Pintura

La isla de los muertos de Arnold Böcklin

Hay pocas pinturas que a pesar de la armonía de su composición intranquilicen tanto a quien las contempla.

Los colores son suaves, el mar está en calma… Sí, una barca con una figura blanca estática, como amortajada, pero erecta se dirige a una isla, eso da que pensar.

Su autor Arnold Böcklin realizó cinco versiones del cuadro entre 1880 y 1886 de las que solo se conservan cuatro. Hitler adquirió la tercera versión en calidad de canciller del Reich y en un primer momento lo conservó en su casa de Berchtesgaden para luego colgarlo en la Cancillería. Ante él se retrató en una fotografía de prensa junto a Molotov, en aquella época ministro de asuntos exteriores de la Unión Soviética. Un año más tarde las tropas alemanas invadieron la URSS.

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La cuarta versión la adquirió el barón Von Thyssen, esta también se encontraba en Berlin hasta que desapareció durante la II Guerra Mundial dándose hoy en día por perdida.

Böcklin nunca dio explicaciones sobre su significado, el título: La isla de los muertos se lo debe a un marchante de arte.

Se dice de ella que influyó en Dali, De Chirico, Rubén Dario, Rilke, Rachmaninov. La obra se hizo tan popular que se reprodujo como litografía y que tanto Lenin como Herman Hesse habían tenido una de ellas decorando las paredes de sus casas.

No se sabe en que lugar se inspiró el autor para pintarla, algunos creen que fue en la isla de Isquia, otros que en la de Ponza o la de Kotor, incluso en el cementerio de los Ingleses de Florencia.

Lo cierto  es que aún sigue siendo fuente de inspiración en nuestros días.

En el cine: La isla Skull o de la Calavera, donde vive King Kong.

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En la película Furia de titanes (1981): Perseo cruzando el río Styx.

 

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En cómics como Martin Mystère:

Martin Mystere

O la versión del dibujante Milo Manara:

Isla de los muertos. Milo Manara

Incluso en la Diagonal de Barcelona, en el cruce con el Passeig de Sant Joan, hay un monumento a Verdaguer que se inspiró en La isla de los muertos como aseguraba Vidal-Folch:

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Es un cuadro que siempre me ha impresionado y me ha atraído a la vez, y no es por la barca, ni por Caronte ni por la extraña caja adornada que porta:
 
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Ahora lo sé. Es por los cipreses. En cualquier cementerio son los árboles los que cobijan y rodean a los muertos, pero en el cuadro de Böcklin: la isla, los hipogeos, los muros de piedra guardan y protegen a los cipreses. Todo se centra y se dirige a ellos como si fueran lo único vivo, lo único que importa.
 
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¿Qué tienen los otros árboles que no tenga yo?
Yo no soy triste,
lo que pasa es que todos me miráis con tristeza.
El ciprés del cementerio (Gloria Fuertes)
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Sueño o realidad. Giorgio de Chirico

“Para llegar a ser verdaderamente inmortal, una obra de arte debe escapar a todos los límites humanos: la lógica y el sentido común solo interfieren”. G. de Chirico (1888-1978).

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                                          La tristeza de la primavera (1970)

Maniquíes sin cara, plazas italianas, baños misteriosos, jardines amueblados. En la pintura de G. de Chirico todo es posible. Los hombres se convierten en objetos y los objetos se convierten en dioses mientras la arquitectura y la mitología dialogan.

A Giorgio de Chirico se le considera el padre de la pintura metafísica porque explora el mundo interior a través de los objetos cotidianos, porque conecta directamente con lo simbólico y con el inconsciente. Se le considera inspirador de Dalí, R. Magritte, Andy Warhol, del Pop Art.

Cuando paseas por entre las 142 obras: cuadros, dibujos, esculturas que ahora se exponen en el Caixaforum de Barcelona , primero llama la atención la belleza de sus retratos realistas, pero cuando vas un poco más allá te encuentras con su autoretrato. En él va ataviado con una túnica clásica como única vestimenta.

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                                                      Autoretrato (1949)

A partir de aquí las cosas empiezan a cambiar. Poco a poco vas entrando en un sueño. Un sueño a la vez extraño y conocido, de lineas rectas y sobrias. Sientes como si ya hubieras estado allí, en plazas vacías llenas de sombras imposibles y de luces congeladas. Pierdes la sensación de tiempo, eso es algo que inquieta, pero que también tranquiliza.

Aparecen maniquíes como personificaciones de los mitos griegos. Musas sin cara y de cabezas ovales y lisas, pero que conservan los atributos que las identifican: la vara de Melpómene como Musa de la tragedia y la careta roja de Talía, la Musa de la comedia. Están inmóviles, como si fueran los decorados de un teatro. 

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                                          Las Musas inquietantes (1947)

Vemos una pareja con cabezas ovoides que están  sentados en sillones y que van vestidos  con túnicas griegas. Dentro de ellos, junto a sus corazones, se guardan templos, puentes, ríos, libros… Por la delicada postura de sus brazos sentimos el respeto y la protección que les profesan. Son “Los arqueólogos”.

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                                                   Los arqueólogos (1927)

En el espacio central de la exposición, entre las arcadas de la sala y colocadas a modo de ágora griega, se descubren algunas de sus esculturas.

Brillan, Los focos halógenos del techo hacen que proyecten mil luces y sombras. Una de estas esculturas representa a un toro con cuerpo de hombre, ¿o es un hombre con cabeza de toro? Está situado delante de un templo, pero rodeado de ruinas. Su título nos adentra aún más en su misterio.

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                                                 Minotauro arrepentido (1969)

Poco a poco despertamos, vamos volviendo a la realidad que ahora parece un poco más amable. Siempre pasa eso después de soñar. 

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                                        Plaza de Italia con fuente (1968)

Un día G. de Chirico escribió: “Hay más misterio en la sombra de un hombre caminando en un día soleado, que en todas las religiones del mundo”. 

                                                                        …

 Sueño o realidad. Giorgio de Chirico. Caixaforum Barcelona (19 de julio al 22 de octubre 2017)

 

 

EL SALÓN DE LOS RECHAZADOS

El impresionismo fue una revolución, un saltarse los cánones; fue volver a lo auténtico, a pintar en libertad y en la naturaleza, y claro, los académicos apoyados por todo lo oficial, condenaron el movimiento desde sus inicios.

Uno de los acontecimientos pictóricos más valorados del siglo XIX era el Salón de París que estaba patrocinado por el Estado Francés, pero en el año 1863 el jurado rechazó más de 3000 obras y los artistas se indignaron. Nunca antes había pasado nada igual. Fue tal el revuelo del veredicto que Napoleón III decretó que los pintores rechazados pudieran exponer sus obras en un anexo al Salón oficial. Muchos críticos, y el público también, fueron a visitarlo para ridiculizar a los rechazados. Incluso Émile Zola incorporó un relato novelado del escándalo de 1863 en su novela La obra (1886). Pero en aquel Salón se expusieron obras que cambiaron la manera de ver el mundo y fueron tan magníficas como el  Desayuno sobre la hierba de Manet, y Chica de blanco de J. McNeil Whistler.

De blanco

No todo fueron comentarios negativos, algunos intelectuales y críticos legitimaron el movimiento y eso hizo que los artistas se organizaran para hacer exposiciones conjuntas en una sala que el fotógrafo Nadar les prestó en París. Se realizaron ocho. La primera fue en 1874. En ella un cuadro de Claude Monet dio nombre al movimiento.

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Impresión del sol naciente.

En las  ocho exposiciones Impresionistas expusieron sus obras:  P.Cézanne, E.Degas, B. Morisot, C. Pissarro, P.A. Renoir, A Sisley entre muchos otros.

 

Esta es una historia que da que pensar. ¿Qué habría pasado si nadie les hubiera reconocido, si no les hubieran dado una oportunidad? Seguramente nada, porque lo que tiene valor siempre se abre paso solo, tarde o temprano, o así debería ser. 

Cantos de Rechazo

Annise Koltz

 

Abatid mis ramas

cortadme en pedazos

las aves continúan cantando

en mis raíces

Con las piedras arrojadas

contra mí

he construido los muros

de mi casa.

rechazo

Porque cualquier rechazo puede ser un sol naciente.

 

LOS NENÚFARES DE MONET

Cuando Monet empezó a sentir que se estaba quedando ciego, quiso no solo pintar lo que veía en su jardín de Giverny , sino también recrear lo que sentía al estar cerca del agua y las flores. Lo expresó así:

“El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo”.

Lo hizo en lienzos grandes de más de nueve metros de alto y doce de ancho.

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Ese fue su último proyecto: “Los nenúfares” y lo empezó poco después de empezar la Gran Guerra. Mientras la gente era evacuada de la ciudad el permaneció en su jardín de Giverny ajeno incluso a los cercanos sonidos del frente. Cuando acabó la guerra ofreció su pintura al estado francés para homenajear el armisticio. Solo puso una condición, que el estado comprara su cuadro ” Mujeres en el jardín” el cual había sido rechazado en el Salón Oficial en 1867.

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Le dijeron que sí y en 1922 le pagaron doscientos mil francos por él esperando recibirlo junto a los lienzos de Los nenúfares, pero pasaba el tiempo y estos no llegaban. Monet decía que no estaba acabado, que se encontraba tan débil y tenía tantas dificultades de visión que  no podía trabajar en él.

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El 5 de diciembre de 1926 Monet muere en Giverny acompañado por su amigo George Clemenceau. Cinco meses más tarde su obra es entregada tal y como estaba  y se instala en el Museo de l’ Orangerie ocupando dos espacios ovales majestuosos. El mismo lugar en donde se encuentran hoy en día.

El conjunto de pinturas da la impresión de estar suspendido. Son composiciones casi abstractas, manchas de color, que con su colocación circular reflejan los cambios de las flores y el lago durante las horas  del día y las estaciones del año. La pintura no parece inacabada, al contrario, su obra es tan libre que se acerca a la abstracción y transmite la sensación de estar en Giverny.

Existe un pequeño fragmento de película de 1915 en dónde podemos ver a Monet pintando en su jardín. 

Se hace difícil distinguir entre lo que es pintura y lo que es realidad.

 

“Quien nada quiere es libre”. F. Pessoa

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No sólo quien nos odia o nos envidia

nos limita y oprime; quien nos ama

no menos nos limita.

Que los dioses me concedan que, desnudo

de afectos, tenga la fría libertad

de las cimas sin nada.

Quien quiere poco, tiene todo; quien nada quiere

es libre; quien no tiene, y no desea,

hombre, es igual a los dioses.

 

Fernando Pessoa

 

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LA FLOR CAÍDA NO VUELVE A LA PLANTA

Dos muchachas están sentadas en la arena amarilla y caliente de la playa. Cerca se ve el mar, un mar tranquilo, pero negro.

Una viste falda de flores, blusón blanco y lleva un lazo que recoge su melena con una flor prendida en ella. No mira al mar, no se atreve, mira al suelo. Está semi tendida, lángida, quizás triste, porque sabe que el tiempo de las flores y de la falda roja se acaba.

La otra está sentada. Viste una bata rosa que la tapa totalmente, parece un uniforme, quizás ha empezado a ir a la escuela de las misiones. No, la han obligado a trabajar, los extranjeros que han venido a la isla dicen que se ha de mirar hacia el futuro, ella, de soslayo y con desconfianza, mira hacia delante, pero no sabe ni le importa lo que significa futuro. Sus manos a partir de ahora solo le servirán para trabajar, no para apoyarse. Con delicadeza retiene en ellas un resto seco de lo que un día fue hierba exuberante y verde, la tendrá que trenzar para construir un cesto, mil cestos.

En la arena, frente a ellas, hay dos formas confusas, una espiral que quizás es un dibujo o una cuerda,  y una cuadrangular que parece una caja o una pastilla de jabón. Pero formando un triángulo con esos objetos hay algo que no admite duda.

Es una flor. La flor caída que nunca volverá a la planta. 

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“Mujeres en la playa de Tahiti” (1891, óleo sobre lienzo, 69 x 91 cm, Museo d’Orsay, París). Paul Gauguin.

 

FÍSICA Y METAFÍSICA DE LA PINTURA. L.CATTIAUX. “El arte es mágico o no es”

“Este libro es inútil, pues si no habéis descubierto el Arte en vosotros mismos, nadie os lo hará conocer desde fuera”.

Louis Cattiaux (Valenciennes, 1904- París, 1953)  fue un pintor, poeta y escritor francés. Conocido sobre todo por  El mensaje reencontrado, un libro que transmite la tradición enseñada por los sabios de todos los tiempos.

En Física y Metafísica de la Pintura expone tanto los procedimientos pictóricos como lo que es y significa el Arte en su total expresión.

Que mejor que presentarlo con alguna de sus reflexiones:

“Hay que trabajar mucho tiempo sobre una misma obra, pero sin esfuerzo, sin aburrimiento, sin trabajo en suma, y tal como dice Paul Valéry: Se ha de mantener el esfuerzo hasta que el trabajo haya borrado las huellas del trabajo”.

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“El artista sólo conoce el cielo y la tierra; la ciencia, la moral y la política de los hombres le aburren y le matan”.

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“El libro más bello, el cuadro más afortunado, la obra más profunda, no son los que afirman sino, más bien, los que sugieren. En efecto, es imposible comunicar un sentimiento de arte si no es por la sugestión, que permite un trabajo de reconstitución personal y duradero”.

 “El arte es mágico o no es”.

 

 

 

LA NOVENA OLA

 

Para muchos “La novena ola” de Iván Aivazovsky ( 1850 ) es la pintura más bella de Rusia. Se encuentra en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

Recuerda a las pinturas del romanticismo francés, a “La balsa de la Medusa” de Géricault (1819), por el mar embravecido, por la lucha por la supervivencia cuando los elementos están en contra. Pero en ésta última gana la historia, los personajes, el dramatismo de lo que están a punto de vivir, de la decisión que han de tomar. También hay una ola que amenaza, pero importan ellos mucho más que el mar.

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En “La novena ola” de Aivazovsky el mar lo es todo. Con solo verlo marea, si te entregas a él notas como subes y bajas como los diminutos hombres que están en él. Te has de aferrar a la realidad, a la seguridad del suelo que pisas para no dejarte llevar a merced de las olas.

Dicen que pintaba usando sólo la imaginación y su memoria visual, que nunca copiaba ni tenía modelos. Pensaba que era imposible captar el movimiento de los elementos sólo con el pincel, confiaba más en sus sensaciones, en lo que el tema provocaba en él.

En esta pintura no está anocheciendo como en la de Géricault, el cielo está rojizo y en él hay un sol ígneo, pero naciente, que permite una esperanza y quizás la salvación. De ahí el título.

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Según la tradición marinera la novena ola es la más peligrosa e imprevisible de la tormenta, pero si se supera se puede considerar el peligro superado.

 

 

 

EL IMPERIO DE LAS LUCES. René Magritte

“La nada es la única gran maravilla del mundo” René Magritte.

Cuando ves el cuadro por primera vez te inquieta y no sabes por qué. En una calle hay una casa con un farol encendido delante de ella y en un primer plano un árbol. Todo está silencioso y solitario, tan solo en las dos ventanas del piso superior hay luz. De él Magritte hizo varias versiones en los años 50.

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               Óleo sobre lienzo, 146 x 114 cm.
                      El imperio de las luces (L’empire des lumiéres)

Quizás es por la paradoja, porque la casa está sumida en la noche y el cielo es un cielo diurno, pero que no ilumina la escena.  Está oscureciendo, eso sí. Está en la zona intermedia del día y la noche en donde éstas se tocan, pero que no llegan a unirse totalmente, como el sueño y la vigilia. Son los dos universos paralelos que coexisten inevitablemente dentro de todos nosotros. Verlo me sume en una extraña nostalgia, en la tristeza crepuscular del final de la tarde, en lo inexorable de acabar el día, del momento “justo antes” cuando todavía hay luz afuera, pero que es insuficiente y necesita de la luz interior para soportar la huida del sol.

Ese enigma, esa paradoja, es el centro del la ideología surrealista.

R. Magritte estaba fascinado por la idea de los contrarios. Comentó la obra así:

«La concepción de un cuadro, es decir, la idea, no se visualiza en el mismo: es imposible ver una idea con los ojos. Lo que un cuadro representa es lo visible a los ojos, esto o las cosas que tenían necesidad de tal idea. Esas son también las cosas representadas en el cuadro El imperio de las luces. Mejor dicho, lo que aparece es un paisaje nocturno y por otro lado el cielo que podemos ver en un día despejado. El paisaje representa la noche y el cielo, el día. La evocación de la noche y el día tiene, creo yo, el poder de sorprendernos y fascinarnos. Designo este poder con el nombre de poesía. Si atribuyo a esta evocación tal poder es, sobre todo, porque siempre me han interesado el día y la noche, sin que jamás haya sentido preferencia por ninguno de los dos. Este fuerte interés personal por el día y la noche es un sentimiento de asombro y de admiración».

Y André Breton dijo de ella :

“Abordar el problema de qué es la luz desde la sombra y qué es la sombra desde la luz”.

Sí, es la tierra intermedia entre lo consciente y lo inconsciente.

 

 

ESCHER. Un artista mágico y matemático

“Asombrarse es la esencia de la vida”

Maurits Cornelis Escher nació en Leeuwarden el 17 de junio de 1898 y murió en Hilversum en 1972. Empezó estudiando arquitectura, pero enseguida destacó en el dibujo y en el grabado de madera. Este artista holandés fue reconocido por sus grabados xilográficos y litográficos en los que representaba figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios. Por una obra mágica y matemática al mismo tiempo.

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A Escher le obsesionaba la realidad y la forma de plasmarla en el plano. Con la representación en tres dimensiones creaba obras capaces de saltar por encima de las normas, por encima del papel, que producían efectos imposibles.

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Contemplar los tres planos de la naturaleza como  en “Three worlds” en donde vemos la superficie del agua (las hojas), el fondo del río (el pez) y el exterior (los árboles).

Escher descubre el misterio de la geometría en un viaje a España, en la Alhambra de Granada, en donde copia y se inspira en muchos de los motivos ornamentales. Usa patrones rellenando todos los espacios sin dejar ningún hueco.

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Él quería que sus obras estuvieran exentas de todo mensaje político y social, que fueran una mera recreación visual. Incluso llegó a ponerles precios exorbitados en un intento inútil de que no se difundieran, Pero sus diseños se extendieron y hoy forman parte de posters, películas (Incepción, Tron, Dentro del laberinto), video juegos (Echochrome, Monument Valley) y  libros como “Caleidociclos” de editorial Taschen en donde se incluyen las instrucciones para el montaje de sus figuras.

Nadie puede abstraerse a sus imágenes hipnóticas, a sus fractales, a sus construcciones imposibles en donde se puede bajar y subir al mismo tiempo. A su geometría.

Una vez alguien dijo que la geometría era el único arte directamente ligado al retorno del hombre al Paraíso.