Autor: Carme Garcia i Parra

RANGOLIS. Protección y Bienestar

El origen la palabra “Rangoli” proviene del sánscrito “rang” que significa color y “aavalli” enredadera.

Esos dos elementos se combinan creando una expresión artística que aporta bienestar a todo el que lo contempla y que sirve de protección ante el mal.

Se hacen con pétalos de flores, harina, semillas o arena coloreada. Es un arte efímero que transmite la idea de fragilidad y de provisionalidad de la vida.

Cuenta la leyenda que un sumo sacerdote cayó en la más profunda tristeza tras la muerte de su hijo y que oró a Brahma pidiéndole que devolviera la vida al niño. Brahma conmovido por su dolor pidió a una mujer que dibujara en el suelo el retrato del pequeño, sopló sobre él y resucitó al niño. Así nació el primer rangoli.

Hoy en día los dibujos se realizan a la entrada de las casas para protegerlas de las desgracias y como saludo a los huéspedes. Normalmente los crean las mujeres.

Es una tradición que ha ido pasando de generación en generación porque con la armonía de sus formas y colores reduce la energía negativa y atrae a la buena suerte.

También se dice que empezaron a hacerse porque al barrer el piso de las casas o cubrirlo con estiércol se formaban líneas disarmónicas que rompían los flujos energéticos.

Recuerdan mucho a las estructuras fractales, una figura que se repite formando un todo sin principio ni fin.

Como esta poesía de Rabindranath Tagore:

SERVIR

«Dormía, y soñaba
que la vida era alegría.

Desperté, y vi
que la vida era servicio.

Serví, y vi
que el servicio era alegría.»

“No hay paz que no pueda hallarse en el momento presente”.Tasha Tudor

Tasha Tudor (Boston, 28 agosto 1915- Vermont, 18 junio 2008) fue una ilustradora de cuentos infantiles que decidió vivir en la naturaleza y con los recursos del pasado.

Tasha Tudor. Ilustración Laura in the snow.

Hilaba sus propias ropas, sembraba sus hortalizas, ordeñaba a las cabras. Vestía faldas largas con delantales y cofias. Fue descalza, siempre que pudo, hasta el final de sus días. Cambió su nombre por Tasha en honor a Natasha Rostova de Guerra y Paz, y Tudor que era el apellido de su madre.

Desde muy pequeña adoraba los objetos antiguos y bellos, los cuales representaba en todas sus pinturas, así como las flores, que enlazaba en guirnaldas dotando a sus dibujos de una delicada feminidad con aires de otros tiempos.

En 1944 publicó su primer libro “Mother Goose” que le permitió comprarse y restaurar una granja antigua y vivir según sus deseos. Publicaría cien más, así como numerosas tarjetas postales (más de cuatrocientas) que le darían fama mundial.

Hoy en día la gente está tan abatida. Si tomaran un té de manzanilla y pasaran más tiempo libre por la noche disfrutarían más de la vida”.

También confeccionaba cestas, marionetas y muñecas y hacía representaciones teatrales para su familia. Se han hecho varios documentales de su vida, el primero en 1957 fue: The Golden Key: Enter the Fantasy World of Tasha Tudor.

“La manera más básica y poderosa de acercarse a una persona es escuchándola”.

Fue un emblema del romanticismo rural. Dedicó su vida a la belleza y a la sensibilidad, a la jardinería y a sus perros Corgi, de los que decía tenían mirada de persona y enseñó a vivir de otra manera, más ligada a la tierra, a la familia y a las cosas sencillas y entrañables.

A pesar de todas las contaminaciones y horrores, qué hermoso es este mundo”.

Suponiendo que solo vieras las estrellas una vez al año, piensa en lo maravilloso que es el mundo”.

Tú eres todas las combinaciones de números. La vida. Frida Khalo

Todos conocen a Frida Khalo ( Coyoacán, 1907-1954) como pintora, pero hay una faceta de ella inédita que también destila sensibilidad y realismo, que transporta directamente a su universo. Son sus escritos.

 “Estoy bien… Bien hundida, bien decepcionada, bien vacía. Bien harta, bien rota. Bien fracasada, bien inestable, bien cansada… Definitivamente: Estoy bien“.

Estos son versos extraídos de su diario. En ellos se retrata igual que en sus pinturas.

He aquí algunos fragmentos de sus cartas a su gran amor Diego Rivera:

… Cuando me dijeron que habrían de amputarme la pierna no me afectó como todos creían, NO, yo ya era una mujer incompleta cuando le perdí, otra vez, por enésima vez quizás y aún así sobreviví…
No pretendo causarte lástima, a ti ni a nadie, tampoco quiero que te sientas culpable de nada, te escribo para decirte que te libero de mí, vamos, te “amputo” de mí, sé feliz y no me busques jamás…
Se despide quien le ama con vehemente locura,
Su Frida.

…”Recuerda que siempre te amaré
aunque no estés a mi lado.
Yo en mi soledad te digo,
amar no es pecado a Dios”.
..

“Tú eres todas las combinaciones de números. La vida”.

Mi deseo es entender la línea, la forma, el movimiento.
Tú llenas y yo recibo.

Tu palabra recorre todo el espacio y llega
a mis células que son mis astros y va
a las tuyas que son mi luz
“.

Nunca fue ni será mío.
Es de él mismo.
La vida callada dadora de mundos,
lo que más importa es la no ilusión.
La mañana Nace,
los rojos amigos,
los grandes azules,
hojas en las manos,
pájaros ruideros,
dedos en el pelo,
nidos de palomas,
raro entendimiento de la lucha hermana,
sencillez del canto de la sinrazón,
locura del viento en mi corazón.
Dulce xocolatl del México antiguo,
tormenta en la sangre que entra por la boca.
Compulsión,
augurio,
risa
y dientes finos,
agujas de perla
para algún regalo de un siete de julio.
Lo pido,
me llega,
canto,
cantando,
cantaré desde hoy
nuestra magia, amor.

Aunque haya dicho “te quiero” a muchos y haya tenido citas y besado a otros, en el fondo sólo te he amado a ti…

Yo lo veía… y puedo jurar que no me quedaban ganas de ver a nadie más. En ese preciso momento comprendí, que los ojos siempre le pertenecen a las personas que los hacen brillar.

Quisiera darte todo lo que nunca hubieras tenido, y ni así sabrías la maravilla que es poder quererte.

– No voy a pedirte que me escribas, que te quedes, que me beses, que me abraces o que me quieras. Porque si tengo que pedirlo, ya no lo quiero.

-Bebía porque quería ahogar mis penas, pero las malvadas aprendieron a nadar.


Mereces un amor que te quiera despeinada, con todo y las razones que te levantan de prisa, con todo y los demonios que no te dejan dormir.
Mereces un amor que te haga sentir segura, que puede comerse al mundo si camina de tu mano, que sienta que tus abrazos van perfectos con su piel.
Mereces un amor que quiera bailar contigo, que visite el paraíso cada vez que mira tus ojos y que no se aburra nunca de leer tus expresiones.
Mereces un amor que te escuche cuando cantas, que no le asuste caer.
Mereces un amor que se lleve las mentiras, que te traiga la ilusión, el café y la poesía.


“No quiero un final feliz, quiero una vida llena de momentos felices, porque al final todo es triste”.

Sin duda fue una mujer que sufrió mucho por su enfermedad, sus circunstancias y la intensidad de su temperamento, pero en el fondo en su obra siempre hay color, formas exuberantes y pasión. Siempre buscó la felicidad:

Ser feliz es una decisión que hay que tomar todos los días, que no depende de las condiciones de vida que uno tenga, sino de la actitud con la cual enfrenta los problemas. La felicidad es eso: Decidir ser feliz”.

Piero Fornasetti. El lenguaje a través de los objetos y de su musa

Piero Fornasetti (1913-1988). Nació en Milán en la mansión que habían construido sus padres, roja por fuera y laberíntica por dentro. Fue uno de los grandes artistas italianos que destacaron en la historia del diseño. Pintor, escultor, interiorista estuvo muy influenciado por los surrealistas y sobre todo por Giorgio de Chirico.

Con una sola idea era capaz de crear muchas versiones, todas ellas inspiradoras y únicas. En su obra se repiten soles, lunas, manos, monedas, instrumentos musicales, y sobre todo la cara de una mujer, la cantante de ópera Lina Cavalieri, la descubrió en una revista del siglo XIX y creó con su cara una serie de 350 variaciones (Tema y Variaciones).

Piero Fornasetti

“Empecé a pintarla y nunca paré”, dijo de su musa que se convirtió en su imagen icónica.

Lina Cavalieri (1874-1944) era una famosa soprano que había actuado con Caruso en Nueva York, también era actriz y monologuista, y estaba considerada “la mujer más bella del mundo”. A los sesenta años se alistó como enfermera voluntaria durante la Segunda Guerra Mundial y murió por un bombardeo aliado en su casa de Florencia.

Ellos nunca se conocieron.

La fisonomía de Lina siempre estará asociada a Fornasetti.

“Fornasetti creó más de 11.000 artículos, muchos de ellos con el rostro de una mujer, la soprano de ópera Lina Cavalieri, como un motivo”  El diseñador Piero Fornasetti y la cara de la soprano Lina Cavalieri 10

Para él cualquier objeto tenía vida en si mismo y servía para expresar su arte

Conservó más de 10 años una berenjena para ver como iba cambiando e irla dibujando. Su filosofía era la libertad creativa y el rigor artesano.

“Nací pintor –aseguró en una entrevista antes de morir–, empecé a los diez años y nadie me enseñó, aprendí de los libros”.

“Lo primero es pintar un desnudo. Cuando lo consigues, puedes diseñar un edificio o un coche”. Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

El Atelier Fornasetti hoy en día está dirigido por su hijo Barnaba Fornasetti usando muchos de los patrones originales y aplicando el color a mano.

Philippe Starck dice de él: “Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños. Cada objeto es una puerta abierta que te aspira, como en Alicia en el País de las Maravillas”.

El vendedor de lámparas que supo fotografiar un mundo

Gilbert Garcin (La Clotat, Francia, 1929-2020), es uno de los fotógrafos franceses surrealistas más reconocidos. Ha expuesto en todo el mundo. Su historia es tan alucinante como su obra.

Hasta los 65 años tuvo una vida convencional, trabajaba en una tienda de lámparas como comercial. Su vida artística empezó cuando se jubiló. Siempre había sido habilidoso y le habían gustado las fotos, así que se inscribió en Arles en los talleres de fotografía. Como no tenía demasiadas posibilidades económicas hizo el mismo de modelo en todas sus fotos, más tarde convenció a Monique, su mujer, que al principio se oponía a salir en sus “inventos” para que le acompañara en sus composiciones.

Porque Garcin, no solo fotografiaba sino que recortaba las fotos y las pegaba en un soporte de madera para poder componer con ellas un mundo, el de los sentimientos, el de las relaciones humanas, el de la pareja.

Todas sus fotografías sugieren mil historias según quien las contemple:

-Mira, se están peleando. Se están peleando, pero eso les mantiene unidos.

-No, viven juntos desde hace mucho tiempo y la convivencia necesita un equilibrio de fuerzas, una armonía para perdurar.

“Comenzar a los 65 años tiene muchas desventajas, y una sola ventaja: la experiencia vivida”.

Gilbert Garcin empezó su obra a los 65 años, pero no expuso profesionalmente hasta los 80.

Murió este año, el 17 de abril de 2020 a los 91 años mientras dormía.

Garcin no solo nos deja un gran legado artístico sino también la certeza de que no hay barreras, de que todo es posible si se tiene un propósito y algo que decir.

Jessie Arms Botke. La pintora de pájaros

Jessie Arms (Chicago 1883- California 1971). “Artista. Decoración de interiores” Así es como Jessie Arms Botke se presentaba ante la sociedad americana. Su obra es mucho más, es una artista de exquisita elegancia que logró captar en sus lienzos y murales toda la majestuosidad de los pájaros y de la naturaleza.

Fue una mujer que decidió no ir a la Universidad para poder ingresar en el Instituto de Arte de Chicago y que consiguió ser una de las figuras más destacadas del impresionismo americano.

Pelícanos, gansos, cacatúas, flamencos, flores tropicales de líneas delicadas inspiradas en la pintura japonesa. Su obra habla por ella misma.

El Hurgador [Arte en la Red]: Recolección / Compilation (CXXXII-1 ...

El mundo del arte a principios del siglo XX era casi exclusivamente masculino, pero Jessie Arms Blotke fue proclamada por los críticos como la mejor pintora decorativa de occidente.

GRULLAS | Murales, Papel pintado de casa, Habitaciones con papel ...

“Pinto… como un pájaro canta”. Claude Monet.

Objetos de deseo. Surrealismo y diseño

La primera exposición que he visitado después de casi tres meses de confinamiento fue la de Caixa Forum en Barcelona “Objetos de deseo. Surrealismo y diseño”. Sí, el surrealismo está bien para empezar, como mínimo es coherente con la situación que estamos viviendo.

Mascarilla, acceder por las zonas habilitadas. No hizo falta mantener la distancia de seguridad, no había nadie. Gracias a ello tuvo una atención personalizada, una de las azafatas del museo me hizo una visita guiada en exclusiva. En el fondo una delicia.

La muestra está dividida en cuatro partes de las que destaco algunas obras:

Sueños de modernidad:

Salvador Dalí y Antoni Gaudi.

Imagen y arquetipo:

Piero Fornasetti. Platos decorados (1950)

Erotismo:

Salvador Dalí. Mae West. Sofá labio (1936)

El pensamiento Salvaje:

Fernando y Humberto Campana. “Cabaña” (2003)

En el surrealismo se fuerzan los límites entre la realidad y la ficción. Una forma o un objeto no tiene porqué siempre ser lo que parece. Como la obra de los hermanos Campana, parece una cabaña, pero es una estantería a la que solo se puede acceder metiendo las manos entre la cortina de rafia.

Lo importante son las emociones humanas, lo irracional, la provocación. El absurdo en la vida cotidiana y en el día a día.

Cepillo de Pelo. Bless (1999)

Su ideal de belleza lo describió el Conde de Lautréamont: “Bella (…) como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección”.

Su fuerza vital, su sentido profundo está en el binomio Eros-Tánatos, la relación entre la vida y la muerte. ¿O acaso no es absurdo nacer para morir irremediablemente?

Galileo Chini. El arte en todo

Apasionado de la belleza, del arte en los objetos cotidianos, en las paredes, en los palacios y en los escenarios, Galileo Chini (Florencia, 1873-1956) fue uno de los artistas que representaron el modernismo italiano, llamado Stilo Liberty o Floreale.

Pintor , decorador, ceramista y diseñador gráfico fue un artista integral de de formación autodidacta que participó en las decoraciones exteriores e interiores de muchos palacios italianos, también hizo carteles y escenografías teatrales trabajando con los textos operísticos de Sem Benelli.

Galileo Chini "vaso arte della ceramica", 1903- 1904. Galileo Chini is the famous Italian artist credited with introducing the art nouveau or Liberty style into Italy. Esculturas, Mosaicos, Tradições Italianas, Objetos, Floreros De Cristal, Jarrón De Porcelana, Diseños Vintage, Uñas Azules, Creatividad

Trabajó para los reyes Rama V y Rama VI de Tailandia, realizando para ellos las pinturas del Palacio del Trono de Bangkok, así como varios retratos del rey Rama VI.

Uno de sus admiradores y mayores coleccionistas fue Luchino Visconti que incluyó en sus películas algunas de sus obras.

A causa de una ceguera progresiva su actividad se fue reduciendo hasta su muerte en Florencia en 1956.

“Aquel que ha contemplado la belleza está condenado a reproducirla o morir”.

Luchino Visconti

No volveré a tocarte. No te veré morir. Idea Vilariño

Se llamaba Idea, Idea Vilariño, nació en Montevideo (Uruguay) el 18 de agosto de 1920. Fue poeta, ensayista y crítica, también compositora y maestra, formó parte de la llamada generación del 45 de la que también formaban parte Juan Carlos Onetti y Mario Benedetti. Su padre, Leandro Vilariño, era un conocido anarquista y poeta. Su madre Josefina Romani fue una especialista en literatura europea. Sus hermanos se llamaban Numen, Poema, Azul y Alma.

YA NO SERÁ

Ya no será,
ya no viviremos juntos, no criaré a tu hijo
no coseré tu ropa, no te tendré de noche
no te besaré al irme, nunca sabrás quien fui
por qué me amaron otros.

No llegaré a saber por qué ni cómo, nunca
ni si era de verdad lo que dijiste que era,
ni quién fuiste, ni qué fui para ti
ni cómo hubiera sido vivir juntos,
querernos, esperarnos, estar.

Ya no soy más que yo para siempre y tú
Ya no serás para mí más que tú.
Ya no estás en un día futuro
no sabré dónde vives, con quién
ni si te acuerdas.

No me abrazarás nunca como esa noche, nunca.
No volveré a tocarte. No te veré morir.

El poema recitado por ella

Idea escribió desde niña, tuvo una infancia difícil por padecer asma y eczema, lo cual la dotó de una extraordinaria sensibilidad. Sus primeros poemas los escribió entre los 17 y los 21 años, luego fue reconocida internacionalmente.

Poema ” Todo es muy simple“. Recitado por ella.
5 poemas de Idea Vilariño

Como compositora, hizo canciones emblemáticas de la música popular uruguaya: A una paloma (cantada por Daniel Viglietti), La canción y el poema (Alfredo Zitarrosa), Los orientales y Ya me voy pa’ la guerrilla  (Los olimareños).

Daniel Viglietti. “A una paloma”

Falleció en Montevideo el 28 de abril de 2009 a los 88 años a causa de una oclusión intestinal. A su entierro no fueron más que diez personas. Al morir dejó una nota que decía: “Nada de cruces. No morí en la paz de ningún señor, etc. Empresa Forestier Posse o Martinelli. Decir allí murió Idea Vilariño. Cremar

“Ah, noches silenciosas, de oscuras lunas suaves,
noches largas, suntuosas, cruzadas de palomas,
en un aire hecho manos, amor, ternura dada,
noches como navíos..
.

“Fragmento de “El Olvido”

Saliendo de la crisálida.

La palabra crisálida deriva del griego Khrysallis que significa oro.
En zoología es el estado previo a la etapa adulta de un insecto, cuando la larva se convierte en imago. Es la metamorfosis completa.
 
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Las crisálidas no suelen moverse ni alimentarse, tan solo esperan su transformación que se va realizando dentro de la cápsula que les protege mientras dura el proceso de transmutación de sus órganos.
 
La fase de crisálida puede durar desde algunas semanas a varios meses.
 
Durante estos meses de confinamiento todos hemos estado en nuestra crisálida. No habrá servido de nada si no conseguimos hacer cambios.
No han de ser grandes cosas, a veces lo pequeño es más importante,
 
Nos habíamos creído que seríamos casi inmortales, que íbamos a vivir mucho más de cien años y un pequeño virus nos pone todo patas arriba.
 

Crisálida es el nombre de una escultura del mexicano Manuel Felguérez. La obra es de 2014 y está elaborada con las piezas de un Volkswagen “Escarabajo”.

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“Las Crisálidas” del autor inglés John Wyndham, el que escribió “El día de los trífidos”, es una novela ambientada en el futuro después de una guerra nuclear, habla de la intolerancia, de los cambios y de la adaptación.

(…) Dios no tiene la última palabra. Si la tuviera ya estaría muerto. Pero no esta muerto: cambia y crece, como todo lo vivo. Por eso, cuando estaban empeñados en organizar y ordenar el mundo de acuerdo con esa especie de planes eternos que se inventaron, Dios envió la Tribulación para destruirlo todo y recordarles que la vida es cambio.”