Autor: Carme Garcia i Parra

No lo leas ahora. Marga Gil

“No lo leas ahora”. Esas fueron las últimas palabras que la escritora y escultora Marga Gil Roësset (1908 – 1932) le dijo a Juan Ramón Jiménez mientras le dejaba una carpeta encima de su escritorio. Contenía la revelación de su amor hacia él y la decisión de poner fin a su vida. El poeta y premio Nobel no la abrió, cuando lo hizo fue demasiado tarde. Encontraron a Marga con un disparo en la cabeza en casa de sus tíos en las Rozas, antes había destruido todas las esculturas de su estudio menos un busto de Zenobia Camprubí, la esposa de Juan Ramón. Tenía 24 años. Era el 28 de julio de 1932.
Marga Gil Roësset, pintora y escultora española, en 1932.
La carpeta contenía su diario y una declaración de amor escrita las últimas semanas de su vida:

 

“…Y es que…

Ya no puedo vivir sin ti

…no… ya no puedo vivir sin ti…

…tú, como sí puedes vivir sin mí

…debes vivir sin mí…”.

                       …

“…Y no me ves… ni sabes que voy yo… pero yo voy… mi mano… en mi otra mano… y tan contenta…

…porque voy a tu lado”

                  …

«Pero en la muerte, ya nada
me separa de ti… sólo la muerte
sólo la muerte, sola… y,
es ya… vida ¡tanto más cerca así
…muerte… cómo te quiero!».

El diario fue robado en 1939 de la casa de Juan Ramón Jiménez mientras el poeta estaba en el exilio. Parte de él fue publicado en 1997 por ABC y en 2015 se editó por la fundación Lara con el título de ” Marga ” 

Ahora se empieza a reivindicar la obra de Marga Gil, porque ella fue una niña genio, hablaba inglés, francés y alemán, practicaba deporte, escribía, esculpía, dibujaba.

Junto a su hermana Consuelo, que escribió el texto con 14 años, realizaron un libro: “El niño de Oro” en 1920, ella hizo los dibujos con 12 años.

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La primera vez que Marga Gil le escribió unas letras a Zenobia Camprubí era en la dedicatoria de ese libro, las hermanas se lo hicieron llegar por la admiración que sentían  hacia la traductora de Rabindranath Tagore: «Para ti, que no nos conoces y sin embargo ya eres nuestra amiga».

A los 15 años Marga abandonó el dibujo y se dedicó a la escultura. Su familia contactó con Victorio Macho para que la formara, pero el prestigioso escultor, al ver la extraordinaria obra de aquella muchacha, se quedó tan impresionado que rehusó darle clase para no adulterar su talento.

En 1930, con 21 años, Marga presentó una de sus esculturas en la Exposición Nacional de Bellas Artes, “Adán y Eva”. Así la explicó ella:

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…”Son «Adán y Eva, padres del género humano. Viejos como el mundo. Atlético él, fuerte como para engendrar a todos los hombres. Débil ella, apoyada en el robusto pecho del hombre, pero amplio su seno como para amamantar a toda la Humanidad».

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Este es el busto que realizó de Zenobia, a ella no le gustó, dijo que la chica se había empeñado en hacerlo pero que preferiría que se lo hubiera hecho a su gato de escayola. Tras la muerte de Marga, el matrimonio mandó hacer un aparador de roble sobre el que puso el busto esculpido por “la niña”.

Antes de morir la escultora dejó escritas tres cartas: una para sus padres, otra para su hermana Consuelo y, por último, una para Zenobia.

«Zenobita… vas a perdonarme… ¡Me he enamorado de Juan Ramón! (…)
perdóname…porque si me hubiese dicho que sí… ay… a pesar de que la idea de amistad es para mí sagrada… y tú eres mi amiga… y de verdad te quiero mucho… y me gustas mucho… pues… con ser todo eso tanto!… yo habría pasado por todo… por todo lo que fuese precioso… pero claro como soy yo sola a querer… creo mucho mejor matarme ya… que si en él no puedo… y… con él no puedo… … … perdóname Azulita… por lo que si él quisiera yo habría hecho.
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Juan Ramón Jiménez, en uno de sus libros, escribió lo que sintió al verla por primera vez:

“Sentada tenía una actitud de energía, brazos musculosos, morenos, heridos siempre de su oficio duro. Y al mismo tiempo ¡tan frágil! Llevaba el alma fuera, el cuerpo dentro».

 

 

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Nueve camellos pasando por el ojo de una aguja. Willard Wigan

Willard Wigan (Birmingham, 1957) es un escultor de obras prácticamente invisibles para el ojo humano que solo pueden apreciarse mediante lupas o microscopios. 

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Las realiza con bisturíes quirúrgicos e instrumentos de alta potencia óptica, ha aprendido a trabajar entre latido y latido del corazón, aguantando la respiración para evitar cualquier movimiento.

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El Taj Mahal sobre la cabeza de un alfiler, La Última Cena dentro del ojo de una aguja, la Estatua de la Libertad, un tigre de Bengala, son algunas de sus obras más famosas.

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Durante meses, con una precisión asombrosa esculpe hasta los más mínimos detalles demostrando su teoría de que las cosas pequeñas pueden ser las más grandes.

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Todo comenzó en el colegio cuando los profesores le decían que no haría nada, que sería un fracasado. No entendía ese mundo porque para él la “Nada” no existía, la “Nada” siempre era algo, así que se escapaba de clase y se escondía en el cobertizo de su casa. Allí descubrió a las hormigas que iban y venían por el suelo y decidió hacerles la vida más fácil construyendo para ellas muebles, balancines, sombreros… Así todo empezó a cobrar sentido.

Su obra es lo opuesto a la monumentalidad, es un mundo diminuto, propio de cuentos. Es Nanofantasía.

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Usa como materiales filamentos de su propia camisa, fibras de osito de peluche, esquirlas de vidrio, alas de mosca. No utiliza pegamento, encaja las piezas por fricción o con hilos de tela de araña (altamente resistentes) 

Para él lo más difícil es mantener las manos casi inmóviles para no estropear la obra. Trabaja de madrugada evitando cualquier ruido externo, en un estado de meditación con una respiración y un ritmo cardíaco que ha aprendido a controlar.

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“Perseverancia y dedicación. Si una cosa sale mal al principio, como así será, sigue intentándolo”.

 

 

 

 

 

Dante y Virgilio en el octavo círculo del infierno. Bouguerou

En un primer plano, tan cerca que casi puedes tocarlos, un hombre condenado muerde a otro en el cuello, le retiene violentamente sujetándole por el brazo y le clava las uñas en el pecho. Es Gianni Sichicchi, está en el octavo círculo del infierno de Dante, el de los falsificadores de personas, cosas, dinero y palabras, por haber suplantado la personalidad de un muerto para beneficiarse de sus bienes.
El hombre al que agrede es Capocchio, famoso hereje y alquimista que no consiguió convertir nunca los metales en oro, pero que se benefició de ello. Este apenas puede defenderse, solo consigue tirar de los cabellos a su adversario.
Gustave Doré también ilustró la escena en sus grabados:
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Pero en el cuadro de 1850 William Bouguereau (La Rochelle, 1825-1905), que se exhibe en el  Museo de Orsay, está pintado con sumo realismo y con una técnica inmejorable.
Es la escena de la Divina Comedia en donde Dante y Virgilio entran en el octavo círculo del infierno y observan a los condenados:
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Bouguerou los representa en el lado izquierdo de la pintura. Dante apoya su mano en Virgilio como protegiéndolo de la brutalidad de la lucha mientras que un demonio alado, con los brazos cruzados y sonrisa irónica  los contempla.
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Los colores son cálidos, rojos, marrones y negros, son los colores del infierno, también los de los personajes, los de Dante y Virgilio y sobre todo de lo que centra la atención del cuadro, las cabezas de los luchadores, sus cabellos intensamente pelirrojo y negro.
La luz incide en tres puntos: Los dos hombres en el centro, en el fondo del cuadro y a la derecha en donde se representan las llamas del infierno.
Se representan diferentes clases sociales:
Dante y Virgilio como los intelectuales. Dante como poeta y artista, Virgilio coronado de laurel como filósofo. Ellos no participan, solo contemplan.
El diablo está por encima de todos, es el más poderoso, el que ríe y puede destruir a los hombres, mira con malos ojos a los intelectuales que con sus ideas pueden ayudar a los hombres a salir del caos.
Mientras, la gente del pueblo se mata, se devoran entre ellos y se consumen entre las llamas.
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Lo más curioso es que W. Bouguerou era un pintor de obras religiosas, mitológicas y sentimentales. Pintaba niños en escenas cotidianas, angelotes, mujeres tímidamente eróticas. Realizó más de ochocientas pinturas.

En “Dante y Virgilio” hay fuerza, dureza, sensualidad, incluso tensión sexual. 
Nunca volvió a pintar algo así.
  

 

 

 

 

 

Penelles. El pueblo pintado

Penelles es un pueblo de la Noguera (Lleida) que no llega a los 500 habitantes. Normalmente al mediodía en muchos pequeños pueblos de Lleida no se ve un alma en la calle, pero al llegar a Penelles te sorprende ver grupos de personas con mapas recorriendo las plazas,  las calles y mirando las paredes.

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Los vecinos del lugar están encantados, su pueblo interesa, en él se realizan obras de arte urbano, mucha gente participa, y eso es muy importante porque quiere decir que su pueblo no morirá, que tendrá futuro.

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Más de ochenta grafitis ocupan las paredes de sus casas, lo cual correspondería, más o menos, a una obra de arte por cada cinco habitantes.

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La idea se consolidó en 2016 “GarGar Festival de Murals i d’Art Rural”, y ha servido para difundir la cultura artística en el mundo rural y dinamizar a la población. Este año se ha celebrado la tercera edición.

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Los artistas se desplazan a Penelles, toda una semana, para realizar sus murales. No cobran, solo reciben los sprays, el material y tienen cubierta la manutención y el alojamiento, del que la mayoría de las veces se encargan los vecinos del pueblo.

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La única condición impuesta es que el tema del graffiti sea del mundo rural o esté relacionado con la zona. Nada de política ni de religiones. 

Esta imagen rural se ha convertido en uno de los murales más celebrados de los vecinos de Penelles.

Se procura que la asistencia de artistas locales, nacionales e internacionales esté compensada. Este año han participado primeras figuras de Inglaterra, Francia, Alemania y Portugal.

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Gargar, el nombre del Festival, no es casual. Se llama Gargar al ruido que hace la ganga, un ave local en peligro de extinción. Es el sonido que la ayuda a sobrevivir. 

La locura y el arte. Yayoi Kusama

Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) es una de las artistas más importantes de Japón. Su trabajo está basado en el arte conceptual, es precursora de los movimientos Pop, minimalismo y arte feminista. Una de sus características son las superficies obsesivamente cubiertas de puntos, la repetición y los patrones que dan a toda su obra un efecto psicodélico. 

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Empezó a crear en la década de los 40 inspirada en el estado catastrófico de Japón después de la guerra con materiales improvisados como los sacos de semillas del negocio de sus padres y pintura común mezclada con arena.

En 1957 se trasladó a vivir a Nueva York en plena efervescencia del expresionismo abstracto influyendo en artistas como Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal.

En 1966 participó en la 33 Bienal de Venecia con “Narcissus Garden”. La obra consistía en 1.500 bolas de espejo en un lago que reflejaban la cara del espectador y que se podían comprar a dos dólares. El anuncio decía “su narcisismo en venta”.

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A lo largo de su carrera ha trabajado con gran variedad de medios: pintura, collage, escultura, arte performance, instalaciones y happenings en donde ella pintaba a participantes desnudos con lunares de colores.

10 cosas que debes de saber sobre Yayoi Kusama  - hotbook-215

”Los puntos son sólidos e infinitos. Son una forma de vida. Sol, luna, estrellas son cientos de millones de puntos. Cada ser humano es también un punto. Los puntos no pueden existir por sí mismos, solo pueden existir cuando se reúnen unos con otros. Admiro completamente su infinitud y estoy profundamente conmovida por la grandiosa presencia del universo, que está lleno de un poder misterioso”.

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”El lunar tiene la forma del sol, que es símbolo de la energía del mundo y de nuestra vida, y tiene también la forma de la luna, que es la quietud. Los lunares no pueden estar solos, como sucede con la vida comunicativa de la gente, dos o tres o más lunares llevan al movimiento. Nuestra tierra es sólo un lunar entre los millones de estrellas del cosmos. Los lunares son un camino al infinito. Cuando borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con lunares, nos integramos a la unidad de nuestro entorno. Nos volvemos parte de la eternidad”.

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En 1973, Kusama volvió a Japón en donde padeció problemas psicológicos por la descompensación de su trastorno obsesivo. En 1977 se internó voluntariamente en un hospital psiquiátrico en donde decidió quedarse a vivir el resto de sus días.

A sus noventa años continua produciendo obras de arte en diferentes medios y ha publicado varias novelas, poesía y una autobiografía.

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”Todos los artistas que son sinceros son psicológicamente conflictivos. Si uno piensa en Munch y Van Gogh, por ejemplo, está clarísimo. Yo no soy una excepción. Ese tipo de artistas, entre los que me incluyo, padecen por la creación artística y sufren tanto psicológica como económicamente”.

 

El papel de burbujas como obra de arte. Bradley Hart

Un rollo de papel de burbujas olvidado en una sala de arte le inspiró, fue como ver un bloque de mármol para un escultor.

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El artista canadiense Bradley Hart realiza sus obras inyectando pintura en celdas de plástico. Creó un software para asignar un código de color a cada burbuja que va aplicando con jeringas cargadas de pintura consiguiendo así un efecto de pixelado.

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Hace retratos hiperrealistas de personajes conocidos, de obras de arte famosas, de paisajes.Resultado de imagen de bradley hart artist

Pero esa es solo una parte de su obra. Quizás lo más interesante es la imagen que se forma con la pintura sobrante  en la parte trasera del cuadro cuando el exceso de pintura gotea por el lado plano de la envoltura de burbujas.

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Las gotas se funden al secarse y luego se retiran del plástico. El resultado es una obra independiente, parecida a la anterior, pero transformada, él lo llama “Impresión”.

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Es hacer arte partiendo de algo sin valor, como es un  envoltorio de plástico, para crear dos obras, una muy parecida a la realidad y otra casi espectral que nace de los residuos que se generan.

 

Es encontrar el potencial oculto de las cosas que desechamos.

Cuando el arte crea vida

En el fondo del mar hay un círculo de 26 niños de todas las razas cogidos de la mano. No son solo esculturas, están vivos porque el crecimiento de la vida animal y vegetal los va transformando, los hace evolucionar, simula su crecimiento vital, desde la infancia a la adolescencia, y todo gracias a la colaboración entre el hombre y la naturaleza. 

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Jason deCaires Taylor (Dover, 1974) es un artista que sumerge sus estatuas bajo el agua. Poco a poco, con los movimientos del mar y la ocupación de las colonias coralinas, las caras y los contornos de las mismas se alteran y se convierten en seres extraños, formas  híbridas entre el ser humano y el mineral.

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Son obras de arte construidas con materiales no nocivos para el fondo marino  (hormigón de PH neutro) que ayudan a repoblar las zonas devastadas por huracanes y tormentas, creando arrecifes de coral sobre ellas y a su alrededor, y fomentando la proliferación de la vida y la conservación del ecosistema. 

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En 2006 este escultor hizo el primer parque de esculturas submarinas en Grenada que fue considerado por National Geographic una de las 25 Maravillas del mundo. Y en el año 2009 creó el Museo Subacuático del Arte (MUSA) que posee más de 500 esculturas esparcidas por toda la costa de Cancún.

Se pueden visitar buceando, en barcos con fondo de cristal o desde el aire. 

En sus obras Jason deCaires intenta transmitir la idea de que la intervención humana no tiene por qué resultar siempre negativa, y de que además puede ser  muy hermosa y artística:

«Debajo del agua todo se magnifica un 25 por ciento, se refracta la luz, los colores cambian y se producen efectos caleidoscópicos porque la única fuente de luz es la superficie».

«Descolgar el arte de las paredes blancas de una galería ofrece al espectador un sentido distinto de participación».

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Lo más interesante es la paradoja. En el fondo son obras de arte efímeras porque el mar las transforma tanto que las acaba devorando, pero eso hace que sean inmortales.. 

“Un mar, un mar es lo que necesito”. Francisca Aguirre

“…Un mar, creedme, necesito un mar,
un mar donde llorar a mares
y que nadie lo note”.

Francisca Aguirre, poetisa (Alicante, 27 de octubre de 1930 – Madrid, 13 de abril de 2019). La descubrí el día que murió, hace once días. Fue una noticia discreta como discreta fue su vida, la de una mujer de la llamada “otra generación del 50”, esa que estuvo formada por poetisas que quedaron fuera de las antologías de su época, pero que al final fue reconocida por el “Premio Nacional de poesía” en 2011 y por el “Premio Nacional de las letras letras” en 2018. 

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Se la considera la poetisa más “machadiana” de su generación.  Su poesía está hecha de cotidianidad, de la experiencia y la lucidez de las mujeres que vivieron la posguerra en el lugar de los vencidos y que fue marcada por la ejecución de su padre, el pintor Lorenzo Aguirre, por garrote vil en 1942.

 

“…Es verdad, fue hace tiempo, cuando todo empezaba,
cuando el mundo tenía la dimensión de un hombre,
y yo estaba segura de que un día mi padre volvería
y mientras él cantaba ante su caballete
se quedarían quietos los barcos en el puerto
y la luna saldría con su cara de nata.

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Empezó a escribir tarde, a los cuarenta años, entre sus obras destacan: 

Ítaca (1971), Trescientos escalones (1976), La otra música (1978), Pavana del desasosiego

En noviembre de 2018 cuando le fue concedido el premio Nacional de las Letras, Dijo:
“Escribes para no andar a gritos y para no volverte loca. La poesía tranquiliza. A mí me ayuda. El mundo es injusto, pero el lenguaje es inocente. El poder de las mujeres es tener la oportunidad de decir que no. Por eso es tan importante la educación, la independencia. Queda mucho por hacer porque la desigualdad sigue siendo enorme: entre hombre y mujeres, entre ricos y pobres…”

 

Testigo de excepción

Un mar, un mar es lo que necesito.
Un mar y no otra cosa, no otra cosa.
Lo demás es pequeño, insuficiente, pobre.
Un mar, un mar es lo que necesito.
No una montaña, un río, un cielo.
No. Nada, nada,
únicamente un mar.
Tampoco quiero flores, manos,
ni un corazón que me consuele.
No quiero un corazón
a cambio de otro corazón.
No quiero que me hablen de amor
a cambio del amor.
Yo sólo quiero un mar:
yo sólo necesito un mar.
Un agua de distancia,
un agua que no escape,
un agua misericordiosa
en que lavar mi corazón
y dejarlo a su orilla
para que sea empujado por sus olas,
lamido por su lengua de sal
que cicatriza heridas.
Un mar, un mar del que ser cómplice.
Un mar al que contarle todo.
Un mar, creedme, necesito un mar,
un mar donde llorar a mares
y que nadie lo note.
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Sí, la descubrí tarde y gracias a la muerte, que es una gran descubridora de talentos, pero ya lo dijo ella “los muertos no mueren”.

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“Todo esto da asco. No palabras. Un gesto. No escribiré más”.

Estas fueron las últimas palabras que escribió Cesare Pavese en su diario, el 18 de agosto de 1950, nueve días antes de su suicidio en Turín.

El oficio de escribir es la obra que recopila el diario integro de este gran autor (Belbo 1908-Turín 1950) autor de La playa, El bello verano, traductor de Melville, Joyce, Dickens, poeta y ensayista. En ella reflexiona sobre la literatura y la vida, sobre la historia, el sexo, el arte de escribir, y sobre todo la muerte, una de sus obsesiones. El diario recoge todas sus reflexiones entre 1935 y 1950.

Es un acopio de pensamientos, de aprendizajes, de introspección que se van ordenando según el paso de los días, son como ejercicios de autoconocimiento: 

28 octubre, 1935

“Comienza la poesía cuando un majadero dice del mar «Parece aceite». No es en absoluto una descripción muy exacta de la bonanza, sino el placer de haber descubierto la semejanza, el cosquilleo de una misteriosa relación, la necesidad de gritar a los cuatro vientos que se ha notado”.

3 de diciembre, 1938

“Al leer no buscamos ideas nuevas, sino pensamientos ya pensados por nosotros que adquieren en la página un sello de confirmación. Nos impresionan las palabras ajenas que resuenan en una zona ya nuestra -que ya vivimos- y al hacerla vibrar nos permiten encontrar nuevos motivos dentro de nosotros mismos”.

23 de junio, 1947

“Un discurso electoral tiene la naturaleza de un rito religioso. Se escucha para oír lo que ya se pensaba, para exaltarse en la común fe y confesión”.

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Uno no se mata por el amor de una mujer. Uno se mata porque un amor, cualquier amor, nos revela nuestra desnudez, nuestra miseria, nuestro desamparo, la nada”.

 

 

El último amor de Cesare Pavese fue la actriz norteamericana Constance Dowling, (ex-amante de Elia Kazan). Se conocieron en Roma y fue la musa que inspiró muchas de sus poesías, entre ellas una de las últimas:

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos,
esta muerte que nos acompaña
desde el alba a la noche, insomne,
sorda, como un viejo remordimiento
o un absurdo defecto. Tus ojos
serán una palabra inútil,
un grito callado, un silencio.
Así los ves cada mañana
cuando sola te inclinas
ante el espejo. Oh, cara esperanza,
aquel día sabremos, también,
que eres la vida y eres la nada.
Para todos tiene la muerte una mirada.
Vendrá la muerte y tendrá tus ojos.
Será como dejar un vicio,
como ver en el espejo
asomar un rostro muerto,
como escuchar un labio ya cerrado.
Mudos, descenderemos al abismo.

 

Cuando ella rompió la relación, Pavese no pudo soportarlo. El 27 de agosto de 1950, en el hotel Roma de Turin, puso fin a su vida ingiriendo seis sobres de somníferos, de la misma manera en que se suicidaba uno de sus personajes de su obra ” Entre mujeres solas”. 

Dejó una última nota:

“Perdono a todos y a todos pido perdón. ¿De acuerdo? No chismorreen demasiado”.

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El material más oscuro del mundo

Se dice que es lo más cercano del universo a un agujero negro. “Vantablack” es un pigmento, un material capaz de absorber el 99,96% de la luz visible.

Es tal su oscuridad que su visión simula agujeros tridimensionales generando una ilusión óptica de absoluto vacío.

Su nombre proviene del acrónimo Vertically Aligned, NanoTube Arrays (Conjunto de nanotubos verticalmente alineados.

Está compuesto por una especie de “bosque” de tubos verticales que están en continuo crecimiento gracias al efecto del vacio. Cuando la luz alcanza el Vantablack en lugar de ser reflejada queda atrapada y va siendo desviada entre los nanotubos hasta ser absorbida casi totalmente.

Tiene múltiples aplicaciones científicas y aeroespaciales, como es el evitar que la luz parásita entre en los tubos de los telescopios​, el camuflaje, la protección a personas con enfermedades en las que afecta la exposición lumínica. También es un material resistente al agua, a las vibraciones y a temperaturas entre -196 y 300º.

Pero una de los usos más destacados es en el arte en donde se usa como pigmento, como el negro más puro.

Una empresa lo comercializó en spray consiguiendo una absorción del 99,8 de la luz.

El artista indo-británico Anish Kapoor (Bombay, 1954) compró los derechos de uso exclusivo del pigmento en spray por una suma desconocida y con la cláusula de solo usarla para fines artísticos.

Este escultor es mundialmente conocido por sus esculturas brillantes  que reflejan luz e imágenes.

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El espejo del cielo

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El gran árbol y el ojo

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La puerta de la nube (El frijol)

Esta escultura fue recubierta temporalmente con Vantablack. Puro vacio.

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Pero la exclusividad del pigmento por parte de Anish Kapoor ha generado numerosas polémicas y la empresa NanoLab, Inc. ha presentado una nueva pintura que a diferencia de Vantablack, es para todos.

Jason Chase, Black Iron Ursa, creado con Singularity Black, una pintura negra que absorbe la luz hecha con nano tubos de carbono de NanoLab.  Cortesía de Jason Chase.

Porque ¿es justo que un color pertenezca a una sola persona?

 

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