un planeta enredado por distancia y follajes,
un páramo, una piedra cruel y deshabitada,
con nuestras propias manos hacer un nido duro,
queríamos, sin daño ni herida ni palabra,
y no fue así el amor, sino una ciudad loca
donde la gente palidece en los balcones”.

“Soneto LXXI. “Cien sonetos de amor (1959). Pablo Neruda.

REFLEXIONES : UNA PUERTA ABIERTA

 

Puerta abierta.

“Noli mi Tangere”. No me toques

En el mundo del arte esta expresión se refiere a determinado tipo de obras, sobre todo pinturas, en donde Jesús resucitado no permite a María Magdalena que le toque, pues todavía no ha subido al Padre.

“Noli me tangere” es una corrupción de la expresión latina “Noli me tanguere” que literalmente quiere decir No me toques aunque también se suele traducir como “No te acerques a mi”.

Una de las más famosas de ellas es la de Correggio (1518):

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Se dice que inspiró a Picasso en uno de sus cuadros “La vie” (1903) en el gesto de la mano del hombre que está representado en el centro del cuadro y que podría significar el alejamiento que necesitaba el propio Picasso de su madre portadora del eterno niño.

La Vie 1903 by Pablo Picasso Print from Wanford Art Reproductions.

 

Noli mi Tangere en la Edad Media también se refería a un tipo de úlcera maligna en la piel ( posiblemente cancerosa) que era mejor no tocar para que no empeorara.

Y en el plano conceptual también puede representar a un objeto exento de contradicción o análisis como un amuleto del que uno no se va a desprender porque le ha traído suerte, piensen los demás lo que piensen.

Hoy son tiempos de Noli Mi Tangere. No es bueno tocar a los demás , ni tan siquiera acercarse mucho a nadie.

No me toques
No me toques
estoy contaminada
no me beses
estoy contaminada
no me muerdas imbécil!
estoy contaminada.

 Nicanor Parra (Poesía Política, 1983).

El poema
El Poema
Juan Ramón Jiménez. (Piedra y cielo, 1917-18)

 

Pero hay un poema precioso que colma y sublima esa voluntad de tocar.

 

La espera

Te están echando en falta tantas cosas.

Así llenan los días

instantes hechos de esperar tus manos,

de echar de menos tus pequeñas manos,

que cogieron las mías tantas veces.

Hemos de acostumbramos a tu ausencia.

Ya ha pasado un verano sin tus ojos

y el mar también habrá de acostumbrarse.

Tu calle, aún durante mucho tiempo,

esperará, delante de tu puerta,

con paciencia, tus pasos.

No se cansará nunca de esperar:

nadie sabe esperar como una calle.

Y a mí me colma esta voluntad

de que me toques y de que me mires,

de que me digas qué hago con mi vida,

mientras los días van, con lluvia o cielo azul,

organizando ya la soledad.

 

Joan Margarit. (Todos los poemas, 1975-2012)

Con mucho TACTO – Profesor LÍLEMUS