Literatura

“Yo trabajo como un hortelano”. El testamento creativo de Joan Miró

En 1958 el crítico de Arte Yvon Taillandier se reunió con Joan Miró para hablar de su obra. De esa conversación surgió el libro ( de apenas cincuenta hojas) “Yo trabajo como un hortelano” que recoge su filosofía creativa y su testamento vital.

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En 1964 se publicó una edición en castellano de solo 600 ejemplares de los cuales los 45 primeros contenían una litografía original firmada por el autor. Esta obra, por ser tan limitada, había estado agotada hasta ahora. En diciembre de 2018 la Editorial Gustavo Gili la volvió a editar en un formato más sencillo acercándola de nuevo a los lectores.   

Empieza así:

“Soy de un natural trágico y taciturno. En mi juventud, pasé períodos de profunda tristeza. Ahora soy bastante equilibrado, pero todo me disgusta: la vida me parece absurda”.

Habla de cómo se inspira para crear:

…”Lo voluntario en mí es la tensión de espíritu”…La atmósfera propicia a esta tensión la hallo en la poesía, la música, la arquitectura…en mis paseos cotidianos, en ciertos ruidos…

“Las cosas inmóviles me resultan grandiosas, mucho más grandiosas que lo que se mueve. Lo que busco, en efecto, es un movimiento inmóvil, algo que sea el equivalente de lo que se llama la elocuencia del silencio, o lo que San Juan de la Cruz designaba con las palabras, creo, de música muda”.

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De donde le vienen las ideas:

“Llego a un mundo partiendo de una cosa que se pretende muerta. Y como le pongo título aún resulta más viva”.

“De todas maneras, necesito un punto de partida, aunque fuese tan solo un grano de polvo o un resplandor luminoso. Esta forma procrea una serie de cosas, pues una da nacimiento a otra”.

“Las cosas más simples me dan ideas. Un plato en el que un campesino come su sopa”.

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Habla de la vida de los objetos:

“Para mi un objeto es algo vivo. Este cigarrillo, esta caja de cerillas contienen una vida secreta mucho más intensa que ciertos seres humanos”.

“Así un trocito de hilo puede desencadenar un mundo. Llego a un mundo partiendo de una cosa que se pretende muerta”.

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De la importancia del título:

“Hallo los títulos de mis obras a medida que trabajo, encadenando una cosa a otra en la tela. Cuando he encontrado el título, vivo en su atmósfera. Para mí, el título resulta entonces una realidad cien por cien; como les sucede a otros con el modelo, una mujer echada, por ejemplo. El título es, para mí, una realidad exacta”. 

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Del anonimato:

“El anonimato me permite renunciar a mí mismo, llego a afirmarme más aún. De igual modo el silencio es un rechazo del ruido, pero , el menor ruido en el silencio resulta enorme”.

“La misma tendencia me hace buscar el ruido escondido en el silencio, el movimiento en la inmovilidad, la vida en lo inanimado, lo finito en lo infinito, las formas en el vacío y mi yo en el anonimato”.

De cómo trabaja:

“Trabajo en un estado de pasión y de arrebato. Cuando empiezo una tela, obedezco a un impulso físico, a la necesidad de lanzarme; es como una descarga física”.

“Lo importante para mi es que se perciba el punto de partida, el choque que lo determinó”.

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El libro acaba completando la frase que lo inició:

“Por el mismo engranaje, mi pintura puede considerarse como humorística y alegre, aunque yo sea trágico”.

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Una obra de Arte.

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Soy Teresa Wilms Montt, y no soy apta para señoritas

“Soy Teresa Wilms Montt… y aunque nací cien años antes que tú, mi vida no fue tan distinta a la tuya. Yo también tuve el privilegio de ser mujer. Es difícil ser mujer en este mundo. Tú lo sabes mejor que nadie. Viví intensamente cada respiro y cada instante de mi vida. Destilé mujer. Trataron de reprimirme, pero no pudieron conmigo.

Cuando me dieron la espalda, yo di la cara.

Cuando me dejaron sola, di compañía.

Cuando quisieron matarme, di vida.

Cuando quisieron encerrarme, busqué libertad.

Cuando me amaban sin amor, yo di más amor.

Cuando trataron de callarme, grité.

Cuando me golpearon, contesté.

Fui crucificada, muerta y sepultada por mi familia y la sociedad.

Nací cien años antes que tú y sin embargo te veo igual a mí.

Soy Teresa Wilms Montt, y no soy apta para señoritas”.

 

La escritora Teresa Wilms Montt nació en 1893 en Viña del Mar, Chile. Era bella, apasionada, de sangre aristocrática y descendiente de cuatro presidentes de la República chilena. Fue  feminista, anarquista, masona. Hablaba cinco idiomas.

Pocas personas han tenido una vida tan intensa y tumultuosa como ella. Se casó a los diecisiete años con Gustavo Balmaceda en contra de la voluntad de la familia de ambos. Se trasladó a Iquique en donde se relacionó con bohemios y sindicalistas. Allí tuvo a sus dos hijas y se inició como escritora.

Cuatro años después volvió a Santiago. Su marido la alejó de sus niñas acusándola de infidelidad y la internó en el convento de La Preciosa Sangre alegando problemas mentales. Allí intentó suicidarse por primera vez.

“¡Oh sangre mía que fuiste azul y hoy roja luces! Roja de infierno, de pecado, de revolución”…

“Mi suegro conoce todas las infidelidades de Gustavo. A él lo celebran, a mí me condenan como a una enferma”…

El poeta Vicente Huidobro la rescató de allí. Viajó a Argentina en donde conoció a J. Luis Borges, Victoria Ocampo. En Buenos Aires deslumbró a toda la intelectualidad convirtiéndose en una diosa de la noche.

“Yo soy desconcertantemente desnuda, rebelde contra todo lo establecido, grande ante lo pequeño, pequeña ante el infinito”

Allí un joven se enamoró de ella y al ser rechazado se suicidó en su presencia. Teresa le dedicaría su poemario Anuarí para recordarle y corresponderle con un amor literario: 

[…] Me amaste, Anuarí, y alcancé la Gloria suspendida en tus brazos.
Desapareciste, y quedé sola, los ojos náufragos en noche de lágrimas.
Bondadosa ha vuelto tu sombra, entre ella y el sepulcro espera una hora mi alma.

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Más tarde viajó a Nueva York para trabajar como enfermera en la Primera Guerra Mundial y fue acusada de ser una espía alemana.  Visitó Europa, conoció a los españoles Azorín, Ramón Gómez de la Serna, Pío Baroja, Juan Ramón Jiménez  y Ramón Valle-Inclán, quien prologaría uno de sus libros. 

 

En París los amigos le facilitaron un encuentro con sus dos hijas, a las que hacía años que no veía, pero su familia las alejó de ella enviándolas de nuevo a Chile.

Pocos meses más tarde  Teresa ingirió una dosis mortal de Veronal. 

“Amo la Nada, porque la Nada es Todo, y el Todo soy yo cuando pienso y amo”.

Murió la Nochebuena de 1921 a los 28 años. Está enterrada en el cementerio Père-Lachaise de París. 

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Teresa Wilms Montt (1920) por Julio Romero de Torres.

 

–¿Qué hubiera usted querido ser?

–Lo que soy. De cualquier otro modo me habría aburrido más.

 

 

 

 

 

 

 

Tiene que ser aquí. Maggie O’Farrell

Una famosa actriz de cine, Claudette Wells, desaparece en el cenit de su carrera con su hijo y se retira a una granja aislada en Irlanda. Allí conoce a un amerciacano, Daniel Sullivan, que viaja con las cenizas de su abuelo.

Esta es la historia de su relación, de sus familias de como buscar un lugar en el mundo, de secretos, de culpas y abandonos.

Al principio  me costó, demasiada gente, demasiados cambios de fechas, de escenarios, pero pronto, muy pronto entré en ellos y ya no los dejé.

La manera de narrar de Maggie O’Farrell sorprende, hay varias voces, una en primera persona cuando habla Daniel y un narrador en tercera persona que casi es un cámara porque te pasea por los escenarios con un preciosismo y un amor por los detalles que hace que no quieras salir de ahí:

“Lo llevaron a una sala del tamaño de una cancha de baloncesto, con ventanas en tres paredes, alfombras gruesas, de esas en las que uno se hunde hasta los tobillos, sillones de lineas rectas, dispuestos para contemplar la calima de la ciudad, una pared entera de libros, del suelo al techo. Una puerta corredera estaba abierta, lo justo para entrar o salir por ella a una piscina impecablemente lisa, tan quieta como el mercurio”.

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Maggie O’ Farrell describe las emociones desde los sentidos como cuando Maeve, la cuñada de Claudette ve por primera vez a su hija adoptada :

“Maeve la mira. La mira y la sigue mirando. Si fuera líquida, se la bebería; si fuera gaseosa , la respiraría; si fuera píldora, se la tomaría, si un plato la lamería hasta la última migaja”.

Como lo que es conducir por Los Ángeles:

“No quería meterse con ese armatoste de vehículo en el tráfico de Los Ángeles, lento como la melaza, por las autopistas de doce carriles, agarrarse al volante y seguir las instrucciones que le daba la voz robótica del coche, cual Ariadna electrónica…”

En esta pequeña entrevista ella misma nos explica su novela:

 

Es una novela que te adentra en el mundo de las relaciones familiares  de una manera sutil y sin artificios. Me encantó una frase que parece muy simple, casi una obviedad. Quien ha tenido hijos seguro que reconocerá enseguida su profundidad y lo que cambia la intimidad de las parejas.

¿Saben qué es lo curioso de tener hijos de más de diez años? Que no se van a la cama.

Andar, escribir, morir. Robert Walser

Robert Walser fue uno de los escritores más importantes en lengua alemana del siglo XX. Nació en Biel (Suiza) en 1878. Tuvo que realizar múltiples empleos para subsistir y poder seguir escribiendo, como secretario, empleado de banca, sirviente, incluso se formó para ejercer de mayordomo.

Publicó quince libros, entre ellos: “Los hermanos Tanner”, “El ayudante”, “El paseo” ” Jakob von Gunten”, que influyeron  en escritores como Robert Musil y Franz Kafka.

Durante su vida fue autor de prosa, de centenares de poemas y escenas dialogadas. Al final escribió pequeñas anotaciones en una mini-escritura a lápiz y casi ilegibles a simple vista que son sus famosos «Microgramas» recopilados en dos tomos en: “Escrito a lápiz” (1924-1933) y publicados después de su muerte.

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Admiraba lo simple, la naturaleza y sobre todo los largos paseos por las montañas y los bosques.

“cuanta menos acción hay y más pequeño es el entorno que precisa un poeta, tanto mayor suele ser su talento (…) Las cosas cotidianas son lo bastante bellas y ricas como para poder sacar de ellas chispazos poéticos”.

“Esto es libertad (…) algo invernal, algo que no se puede soportar mucho tiempo. Hay que moverse siempre, como lo hacemos ahora, hay que bailar en la libertad. Es fría y hermosa. Pero no te enamores de ella. No haría más que entristecerte, pues solo por breves momentos, y no más, podemos detenernos en las moradas de la libertad”.

Walser en uno de sus paseos

 

En 1929, Walser ingresó en la clínica psiquiátrica de Waldau, en Berna, donde siguió escribiendo. Dejó de hacerlo hacia 1933 al ser llevado a la clínica psiquiátrica de Herisau, contra su voluntad. 

 «Yo aquí no he venido a escribir, sino a volverme loco», solía decir a uno de los amigos que le visitaban.

El 25 de diciembre de 1956, un día después de pasear con Carl Seelig por el camino de Saint Gall, en Suiza, Robert Walser apareció muerto en la nieve.

En su novela “Los hermanos Tanner”(1907)  Walser profetiza su propia muerte y  pone en boca de uno de sus personajes la descripción del difunto joven poeta Sebastian a quien un día hallaron caído sobre la nieve con el rostro cubierto por un sombrero:

“¡Con qué nobleza ha elegido su tumba! Yace en medio de espléndidos abetos cubiertos de nieve. La naturaleza se inclina a contemplar a su muerto, las estrellas cantan dulcemente en torno a su cabeza y las aves nocturnas graznan: es la mejor música para alguien que ya no tiene oído ni sensaciones. Yacer y congelarse bajo unas ramas de abeto, sobre la nieve: ¡qué espléndido reposo! Es lo mejor que pudiste hacer. La gente está siempre dispuesta a hacerles daño a las aves raras como tú, y a burlarse de sus sufrimientos”.

 

 

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Robert Walser apareció muerto en la nieve, bajo un sol pálido, dice Seelig, “pálido como una muchacha un poco anémica”.

“Y ahora a seguir paseando. Es divinamente hermoso y bueno, sencillo y antiquísimo, ir a pie”. 

 

 

BESOS EN LA FRENTE

Mi abuela se había encogido tanto con la edad que para darle un beso el mejor sitio, el más cómodo, el que estaba a mi altura de niña de diez años, era la frente. Un trocito de piel dura, pero suave,  y que olía a galletas con vaso de leche porque siempre la iba a ver a la hora de la merienda. Ella no decía ni hacía nada cuando la besaba, tan sólo sonreía, porque como todo el mundo sabe los besos en la frente nunca se devuelven.

Y así fue durante algunos años. Hasta que un día la abuela se puso enferma y se metió en la cama. Yo jamás la había visto allí con su camisón blanco, su pelo suelto y sin zapatillas. Muy flojito me pidió que me acercara. Pasó en un segundo, fue como si me rozara un ala de mariposa, como el paso de una nube, como las cosquillas que hace la espuma del mar en los pies.

La abuelita me besó en la frente, en el mejor sitio, en el más cómodo para su postura yaciente. Y muy bajito, casi susurrando, me dijo que el último beso que le dio su madre fue así.

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BOCA BESADA

Esa mujer de ojos verdes, melena cobriza y labios sensuales es Fanny Cornforth, la modelo que hizo cambiar la forma de pintar de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)  fundador en Londres en 1848, junto con John Everett Millais y William Holman la Hermandad Prerrafaelista que defendía la pintura no académica y que se inspiraba en los autores anteriores a Rafael.

Fanny fue su musa y amante durante más de veinte años llevando con él una relación libre y aceptando relaciones con terceros. Cuando se conocieron en 1858, ella era una chica humilde y sin educación, que se ganaba la vida como prostituta. El artista quedó hechizado por la belleza y la historia de la muchacha y sustituyó su ideal estético femenino que era representado por mujeres frágiles, espirituales y delicadas como Lizzie Siddal, poeta y modelo (con la que finalmente se casaría en 1860) por un tipo de belleza sensual, turbulento pero a la vez cándido.

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Rossetti pintó “Bocca Baciata” (Boca besada), también llamada “La canción de la alcoba”en 1859. El cuadro está inspirado en un cuento del Decamerón en donde se narra la vida de una princesa sarracena llamada Alatiel, que después de haberse pasado varios años perdida por el mundo, siendo la amante de ocho hombres diferentes (y disfrutando de ellos), se presenta ante su prometido, el rey del Algarve, como una doncella pura y virginal. Así es como la veía Rossetti.

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La representa enjoyada resaltando sus labios ( que son el puntum del cuadro) y con una manzana en primer plano que simboliza la tentación. Lleva una rosa blanca prendida del pelo para destacar su inocencia y está rodeada de caléndulas que son el símbolo del dolor y los celos.

Este cuadro marca el inicio de una nueva etapa de Rossetti en la que pintaría figuras femeninas de medio cuerpo o tres cuartos muy idealizadas y que se inspiraba en la pintura veneciana del S. XVI.  Dante Gabriel Rossetti también fue poeta, pero esa es otra historia que merece la pena ser contada otro día.

He aquí algunos de sus cuadros con los nombres de las mujeres que los inspiraron entre ellos Fanny:

En la parte trasera del cuadro “Boca besada” el pintor añadió un texto sacado del Decamerón de Boccaccio: 

“La boca besada no pierde su frescura sino que se renueva como hace la luna”.

 
 
 
 

El libro de los abrazos de Eduardo Galeano

Sí, cada una de las casi doscientas historias del libro son como un abrazo. Un abrazo suave, poético, intimo. Un abrazo que parece mínimo por lo breve, pero que te hunde en los abismos inexplorados de tu propia alma como brazos que llevan a las estrellas.

Empieza así:

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Cada historia va acompañada por un dibujo suyo, simple, surrealista como son los sueños de la infancia.

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Todas ellas se ubican en países americanos, en España y en Barcelona que es donde se exilió. Aquí os dejo tres de ellas:

El lenguaje del arte 

El Chinolope vendía diarios y lustraba zapatos en La Habana. Para salir de pobre, se marchó a Nueva York.
Allá, alguien le regaló una vieja cámara de fotos. El Chinolope nunca había tenido una cámara en las manos, pero le dijeron que era fácil:
 – Tú miras por aquí y aprietas allí. 
Y se echó a las calles. Y a poco andar escuchó balazos y se metió en una barbería y alzó la cámara y miró por aquí y apretó allí.
En la barbería habían acribillado al gangster Joe Anastasia, que se estaba afeitando, y esa fue la primera foto de la vida profesional de Chinolope.
Se la pagaron una fortuna. Esa foto era una hazaña. El Chinolope había logrado fotografiar la muerte. La muerte estaba allí: no en el muerto, ni en el matador. La muerte estaba en la cara del barbero que la vio.

 

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La pálida

Mis certezas desayunan dudas. Y hay días en que me siento extranjero en Montevideo y en cualquier otra parte. En esos días, días sin sol, noches sin luna, ningún lugar es mi lugar y no consigo reconocerme en nada, ni en nadie. Las palabras no se parecen a lo que nombran y ni siquiera se parecen a su propio sonido. Entonces no estoy donde estoy. Dejo mi cuerpo y me voy, lejos, a ninguna parte, y no quiero estar con nadie, ni siquiera conmigo, y no tengo, ni quiero tener, nombre ninguno. Entonces pierdo las ganas de llamarme o ser llamado.

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Llorar

Fue en la selva, en la amazonia ecuatoriana.
Los indios shuar estaban llorando a una abuela moribunda.
Lloraban sentados, a la orilla de su agonía.
Un testigo, venido de otros mundos, preguntó:
– ¿Por qué lloran delante de ella, si todavía está viva?
Y contestaron los que lloraban:
– Para que sepa que la queremos mucho.
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Y dos frases:
Una la pone en boca de su amigo Fernando Rodriguez en el cuento Celebración del silencio/1 :
 “No hay que pasar de los setenta, porque entonces te enviciás y ya no querés morirte”.
Y la otra forma parte de la historia Sucedidos/3 que habla de un médico de Nicaragua: 
…”Porque él cura tocando. Y contando, que es otra manera de tocar”.
 
 
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Eduardo Galeano

“Sólo los tontos creen que el silencio es un vacío. No está vacío nunca. Y a veces la mejor manera de comunicarse es callando”.

Eduardo Hughes Galeano (Montevideo 1940-2015) fue un intelectual de izquierdas, periodista, poeta, y uno de los escritores más destacados de América latina. Entre su obras destacan “Las venas abiertas de América latina (1971), Memoria del fuego (1986), El libro de los abrazos (1989), Los hijos de los días (2011). 

Sus textos combinan varios géneros como la ficción, el periodismo y el análisis político. Autor polémico y comprometido, en 2008 tras la victoria de Barack Obama dijo: 

“La Casa Blanca será la casa de Obama pronto, pero esa Casa Blanca fue construida por esclavos negros. Y me gustaría y espero que él nunca lo olvide”.

Valedor pro derechos humanos:

“No sólo Estados Unidos, sino algunos países europeos han sembrado dictaduras por todo el mundo. Y se sienten como si fueran capaces de enseñar lo que es democracia.

Poeta del amor: 

“Todos somos mortales hasta el primer beso o la segunda copa de vino”.

“Te extraño, pero no te quiero de regreso, solo quiero que lo sepas para que tengas en cuenta que te pienso sin necesitarte a mi lado”.

“Lo importante del amor es que sea infinito mientras dura”.

Maravillosa esta entrevista, sobre el amor y la felicidad, que le hizo Jesús Quintero en el programa “Ratones colorados”:

Defensor de las clases más desfavorecidas.

“Los nadie” es uno de sus poemas más hermosos:

Sueñan las pulgas con comprarse un perro                                                                                    Y sueñan los nadies con salir de pobres…

…Los nadie que cuestan menos que la bala que los mata.

 

 

 

El padre de Peter Pan

El autor de Peter Pan, James Matthew Barrie (1860-1937), tampoco pudo crecer mucho, medía poco más de metro cincuenta de estatura. Fue diagnosticado de  “Enanismo psicosocial” que se define como el retraso en el crecimiento por deprivación afectiva en la infancia, y que está asociado al deseo de ser por siempre niño y no crecer.

J.M. Barrie nació en Kierremuir (Escocia)  en el seno de una acomodada familia victoriana. Cuando tenía seis años, su hermano David, de trece, y el favorito de su madre, murió. Ella nunca se recuperó de la pérdida e ignoró a J. M. llegándole a llamar por el nombre de su hermano y solo haciéndole caso cuando se ponía las ropas de David. Esto marcaría toda su vida que empezó a cambiar cuando se estableció en Londres y se centró en la literatura.

Barrie fue un autor de éxito gracias a “El admirable Critchon”, “Margaret Ogilvy.”  También escribió entre otras obras “Calle Quality” (1901), “Lo que saben todas las mujeres” (1908) y “David” (1936).

Su obra más conocida: Peter Pan primero nació como cuento oral y en 1904 se representó como obra de teatro en Londres. En 1911 Barrie publica la novela y dona sus derechos al Hospital Infantil de Londres.

A Barrie le gustaba pasear por el parque de Kensington, allí conoció a Margaret una niña de 4 años que le llamaba “friendy” por su dificultad en pronunciar las erres de ahí su nombre Wendy y que a su muerte, a los seis años, inmortalizó en Peter Pan.

También conoció allí a los cinco hijos del matrimonio Lewellyn Davies a los que adoptó cuando murieron sus padres y en los que se inspiró para escribir Peter Pan. Tres de ellos murieron trágica y prematuramente: George, en la Gran Guerra, Michael ahogado junto a un amigo en el río, y Peter, que era al que todo el mundo llamaba Peter Pan, que se suicidó lanzándose al Metro de Londres en la estación de Sloane Square.

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Estas son algunas de sus frases:

Los sueños se pueden hacer realidad, si lo deseas lo bastante fuerte. Puedes tener cualquier cosa en la vida, si puedes sacrificar todo lo demás.

Cada vez que un chico dice “no creo en las hadas” hay un hada en algún lado que cae muerta.

Cuando el primer bebé se rió por primera vez, su risa se rompió en mil pedazos y éstos se esparcieron y ése fue el origen de las hadas.

Nada pasa, después de los 12 años, que importe mucho.

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James Matthew Barrie falleció en junio de 1937 de neumonía y fue enterrado en su ciudad natal escocesa, Kirriemuir junto a sus padres y dos de sus nueve hermanos. Legó todo su patrimonio (excepto las ganancias de Peter Pan que se destinaron al Hospital infantil Great Ormond) a su secretaria Cynthia Asquith.

 

 

El diccionario abreviado del surrealismo. André Breton y Paul Eluard

Este diccionario fue publicado por primera vez en 1938 con ocasión de la Exposición Internacional del Surrealismo. En él los poetas André Breton y Paul Éluard reunieron las definiciones de escritores y artistas a cerca de palabras y de términos  próximos al surrealismo.
 
Breton, Eluard, Louis Aragón, Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Péret, Lautréamont, Rimbaud, Duchamp, Picasso, entre otros, participaron aportando ideas geniales llenas de humor e imaginación.
 
 
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Estas son algunas de las definiciones:
 

AMOR. “El amor recíproco, el único que aquí podría interesarnos, es aquel que pone en juego la falta de costumbre en la práctica, la imaginación en la vulgaridad, la percepción del objeto interior en el objeto exterior” (André Breton y Paul Eluard). “El amor ya no pretende estar más allá del bien y del mal, sino que sencillamente, el amor hace de todo mal un bien y por lo menos un más” (René Crevel).

ANGUSTIA. Lámpara que humea con ruidos de espada.

AVIÓN. “El avion es un símbolo sexual, que sirve para ir rápidamente de Berlín a Viena” (atribuido a Freud)

AZAR. “El azar sería la forma de manifestación de la necesidad exterior que se abre un camino en el inconsciente humano” (André Breton)

COCIENTE. “Se puede expresar el paso esencial del surrealismo diciendo que consiste en calcular el cociente del incosnciente por el consciente” (Pierre Naville)

ENCUENTRO. “¿Cuál fue el encuentro fundamental de su vida? ¿Hasta qué punto ese encuentro le dio, le da la impresión de lo fortuito, de lo necesario? (Encuesta surrealista enMinotaure, 1933).

 

EROTISMO. Ceremonia fastuosa celebrada en un subterráneo.

FAMILIA. “Soy el abuelo, el padre, el suegro, el hermano, el cuñado, el yerno, la nuera, el primo, el padrino y el cura del papa actual” (André Breton y Paul Eluard).

FANTASMA. “Simulacro del volumen. Estabilidad obesa. Inmovilidad o movilidad sospechosa. Contornos afectivos. Perímeto metafísico. Hundimiento exhibicionista. Silueta fenomenal. Angustia arquitectónica. Ejemplos de fantasmas: Freud, de Chirico, Greta Garbo, la Gioconda, etc. (Salvador Dalí).

 

HABLAR. “Hablar por hablar es la fórmula de liberación” (Novalis).

HIMEN. “Humano”. (Michel Leiris).

LOCURA. “Corazón dedicado a la piedad, a las paredes de madera muerta”. “Locos en olor de pensamiento” (Paul Eluard)

MADRE. “Mi madre es un trompo del cual mi padre es la cuerda” (André Breton y Paul Eluard).

NERVIOS. “Viva la gente que tiene los nervios gruesos como cables” (Lichtenberg).

NEURASTENIA. “Una palabra que no tiene verguenza, una sombra de casis entre dos ojos semejantes” (Paul Eluard).

 

PARANOIA. “Delirio de interpretación que trae consigo una estructura sistemática. //Actividad paranoico-crítica: método espontáneo de conocimiento irracional basado en la observación crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones delirantes” (Salvador Dalí).
 
PATAFÍSICA. “La patafísica es la ciencia de las soluciones imaginarias, que concede simbólicamente a los lineamientos de las propiedades de los objetos descritos por su virtualidad” (Jarry).
 
PERCEPCIÓN. “Se puede afirmar la presencia o la percepción de un objeto cuando está presente y percibido, cuando está ausente y percibido, cuando no está presente ni percibido” (Pierre Quercy).

 

PROYECTO. “Por encima del sujeto, más allá del objeto inmediato, la ciencia moderna se funda en el proyecto. En el pensamiento científico, la meditación del objeto por el sujeto toma siempre la forma del proyecto”. (Gaston Bachelard)

REPRESENTACIÓN. “Las representaciones convencionales de las fuentes geométricas de la naturaleza sólo son seductoras en función de su poder de oscurecimiento”. (André Breton y Paul Eluard)

 

SABER. “Yo todo lo sabía, tanto he procurado leer entre arroyos de lágrimas” (Nadja).

 
SUEÑO. “Los hombres cuando sueñan trabajan y colaboran en los acontecimientos del universo” (Heráclito).
 
TÚ. “Donde no existe el tú; no hay mí, y la distinción entre el mí y el tú, el fundamento de toda personalidad y de toda consciencia, sólo se realiza de manera viviente en la diferencia entre el hombre y la mujer. El tú entre la mujer y el hombre tiene un sonido completamente diferente que el monótono tú entre amigos” (Feuerbach).

 

UNO. “El Uno se manifiesta tres” (Jarry).

 

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La chanson de l’amour, Giorgio de Chirico (1914)
 
André Breton (Tinchebray, 1896-París, 1966) fue el fundador del movimiento surrealista en cuya génesis tuvo una influencia decisiva el psicoanálisis. Freud no compartía totalmente esa teoría. En diciembre de 1932 escribió a Breton una carta que acababa así:
 
“Y ahora una confesión, ¡que debe usted acoger con tolerancia! A pesar de que recibo tantas pruebas del interés que usted y sus amigos tienen por mis investigaciones, yo mismo no soy capaz de aclararme qué es y qué quiere el surrealismo. Quizás no estoy hecho para ello, yo que estoy tan alejado del arte.”
 
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André Breton quería borrar las fronteras entre el arte y la vida.
 
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André Breton