Pintura

Decidir entre el bien y el mal. Patinir

A Joachim Patinir (Belgica,1480-1524) se le conoce por ser el precursor de la pintura paisajística. En sus obras siempre hay figuras y una historia que contar, pero lo que llama la atención es la fuerza y la importancia de la naturaleza. Solo se conservan 29 de sus pinturas que todas son fácilmente reconocibles por su carácter simbólico, por sus figuras pequeñas y sus planos escalonados con un horizonte elevado lo que las hace casi panorámicas.

El paso de la laguna Estigia” es una de sus obras más interesantes. El barquero Caronte conduce a un alma frágil y desnuda su destino final. Las figuras están en el centro, pero a los lados hay dos posibilidades: A la izquierda está el paraíso con ángeles y edificios de cristal, estos no se ven bien, están ocultos por la vegetación, solo asoma un camino estrecho y difícil a través de las rocas. A su derecha la navegación es más fácil.

El infierno arde a lo lejos también oculto por la naturaleza. En la orilla hay árboles frutales y animales fantasmagóricos .

También hay una figura escatológica, que casi no se ve, un hombre defecando, que simboliza el pecado y el demonio, y que es un tema repetido en los cuadros de Patinir.

En el centro se plantea la gran decisión del hombre entre el bien y el mal. La decisión ya está tomada. Vemos como el barquero lleva la nave hacia la derecha, hacia el infierno. El alma lo sabe y dirige allí su mirada aunque no se imagina lo que se encontrará.

Esa es la historia, pero lo que más destaca en el cuadro no son las figuras, es la fuerza de los elementos, es el fuego, es sobre todo el agua.

Agua en calma en la laguna, transparente en el paraíso, negra en el infierno. Agua en las nubes de destrucción y vida.

Una curiosidad, Jorge Semprún (1923-2011) siempre quedaba en el Museo del Prado delante de este cuadro para mantener conversaciones en encuentros clandestinos durante los años de la dictadura. Fue tanta su admiración hacia esa tabla que la trama de una de sus novelas “La montaña blanca” estaba centrada en ella “El paso de la laguna Estigia” y en cuyo texto se refiere al azul-Patinir.

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” …que seguía siendo el que solía ser, un azul fijo y loco, inalterable”.

Los que no se fueron

Hay un pueblo bellísimo de la sierra de Francia en Salamanca que está tapizado de retratos de personas. Es Mogarraz.

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Está en el Parque Natural de Las Batuecas y gracias a su aislamiento geográfico ha conservado intacto su encanto de villa medieval a través de los años.

Pero hoy además de por sus características arquitectónicas y paisajisticas es admirado porque en las paredes de sus casas están pintados muchos de sus antiguos habitantes.

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Todo empezó en 2012 con la exposición Retrata 2/388, un proyecto artístico de Florencio Maíllo.

Trescientas ochenta y ocho pinturas sobre chapas metálicas  reutilizadas, con las que antaño sus habitantes protegían las casas de las inclemencias climatológicas; fueron realizadas con la técnica de la encáustica, que consiste en mezclar cera caliente como  aglutinante con los pigmentos cromáticos para así resultar más densa y resistente.

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Florencio usó como referencia cada una de las imágenes que tomó Alejandro Martín en el otoño de 1967 cuando fotografió por encargo, frente a una sábana blanca en la bodega de sus padres, a casi toda la población mayor de edad de Mogarraz  para hacerse el carnet de identidad. El fotógrafo era un aviador del Ejército que años después se convirtió en el primer alcalde de la democracia de la localidad.

La muestra de Florencio Maíllo quiso homenajear a todas aquellas personas que en su mayoría no emigraron de la localidad.

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Cada cuadro de la obra está colocado en donde vivían sus protagonistas cuando fueron fotografiados o en donde residen actualmente. Los que no tenían casa propia o tuvieron que venderla recubren los muros de la iglesia.

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Cuando acabó la exposición el artista regaló los cuadros a los vecinos  pero ninguno de ellos quiso descolgarla de las fachadas de sus casas. Incluso otras personas del pueblo quisieron ser pintadas. Hoy son más de seiscientos retratos los que habitan el pueblo como testigos mudos del presente y del pasado.

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La nostalgia del sol en los terrados,
en el muro color paloma de cemento
—sin embargo tan vívido—y el frío
repentino que casi sobrecoge.
La dulzura, el calor de los labios a solas
en medio de la calle familiar
igual que un gran salón, donde acudieran
multitudes lejanas como seres queridos.
Y sobre todo el vértigo del tiempo,
el gran boquete abriéndose hacia dentro del alma
mientras arriba sobrenadan promesas
que desmayan, lo mismo que si espumas.
Arte Poética (J. Gil de Biedma)

 

La poesía de la pintura. El pastel

En un pasado no muy lejano existió una jerarquía de las técnicas pictóricas. El oleo con su pastosidad y contundencia era más importante que las delicadas e imprecisas acuarelas hechas con agua, y estaba muy por encima de las obras al pastel considerado poco más que puro polvo coloreado.

En la Fundación Mapfre de Barcelona con la exposición “Tocar el color” ahora se reivindica ese tipo de pintura que tuvo su máximo esplendor en el siglo XVIII y que resurgió con fuerza  a finales del XIX  y principios de XX.  

Quizás no fue tan popular porque era una técnica que se usaba para el esbozo al igual que el carboncillo, porque se consideraba un medio más que una expresión. Pero lo cierto es que su fragilidad, su naturalidad es lo que le da al pastel todo su encanto.

En consecuencia con ese efecto sutil y vaporoso fue utilizado por muchas mujeres, entre ellas  la gran Rosalba Carriera (S. XVIII) y  Louise de Hem (S. XX)

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Louise De Hem. “El gato negro” (1902)

Al ser un material tan etéreo también fue usado por los Simbolistas, por artistas  que aspiraban al sueño y a la imaginación. Usaban colores oscuros, creaban neblinas, paisajes solitarios y fantasmagóricos en donde no aparecía el hombre. En donde todo estaba difuminado.

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Jean- Charles Cazin. “Una calle al anochecer” (1886-1887).

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William Degouve de Nuncques. “Interior de bosque” (1894).

 

Otro de sus máximos exponentes es el pintor Odilon Redon, uno de los pastelistas y simbolistas más reputados. Él consagra el pastel, lo convierte en polvo sagrado creando universos espirituales, imágenes que obsesionan y que atrapan.

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Odile Redon. Mujer con Velo (1895)

También hay cuadros de Jean-François Millet, Edgar Degas, Pablo Picasso, Pierre Auguste Renoir, que demuestran como el pastel puede destacar en todos los estilos pictóricos, usar cualquier tema  y trascender al simple retrato.

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Edgar Degas. “Caballos de carreras en un paisaje” (1894)

Vale la pena visitar la exposición de la Fundación Mapfre, que está en Barcelona hasta el 5 de enero de 2020, y dejarse llevar por el ambiente que crean los cuadros, sutil y sugerente. Una delicia. 

Como dijo el periodista Albert Flament en 1899:

“El pastel se ha convertido en la poesía de la pintura, mientras que el color al óleo ha seguido siendo la prosa”.

 

Spondylus. El oro rojo de los Incas

Hubo un tiempo, en otra cultura, que una criatura marina sublimó el ritual humano de la alimentación y se convirtió en el enviado de los dioses, los incas lo llamaban mullu, nosotros lo conocemos como spondylus.

Su color escarlata en el fondo del mar anunciaba la corriente del Niño, era el indicador, el augurio de lo que iba a pasar. Era la palabra de los dioses y además su regalo más preciado, su alimento divino.

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En la cultura Chimú aquella concha roja con apófisis puntiagudas, no era solo un bien material. Era Dios. El tener uno confería  a quien lo poseía un elevado estatus social y espiritual. Cuando los conquistadores descubrieron la importancia que estos moluscos tenían para los incas recogieron muchos del fondo del mar ayudados por sus hombres y sus naves. Se los cambiaron por oro despreciando su significado y pensando que estaban haciendo un gran negocio. Los indígenas tampoco entendieron ese trueque y se rieron de esos hombres que querían cambiar los regalos de sus dioses por simples metales amarillos. Así se fue acabando el oro y el mensaje sagrado de los spondylus.

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Sobre ellos Gaspar Burón y Carme García presentamos la instalación “Spondylus” en un lugar muy especial, en una pescaderia que a su vez es una sala de arte: “La Peixateria Sala de Creació Artística” de Sant Boi.

En ella se pretende recuperar el sentido de ese trueque espiritual. Imágenes, volúmenes y palabras para la gente que va a comprar pescado, que va a cambiar monedas por criaturas del mar, para que cuando absorban su esencia puedan ser pez, alga y spondylus; y así se produzca el gran intercambio. La fusión absoluta con todo lo creado.

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Carme García i Parra.

 

Arte entre peces

Qué mejor manera de acercar el arte al público que situarlo directamente en la vida, entre las cosas cotidianas, entre lo que queremos comprar para hacer la comida.
“La Peixateria. Sala de Creació Artística” es una pescadería y una sala de exposiciones, un lugar en donde se vende pescado y en donde mientras eliges, mientras esperas a que el vendedor limpie las espinas y lo prepare, se pueden admirar obras de arte relacionadas con el mar.
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En ella el vendedor es el guía, el iniciado que presenta los productos para comer y las obras artísticas para ser vistas y sentidas.
Este proyecto innovador funciona desde mayo de 2015 y realiza exposiciones periódicamente.

En noviembre de 2016 recibió el Premio Antoni Serra de Artes Visuales de reconocimiento cultural, otorgado por el Centre D’ Estudis Comarcals del Baix Llobregat.

La Peixateria, Sala de creació artística

El local está situado en la Ciudad Cooperativa de Sant Boi de LLobregat, muy cerca de Barcelona, en un barrio obrero construido para la emigración en la época de expansión en los años sesenta.
En ese vecindario no existen la salas de arte, la gente no está acostumbrada a visitarlas ni a disfrutar en ellas porque otras cosas se imponen en su vida, pero gracias a las exposiciones, allí el arte alimenta, da vida, vive en la calle entre las nubes y los charcos, se puede ver por la ventana.

Por eso es tan importante este concepto de sala de exposiciones que hasta el momento es único en Europa, porque acerca el arte a todo el mundo y lo hace a través de los peces y el mar como lugar de intercambio y de cultura, borrando la frontera entre el Arte y la Naturaleza.

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No hay descripción de la foto disponible.

Allí se multiplican los panes y los peces en una progresión que va más allá de las cifras aritméticas.

La próxima exposición programada tratará del intercambio, de los trueques que hacían los Incas con conchas marinas a las que consideraban lo más valioso de su mundo. De los Spondylus: El oro rojo. Pero esa será otra historia.

 

Una obra de arte en serie. Las cápsulas de tiempo de Andy Warhol

“Un artista es alguien que produce cosas que las personas no necesitan tener”. 

Fue a partir de 1974, Andy Warhol ( 1928- 1987) empezó a guardar todo aquello con lo que no sabía que hacer en cajas de cartón. Lo hacía en su casa, mientras trabajaba, en su escritorio, en su estudio. Guardaba en ellas  todo lo que le sobraba. Las cajas podían contener cualquier cosa: entradas usadas de cine, recortes de uñas de los pies, páginas de periódicos, obras no vendidas, pizzas a medio comer…

En su autobiografía lo explica así:

Deberías tener una caja cada mes, llenarla de cosas y al final del mes cerrarla. Luego, le escribes la fecha y la envías a Jersey. Deberías tratar de hacerle seguimiento, pero si no puedes y la pierdes de vista, está bien, porque será una cosa menos en la que tendrás que pensar y otra carga que le quitarás a tu mente… Yo comencé utilizando camiones, y piezas raras de mobiliario, pero decidí buscar algo mejor; ahora simplemente lanzo todo en cajas marrones de cartón”.

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Así llenó 610 cajas a modo de cápsulas de tiempo, porque cuando las cerraba las enviaba a un almacén para no ser tocadas nunca más. Lo que jamás llegó a saber es que aquella acumulación de objetos sin orden ni concierto se convertiría en una obra de arte en serie en sí misma, y que formaría parte de la colección permanente del Museo Andy Warhol de su ciudad natal de Pittsburgh.

En 1994, siete años después de su muerte, se empezó a catalogar todo el material, ocupó seis volúmenes y se inventariaron más de 10.000 objetos. Una cápsula podía contener a veces hasta unos 200 artículos totalmente heterogéneos: un diario de John Lennon, pelucas de colores, un pie momificado de 2.000 años, un trozo de pastel de cumpleaños de Caroline Kennedy…

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En la exposición del Museo van rotando los contenidos de las cápsulas y en su blog se puede asistir a los momentos de la apertura de algunas de ellas. Un admirador pagó 30.000 dólares para poder abrir una.

Es una muestra que define totalmente a su artista, su manera de pensar, sus miedos, la necesidad compulsiva de la acumulación y su angustia. En el fondo todas las cajas nos hablan de la muerte y de su miedo a desaparecer.

Warhol era un hipocondríaco desde niño. No le gustaban los médicos ni soportaba los hospitales. Por desgracia tuvo que ingresar de urgencia y necesitar un quirófano en 1968 tras ser herido de  bala por una artista amiga Valerie Solanas a la cual había perdido el libreto de una de las obras que le había dejado. Desde entonces retrasó siempre todo lo que pudo la atención médica. Pero en 1987 los terribles dolores que le producían las piedras que tenía en la vesícula le obligaron a volver a pasar por quirófano para extraérsela. La operación fue bien. Él murió al día siguiente de un infarto.

Algunas de las cajas aún siguen cerradas.

“La idea no es vivir para siempre, la idea es crear algo que si lo haga”. A.W.

 

 

Alphonse Mucha. “La belleza, la verdad y el amor”

«Prefiero crear imágenes para la gente a producir arte como un fin en sí mismo».

Alphonse Mucha, (Praga, 1860-1939) .Pintor, escultor, fotógrafo, humanista, filósofo, político, masón…. Fue uno de los principales impulsores del Art Nouveau a finales del siglo XIX.

A. Mucha comenzó su carrera como ilustrador en 1887 tras mudarse a París, allí su vida cambió totalmente al conocer a Sarah Bernnhard y realizar para ella los carteles de la obra Gismonda para el Théâtre de la Renaissance. Gustaron tanto que la gente los arrancaba y se los llevaba a su casa.

Después de eso firmó un contrato de seis años con la artista y se convirtió en el ilustrador de las grandes marcas de la época como  Moët Chandon, Cycles Perfecta, Chocolates Atmeller, etc…Póster Moet & Chandon

Como buen representante del Art Nouveau dibujaba formas ondulantes, flores, aves, jóvenes hermosas, para expresar los sentimientos más íntimos y como necesidad espiritual.

“El maravilloso poema del cuerpo humano (…) y la música de los trazos y los colores que brotan de las flores, hojas y frutos son los maestros más evidentes de nuestros ojos y nuestro gusto”.

Pero él no solo se quedó con eso, buscó en la filosofía y en la masonería una nueva perspectiva en la vida difundiendo las tres virtudes fundamentales en la evolución del ser humano: la belleza, la verdad y el amor.

“El arte es la expresión de los sentimientos más íntimos…una necesidad espiritual”

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Sus composiciones estéticas son excepcionales, pero hay algo que lo hace aún más valioso, es el compromiso político que tuvo con su país, Checoslovaquía.

Entre 1911 y 1926 se encerró en un castillo para realizar su proyecto más ambicioso: la “Epopeya eslava”, veinte cuadros monumentales en los que fue mostrando la historia y el espíritu de su pueblo. En 1928 los donó al Ayuntamiento de Praga con motivo del décimo aniversario de la independencia de Checoslovaquia. También diseñó sellos, postales, billetes de banco y muchos documentos gubernamentales para la nueva nación.

Sus contemporáneos no lo entendieron, era la época del cubismo y ya apuntaba el surrealismo en la pintura. ¿Qué hacía ese viejo pintando cuadros monumentales e históricos? A. Mucha estaba reafirmando su identidad como checo y el amor por sus raíces y su familia.

Cuando los tanques alemanes entraron en Praga en marzo de 1939 la Gestapo lo apresó y lo torturó. Murió cuatro meses después el 14 de julio de 1939, a los 79 años, de una pulmonía, muy poco antes de que empezara la Segunda Guerra Mundial. Su última pintura fue “El juramento de unión de los eslavos”.

 

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¿Quién dijo que su pintura era frívola, estética, que trabajaba para la publicidad?

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Asomarse al pasado. Ver a Monet, Renoir y Degas

El cine no es solo una linterna mágica, a veces es una ventana abierta al pasado que nos permite ver y vivir sucesos acaecidos hace muchos años, estar allí.

Como ver pintar a Claude Monet su jardín de Giverny en 1915

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A Renoir pintando en el estudio de su casa en 1919.

Detrás de él, casi pasa desapercibida  una de sus obras “Promenade”, quizás en ese momento aún inacabada.

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Y a Degas. Verle tan solo unos instantes en la única grabación que se conserva de la  imagen del artista.

Es pasear con él, ver lo que él vio.

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“El cine te hace estar en lugares imposibles.” Alex de la Iglesia.

 

 

 

Remedios Varo. La mujer que alimentó a la luna

A sus pies, pero dentro de él, un gato ajeno a todo acompaña al vagabundo en la peregrinación por la vida en un bosque especular. Todo está abierto, pero todo se puede cerrar. (“El vagabundo”, 1957).

Mística, esotérica, maga, científica, colaboradora en la investigación de la malaria. La pintora surrealista de la generación del 27 Remedios Varo nació en Anglès, Girona en 1908 y murió en México DF en 1963.  Fue una de las primeras mujeres que estudió en la Académica de Bellas Artes de San Fernando. Coincidió en la Residencia de estudiantes con Dalí, Buñuel, Lorca y Maruja Mallo con la cual formó el grupo artístico “Las sin sombrero”.

Ante todo era una mujer libre, de imaginación y capacidades prodigiosas.  Estaba enferma del corazón , pero eso no le impidió tener una vida plena de emociones y de retos.

Remedios Varo

En 1932 se trasladó a Barcelona colaborando en la formación del círculo surrealista catalán “Logicofobista”. En 1937, tras dejar a su marido, Gerardo Lizárraga, se fue a París con el poeta Benjamin Péret en donde formaron parte del círculo de amistades de André Breton, Max Ernst, Joan Miró y Leonora Carrington. En 1947 huye a México por la llegada de los nazis a la capital francesa. Allí obtiene la nacionalidad mexicana y conoce a Frida Kahlo y Diego Rivera, colabora con Marc Chagall haciendo los decorados para el ballet Aleko en el teatro Bellas Artes del D.F. de México. Nunca vuelve a España.

Remedios Varo es una pintora influida por El Bosco, El Greco, Goya, E.A. Poe y Julio Verne, entre otros. Su obra evoca un mundo nacido de los sueños en donde se mezcla la ciencia, el psicoanálisis, la astrología y su propia biografía.

Algunos de mis personajes poseen mis propios rasgos: caras en forma de corazón, la nariz larga y afilada, densas matas de pelo“.

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Pintaba con un pincel de tres ceros, tan fino como un cabello, así creaba sus universos alquímicos, sus espacios medievales, transformando las imágenes en historias con múltiples significados.

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El flautista (1955)

Dónde la música es capaz de levantar las piedras (rúnicas) para la formación de la torre del conocimiento, cada vez más alta y más afilada.

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Exploración en las fuentes del río Orinoco (1959)

Viaje iniciático en donde la protagonista avanza hacía el cáliz del que mana el agua movida por sus propios hilos.

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“El sastre de mujeres” (1957)

Mujeres con sombras duplicadas, elevadas, fantasmagóricas, mujeres crisálida.

Sobre alguna de mis obras se han escrito 32 ensayos, acerca de su origen y naturaleza. Todos están equivocados”.

Entre sus obras más destacadas está el tríptico formado por: “Bordando el Manto del Mundo”, “Hacia la torre ” y “La Huída” (1960-1961).

 

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Hacia la torre

Según su amiga Juliana González, la colmena del cuadro hace referencia a su infancia en una Catalunya “creada por almas entusiastas que trabajan duramente para prolongar las tradiciones“. También plasma la estancia en el colegio, para ella muy frustrante.

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“Bordando el manto terrestre”.

La mujer crea el mundo con sus manos. Remedios escribió: “Unas colegialas bordan, mientras una de ellas -la “rebelde”, una alegoría de mi misma-  teje el manto con el que se escapará con su amante“. Hay una cita en la pintura casi invisible que está invertida y oculta en  los pliegues que salen de la mesa de  la rebelde heroína “ha tejido una trampa en la que se le ve con su bienamado“.

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“La Huida”

Un viaje en el que ella no lleva los hilos, tiene en la mano algo que parece un paraguas invertido que sirve para dirigir la barca a modo de timón. Las montañas son amenazantes, pero todo no está perdido.

1955, México DF. Rosita Validay de la Galería Diana le invita a participar en una colectiva con Leonora Carrington, Elvira Gascón y Solange Defor.

Remedios Varo, nerviosa antes de la inauguración dice:

-¿Qué precio pongo a los cuadros?
Rosita:
-Qué más da, ¿crees que vas a vender alguno? Olvídate… ponlos carísimos.

Lo vendió todo. Al año siguiente realizó su primera exposición individual que fue un éxito llegándose a crear listas de espera para adquirir su obra.

 

Remedios Varo falleció el ocho de octubre de 1963 en la Ciudad de México de un infarto de miocardio. Tenía 56 años. En su estudio se encontraba la última obra que pintó: “Naturaleza muerta resucitando”, y el boceto del que sería su siguiente cuadro, “Música del bosque”.

A su muerte, André Breton escribió: “El surrealismo reclama toda la obra de una hechicera que se fue demasiado pronto”.

Octavio Paz dijo de ella: “Esta mujer pinta lentamente rápidas apariciones“.

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Papilla Estelar (1958)

Una mujer y la luna, las dos parecen cansadas, las dos están confinadas, una en una jaula, la otra en una torre que llega al cielo, la mujer quizás por voluntad propia, si quiere puede salir; la luna, no. Con la mano izquierda ella va condensando el universo, va transformando el polvo de estrellas en papilla. La mujer alimenta a la luna.   

Rosas. Rachel Ruysch y Vicente Huidobro

Rachel Ruysch (La Haya, 1664-Ámsterdam 1750) fue una pintora especializada en bodegones de flores. Empezó su carrera artística ayudando a su padre Frederick Ruysch, famoso anatomista y coleccionista de objetos singulares, a preparar los objetos en un “liquor balsámico” con flores y encajes, algo muy del gusto de aquel tiempo. Fue, incluida en el gremio de pintores de San Lucas y trabajó para la corte en Düselfdorf siendo considerada una de las pintoras más renombradas de su época. Tuvo diez hijos y continuó trabajando hasta los ochenta y tres años.

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Vicente Huidobro (Santiago, Chile,1893-Cartagena, Chile,1948) fue un poeta chileno fundador del Creacionismo, que conoció a Picasso, Juan Gris, Max Jacob, Joan Miró, y que colaboró con Apollinaire, Breton, entre otras figuras del momento.

El Creacionismo predicaba que los artistas no debían imitar la naturaleza sino que tenían que competir con ella creando un nuevo lenguaje vitalista que generara belleza y sugiriera imágenes.

En uno de los poemas más bellos de Huidobro se refleja sus principios Creacionistas, habla de una rosa:
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Que el verso sea como una llave
que abra mil puertas.
Una hoja cae; algo pasa volando;
cuanto miren los ojos creado sea,
y el alma del oyente quede temblando.

Inventa mundos nuevos y cuida tu palabra;
el adjetivo, cuando no da vida, mata.

Estamos en el ciclo de los nervios.
El músculo cuelga,
como recuerdo, en los museos;
mas no por eso tenemos menos fuerza:
el vigor verdadero
reside en la cabeza.

Por qué cantáis la rosa, ¡oh poetas!
hacedla florecer en el poema.

Sólo para nosotros
viven todas las cosas bajo el sol.

El poeta es un pequeño Dios.