Pintura

Odilon Redon. El simbolismo fantástico

Odilon Redon (Burdeos 1840- París 1916) fue un pintor simbolista al que se le considera uno de los precursores del surrealismo.

En su obra lo corriente se convierte en excepcional y místico. Los mitos paganos conviven con el materialismo científico y los animales imaginarios se pasean entre piezas de maquinaria.

Redón hace el retrato del inconsciente, el dibujo de las imágenes de los sueños.

Sus personajes parecen tranquilos, pero intranquilizan. Esconden una historia, muchos sonríen, saben que guardan un secreto que nunca revelaran al que los observa.

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Hasta 1890 su pintura fue casi exclusivamente en blanco y negro, estuvo muy influido por Goya (que murió en Burdeos, su ciudad natal). A él le dedica varias de sus litografías inspiradas en las series de Los caprichos, Los desastres de la guerra y las pinturas negras.

 

 

 

 

Poco a poco, ya en la cincuentena, va llegando al color realizando acuarelas y óleos. Era un gran admirador de Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire y de Charles Darwin, de quienes ilustró varias publicaciones.

Su obra se mantuvo casi en el anonimato hasta que se publicó una novela de culto en 1884, “À rebours”,de Joris-Karl Huysmans, en la que aparece un aristócrata decadente que colecciona dibujos de Redon.

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“Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible”.

“Mis dibujos inspiran, no se definen. No determinan nada. Ellos los colocan en el ambiguo mundo de la indeterminación. Se trata de una especie de metáfora”.

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“¿Lo que distingue al artista del aficionado? Sólo el dolor que siente el artista. El aficionado busca sólo placer en el arte.”

 

Odilon Redón murió en París el 6 de julio de 1916.

 

 

 

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William Morris. Arts & Crafts

“Si me preguntasen cuál es la producción más importante del arte contestaría que una casa hermosa, y si me preguntasen la segunda en importancia diría que un libro hermoso”.

 

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La casa roja, en donde todo estaba diseñado por él.

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Uno de sus libros: “News from nowhere”

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William Morris

William Morris (Walthamstow,1834- Londres, 1896) fue arquitecto, diseñador, artesano, empresario, poeta, ensayista y activista político. Aunque perteneció a la época victoriana, marcada por el romanticismo y el despertar del desarrollo industrial, fue un hombre de espíritu renacentista.

Nació en una familia acomodada, pero pronto puso en entredicho su situación privilegiada y se dedicó a cambiar el mundo sublevándose contra lo establecido.

“No quiero arte para unos pocos de la misma manera que no quiero educación para unos pocos o libertad para unos pocos”.

Empezó por lo más simple. Un día al ver las casas en donde vivían los trabajadores se propuso cambiar su calidad de vida intentando impregnar todo lo que les rodeaba de belleza y comodidad. Así nació el movimiento Arts & Crafts  que también incluía el respeto por el medio ambiente y la conciencia política.

“No tengas nada en tu casa que no sepas que es útil o que no consideres bello”

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Diseñó muebles, joyas, vajillas, libros, tapices, azulejos, papeles pintados inspirados en la naturaleza (muchos de sus diseños aún se pueden ver en las paredes de las casas modernas) 

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“El verdadero secreto de la felicidad reside en sentir un interés genuino por los pequeños detalles de la vida cotidiana” 

La influencia de su obra se extendió por toda Europa: Gran Bretaña (Margaret Mcdonal), Alemania y Austria (Hoffmann, G. Klimt) Cataluña (Puig i Cadafalch, Lluis Masriera) y también a Los Estados Unidos (Frank Lloyd Wright)

He podido admirar más de trescientos de sus diseños en el MNAC de Barcelona. Nada más entrar en la exposición me sentí bien, todo es armónico, delicado, todo está creado para complacer. Me transportó a la Edad Media, al Renacimiento, al Modernismo, a la naturaleza, y también a mi infancia, porque el papel pintado del comedor de casa se parecía mucho a uno de sus diseños.

“El pasado no está muerto, vive en nosotros, y estará vivo en el futuro que estamos ayudando a hacer.” 

Una maravilla. Estará en el MNAC de Barcelona hasta el 21 de mayo de 2018.

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…Y ocúltame entre las tumbas

Podría volver a hablar de Dante Rossetti esta vez no como pintor prerrafaelista sino como poeta, pero lo haré de su mujer Elizabeth Siddal, que fue poetisa y una de sus modelos. Es una historia que sobrepasa en mucho el halo romántico de su generación.

 

Rossetti era famoso por mantener continuos idilios con sus modelos  para las que también componía poesía, aunque en el fondo solo amaba a Elizabeth, pero en 1858 conoció a Fanny Conforth y mantuvo con ella una apasionada relación abierta que se prolongó en el tiempo. Elizabeth no se lo perdonó, para convencerla de su amor se casó con ella en 1860, pero Elizabeth era una mujer sensible y depresiva a la que atormentaban los celos y la vida entre los dos fue un infierno. Al año siguiente se quedó embarazada y la cosa mejoró, pero la niña nació muerta y ella no pudo soportarlo.

Rossetti volvió a refugiarse en los brazos de Fanny y un día al llegar a casa se encontró a Elisabeth muerta en la cama junto a un frasco de láudano.

Destrozado por la culpa enterró junto a su esposa todas sus poesías, las cuales solo habían sido leídas por muy pocos amigos. Pasó mucho tiempo, ocho años, las heridas se fueron cerrando y aquellos mismos amigos le convencieron para que rescatara el manuscrito del ataúd de ella.

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Boceto del rostro de Elisabteh Siddal para Ofelia de J. E. Millais

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Fragmento de Ofelia de John Everett Millais

Así se hizo. El libro fue exhumado (se dice que en secreto) del sepulcro de Elisabeth naciendo lo que sería, junto a otras poesías, “El libro de la vida”.

…Sin embargo, junto a la inminente Sombra de la Muerte
Se alza un Poder, que se agita en el ave o fluye en la corriente,
Dulce al deslizarse, encantador al volar.
Dime, mi amor. ¿Qué ángel, cuyo Señor es el Amor,
Agitando la mano en la puerta,
O en el umbral donde yacen las trémulas alas,
Posee la esencia flamígera que tienes tú?

Este es un fragmento de “Desde la muerte al amor” de Rossetti. Es un ejemplo exquisito de la combinación entre el romanticismo y el prerrafaelismo, pero lo que a mi me ha cautivado es la poesía de Elizabeth.

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Elisabeth Siddal por Rossetti

 

He aquí dos poemas suyos. Uno escrito durante el embarazo y en el que aconseja a su hija sobre el amor

Amor muerto. Dead Love, Elizabeth Siddal (1829-1862)

Nunca llores por un amor muerto,
Ya que rara vez el amor es verdadero.
Él cambia sus ropas del rojo al azul,
Y del más brillante azul al rojo,
El amor ha nacido a una muerte prematura,
Y rara vez es sincero.

Entonces no ancles tu sonrisa
En su pálido rostro descarnado,
Para exhalar el más profundo de los suspiros.
Las palabras justas en labios sinceros
Pasarán, y sin dudas morirán;
Y tu estarás sola, mi querida,
Cuando se desaten los vientos invernales.

Nunca lamentes aquello que no puede ser,
Pues este Dios no regala dones.
Si el simple sueño del amor fuese cierto,
Entonces, dulzura, estaríamos en el Cielo,
Pero aquí sólo hay tierra, mi querida,
Donde el verdadero amor rara vez crece.

 

Y otro escrito durante sus últimos días.

Al final.
At last, Elizabeth Siddal (1829-1862)

Oh, Madre, abre la amplia ventana
Y deja que entre el día;
Oscuras se tornan las colinas
Y los pensamientos comienzan a nadar.

Madre querida, toma mi joven hijo,
(Ya que de tí he nacido)
Y cuida todos sus pequeños caminos
Hazlo sabio sobre tu falda.

Lava mis manos luctuosas
Y luego ata mis pies;
Mi cuerpo ya no puede descansar
Fuera de su sábana tortuosa.

Toma el brote de un árbol joven
Y verde hierba recién segada,
Déjalos sobre ésta lóbrega cama
Para que mi dolor no se sepa.

Encuentra tres bayas rojas
Y arráncalas del tallo,
Quémalos al canto del gallo
Para que mi alma no regrese.

Cuando caigan las gruesas lágrimas,
(Y caerán, Dios lo sabe)
Díle que que morí de un gran amor
Y que mi corazón ha muerto alegre.

Cuando el sol se haya puesto
Y la hierba ondule en tu regazo,
Arrástrame en el frágil ocaso
Y ocúltame entre las tumbas.

 

Impresionante. Por lo hermoso y por lo profético.

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BOCA BESADA

Esa mujer de ojos verdes, melena cobriza y labios sensuales es Fanny Cornforth, la modelo que hizo cambiar la forma de pintar de Dante Gabriel Rossetti (1828-1882)  fundador en Londres en 1848, junto con John Everett Millais y William Holman la Hermandad Prerrafaelista que defendía la pintura no académica y que se inspiraba en los autores anteriores a Rafael.

Fanny fue su musa y amante durante más de veinte años llevando con él una relación libre y aceptando relaciones con terceros. Cuando se conocieron en 1858, ella era una chica humilde y sin educación, que se ganaba la vida como prostituta. El artista quedó hechizado por la belleza y la historia de la muchacha y sustituyó su ideal estético femenino que era representado por mujeres frágiles, espirituales y delicadas como Lizzie Siddal, poeta y modelo (con la que finalmente se casaría en 1860) por un tipo de belleza sensual, turbulento pero a la vez cándido.

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Rossetti pintó “Bocca Baciata” (Boca besada), también llamada “La canción de la alcoba”en 1859. El cuadro está inspirado en un cuento del Decamerón en donde se narra la vida de una princesa sarracena llamada Alatiel, que después de haberse pasado varios años perdida por el mundo, siendo la amante de ocho hombres diferentes (y disfrutando de ellos), se presenta ante su prometido, el rey del Algarve, como una doncella pura y virginal. Así es como la veía Rossetti.

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La representa enjoyada resaltando sus labios ( que son el puntum del cuadro) y con una manzana en primer plano que simboliza la tentación. Lleva una rosa blanca prendida del pelo para destacar su inocencia y está rodeada de caléndulas que son el símbolo del dolor y los celos.

Este cuadro marca el inicio de una nueva etapa de Rossetti en la que pintaría figuras femeninas de medio cuerpo o tres cuartos muy idealizadas y que se inspiraba en la pintura veneciana del S. XVI.  Dante Gabriel Rossetti también fue poeta, pero esa es otra historia que merece la pena ser contada otro día.

He aquí algunos de sus cuadros con los nombres de las mujeres que los inspiraron entre ellos Fanny:

En la parte trasera del cuadro “Boca besada” el pintor añadió un texto sacado del Decamerón de Boccaccio: 

“La boca besada no pierde su frescura sino que se renueva como hace la luna”.

 
 
 
 

Perséfone y el mito de la primavera

En el principio cuando diosas y dioses habitaban el mundo Démeter era la encargada de proteger a la tierra y de hacer que germinaran frutos y cereales en ella.                           

Su vida transcurría feliz junto a Zeus, su esposo, y su hija Perséfone a la que le encantaba recoger flores en los bosques junto a las ninfas.

Pero una mañana el dios Hades, que era hermano de Zeus y el rey del inframundo, subió a la tierra y vio a la doncella. No pudo resistirse a su belleza y a su alegría, la subió a su carro, abrió de nuevo la tierra y se la llevó con él al reino de los muertos para hacerla su esposa y su diosa. Aquel día el mundo cambió.

 

Démeter la buscó sin descanso desatendiendo sus obligaciones, el cielo se tornó plomizo, cayeron las hojas de los árboles, dejaron de brotar flores y frutos, se secaron las cosechas  y los ríos se helaron.

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Zeus al ver la desesperación de su esposa y en lo que se había convertido el mundo, fue a hablar con su hermano  para que liberara a su hija. Pero Hades no quería hacerlo porque la amaba con locura, además Perséfone había comido seis granos de granada en el inframundo y nunca vuelve nadie a la vida cuando ha osado comer junto a los muertos.

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Fue tanta la tristeza y la desesperación de la muchacha que Hades conmovido propuso un trato. Perséfone podría retornar al mundo de los vivos, pero volvería al Averno seis meses al año, uno por cada grano de granada que había comido.

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Démeter se alegró tanto al ver a su hija que hizo reverdecer los campos, brotar las flores y crecer el trigo para que comieran los pájaros. 

Así nació la primavera.

 

George Redhawk. El artista ciego

Nacido en California (EE.UU), George Redhawk es un artista digital especializado en animación gráfica multimedia (motion graphics) y en efectos especiales para transformación de las imágenes (morphing). Su obra se centra en la creación de gifs a partir de fotografías de otros artistas consiguiendo mutaciones entre imagen y movimiento.

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George Redhawk antes daba clases en la facultad de medicina sobre flebotomía y tecnología con rayos X. Un día empezó a manifestar cambios en su visión y fue diagnosticado de hemeralopía, perdida de visión periférica y Síndrome de Charles Bonnet. Como el pronóstico era muy malo y la ceguera progresaba rápidamente se dedicó a buscar en internet información sobre su enfermedad y sus posibilidades. Eso le llevó a descubrir softwares diseñados especialmente para personas con discapacidad visual. De este modo se inició en el mundo de la manipulación fotográfica digital y descubrió la belleza del arte y su expresividad.  Su colección de obras se recoge bajo el título The World Through My Eyes (El mundo a través de mis ojos).

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Él lo explica así:

“El objetivo de mi arte es desafiar la percepción del sentido de la vista. Aunque tenga los ojos dañados y sea un reto constante para mí, mis obras son una forma de mostrar el mundo a través de mis ojos sin ver necesariamente”.

 

 

“Mi arte es único en muchos niveles diferentes. Es una técnica que desarrollé usando un software que no fue diseñado para hacer esto. Es una expresión de mi ceguera y de las emociones, retos y alucinaciones visuales que experimento cada día. El síndrome de Charles Bonnet es algo de lo que muchos en la comunidad ciega o con defectos visuales raramente hablan. Mi mente trata de compensar los datos defectuosos enviados desde mi visión dañada llenando los espacios en blanco con información falsa, lo que resulta en una versión siempre cambiante, transitiva y transformadora de la «visión» mientras trato de discernir lo que estoy viendo. Es esta experiencia la que proyecto en mi estilo de arte particular”.

 

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Hoy en día Redhawk ha perdido el 90% de visión, pero continua creando gracias a la tecnología.

Desnudo con gato. Anna Ajmátova y Modigliani

“Su sola mirada te cortaba el aliento. Alta, de pelo oscuro, morena, esbelta y ágil, con los ojos verdosos de un tigre polar, durante medio siglo la han dibujado, pintado, esculpido y fotografiado un sin número de artistas, entre ellos Modigliani. Los versos dedicados a ella formarían más volúmenes que su obra entera.”  (Joseph Brodsky)

La poetisa Ana Ajmatova conoció a Amadeo Modigliani en la primavera de 1910  cuando llegó con su marido, el poeta acmeísta Nikolai Gumiliov a Paris en su luna de miel.  Se vieron varias veces y después de su regreso a Rusia no dejaron de cartearse  “Usted se quedó en mí como una obsesión…” le escribía Modigliani.

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Un año después Anna volvió sola a Paris para reunirse con él y allí vivieron una pasión intensamente breve. Él tenía 26 años y empezaba a ser conocido, ella tenía 21 y ya escribía poesía. Durante esos meses en París visitaron varias veces el Museo del Louvre. Modigliani soñaba con Egipto, con sus antigüedades y su arte de lineas esquemáticas y puras. Hizo dieciséis dibujos de Anna. De los cuales, hasta el momento, solo se han encontrado cinco.

Cuando Anna volvió a Rusia él ya no le volvió a escribir: “Hoy no me ha llegado ni una carta: él ha olvidado escribirme, o tal vez se ha ido/ […]/ Hace poco él estaba conmigo/ tan enamorado, amoroso y mío:/ fue durante el invierno límpido/ y ahora la primavera está repleta de tristeza…/ Hace poco él estaba conmigo…”

Anna conservó durante toda su vida uno de los dibujos, el más recatado, que incluyó en su libro “La carrera del tiempo” de 1965, y que ahora está en la exposición permanente del Museo de Ajmátova en San Petersburgo. 

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Ella decía que los demás dibujos se habían perdido durante la revolución y la guerra civil en Rusia. Incluso le llegó a decir a Joseph Brodsky que los soldados habían liado sus cigarrillos con ellos. 

Pero en octubre de 2008 a dos investigadores de arte: Jorge Bustamante e Irina Ostroúmova les llama la atención un dibujo de Modigliani al carboncillo y lápiz que descubren en el Museo Soumaya de ciudad de México llamado simplemente “Desnudo con gato” 

 

 

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Las lineas son simples, los trazos largos y firmes. Una mujer desnuda de nariz aguileña y cuello de cisne posa de perfil junto a un gato, como una deidad egipcia. Es Anna Ajmátova.

 

En la oscura neblina de París,
Quizás otra vez Modigliani
Camine imperceptible tras de mí.
Su triste naturaleza
Incluso en el sueño me inquieta
De ser culpable de muchas desdichas.
Pero para mí –su mujer egipcia– él es
La música que toca el viejo en el organillo.
Todo el rumor de París se esconde bajo esa música,
Como el rumor de un mar subterráneo
Que ha bebido del dolor
El mal y la vergüenza.

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(Variante de un borrador de “Poema sin héroe” (1940-1965))

Liu Bolin. El hombre invisible

Liu Bolin (Shandong 1973) es un artista, escultor y fotógrafo chino. Se le conoce como “El hombre invisible” por su serie fotográfica “Escondido en la ciudad” en ella se mimetiza con escenarios urbanos, con obras arquitectónicas, con paisajes. Se convierte en escalera, en una calle de Venecia, en el toro de la Bolsa de Nueva York, en un tractor…

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Todo empezó en 2005. Las autoridades chinas demolieron el pueblo artístico en donde él trabajaba: Suo Jia Cun que era considerado la mayor congregación de artistas en Asia. El estudio de Liu fue destruido y él decidió utilizar su arte como protesta silenciosa por la falta de protección del gobierno chino hacia sus artistas. Usó su propio cuerpo pintando sobre él durante horas para desaparecer en un mundo que muchas veces es hostil.

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“Después de graduarme de la maestría… me sentía como un extra innecesario en el mundo. En ese momento comenzaron a demoler la zona donde estaba mi estudio y quería expresarme con la única forma que lo sabía hacer: con el arte. Mi primera obra fue una protesta”.

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Bajo su capa de hombre invisible nos recuerda que para el sistema las personas no somos importantes.

¿Quién no se ha sentido alguna vez así?

 

El diccionario abreviado del surrealismo. André Breton y Paul Eluard

Este diccionario fue publicado por primera vez en 1938 con ocasión de la Exposición Internacional del Surrealismo. En él los poetas André Breton y Paul Éluard reunieron las definiciones de escritores y artistas a cerca de palabras y de términos  próximos al surrealismo.
 
Breton, Eluard, Louis Aragón, Salvador Dalí, Man Ray, Max Ernst, Péret, Lautréamont, Rimbaud, Duchamp, Picasso, entre otros, participaron aportando ideas geniales llenas de humor e imaginación.
 
 
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Estas son algunas de las definiciones:
 

AMOR. “El amor recíproco, el único que aquí podría interesarnos, es aquel que pone en juego la falta de costumbre en la práctica, la imaginación en la vulgaridad, la percepción del objeto interior en el objeto exterior” (André Breton y Paul Eluard). “El amor ya no pretende estar más allá del bien y del mal, sino que sencillamente, el amor hace de todo mal un bien y por lo menos un más” (René Crevel).

ANGUSTIA. Lámpara que humea con ruidos de espada.

AVIÓN. “El avion es un símbolo sexual, que sirve para ir rápidamente de Berlín a Viena” (atribuido a Freud)

AZAR. “El azar sería la forma de manifestación de la necesidad exterior que se abre un camino en el inconsciente humano” (André Breton)

COCIENTE. “Se puede expresar el paso esencial del surrealismo diciendo que consiste en calcular el cociente del incosnciente por el consciente” (Pierre Naville)

ENCUENTRO. “¿Cuál fue el encuentro fundamental de su vida? ¿Hasta qué punto ese encuentro le dio, le da la impresión de lo fortuito, de lo necesario? (Encuesta surrealista enMinotaure, 1933).

 

EROTISMO. Ceremonia fastuosa celebrada en un subterráneo.

FAMILIA. “Soy el abuelo, el padre, el suegro, el hermano, el cuñado, el yerno, la nuera, el primo, el padrino y el cura del papa actual” (André Breton y Paul Eluard).

FANTASMA. “Simulacro del volumen. Estabilidad obesa. Inmovilidad o movilidad sospechosa. Contornos afectivos. Perímeto metafísico. Hundimiento exhibicionista. Silueta fenomenal. Angustia arquitectónica. Ejemplos de fantasmas: Freud, de Chirico, Greta Garbo, la Gioconda, etc. (Salvador Dalí).

 

HABLAR. “Hablar por hablar es la fórmula de liberación” (Novalis).

HIMEN. “Humano”. (Michel Leiris).

LOCURA. “Corazón dedicado a la piedad, a las paredes de madera muerta”. “Locos en olor de pensamiento” (Paul Eluard)

MADRE. “Mi madre es un trompo del cual mi padre es la cuerda” (André Breton y Paul Eluard).

NERVIOS. “Viva la gente que tiene los nervios gruesos como cables” (Lichtenberg).

NEURASTENIA. “Una palabra que no tiene verguenza, una sombra de casis entre dos ojos semejantes” (Paul Eluard).

 

PARANOIA. “Delirio de interpretación que trae consigo una estructura sistemática. //Actividad paranoico-crítica: método espontáneo de conocimiento irracional basado en la observación crítica y sistemática de las asociaciones e interpretaciones delirantes” (Salvador Dalí).
 
PATAFÍSICA. “La patafísica es la ciencia de las soluciones imaginarias, que concede simbólicamente a los lineamientos de las propiedades de los objetos descritos por su virtualidad” (Jarry).
 
PERCEPCIÓN. “Se puede afirmar la presencia o la percepción de un objeto cuando está presente y percibido, cuando está ausente y percibido, cuando no está presente ni percibido” (Pierre Quercy).

 

PROYECTO. “Por encima del sujeto, más allá del objeto inmediato, la ciencia moderna se funda en el proyecto. En el pensamiento científico, la meditación del objeto por el sujeto toma siempre la forma del proyecto”. (Gaston Bachelard)

REPRESENTACIÓN. “Las representaciones convencionales de las fuentes geométricas de la naturaleza sólo son seductoras en función de su poder de oscurecimiento”. (André Breton y Paul Eluard)

 

SABER. “Yo todo lo sabía, tanto he procurado leer entre arroyos de lágrimas” (Nadja).

 
SUEÑO. “Los hombres cuando sueñan trabajan y colaboran en los acontecimientos del universo” (Heráclito).
 
TÚ. “Donde no existe el tú; no hay mí, y la distinción entre el mí y el tú, el fundamento de toda personalidad y de toda consciencia, sólo se realiza de manera viviente en la diferencia entre el hombre y la mujer. El tú entre la mujer y el hombre tiene un sonido completamente diferente que el monótono tú entre amigos” (Feuerbach).

 

UNO. “El Uno se manifiesta tres” (Jarry).

 

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La chanson de l’amour, Giorgio de Chirico (1914)
 
André Breton (Tinchebray, 1896-París, 1966) fue el fundador del movimiento surrealista en cuya génesis tuvo una influencia decisiva el psicoanálisis. Freud no compartía totalmente esa teoría. En diciembre de 1932 escribió a Breton una carta que acababa así:
 
“Y ahora una confesión, ¡que debe usted acoger con tolerancia! A pesar de que recibo tantas pruebas del interés que usted y sus amigos tienen por mis investigaciones, yo mismo no soy capaz de aclararme qué es y qué quiere el surrealismo. Quizás no estoy hecho para ello, yo que estoy tan alejado del arte.”
 
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André Breton quería borrar las fronteras entre el arte y la vida.
 
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Malas compañías. El tahúr con el as de diamantes de George de La Tour

El joven ya tiene quince años. No es la primera vez que asiste a algo así. Le han invitado a una cena galante. La estancia es muy sencilla, seguramente un burdel. La dama es hermosa, de rasgos finos y palidez lunar. Lleva un provocador vestido de terciopelo y aderezos de perlas, el símbolo de los placeres que están por llegar.

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Él está seguro de su posición y de su encanto. Antes de cenar, casualmente, ha aparecido un conocido de la dama y ha propuesto jugar una partida. El muchacho ha aceptado, por supuesto, cualquiera que se precie sabe jugar, aunque las cartas sean consideradas un invento del diablo, por eso, y por precaución, los soldados se desprenden de ellas antes de entrar en batalla. No puede pasarle nada, tiene dinero, muchos doblones de oro de a dos y de a cuatro.

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En su atuendo lleva todos los lazos atados, a diferencia del tahúr que para demostrar que está más relajado los lleva sueltos. El chico se fija bien en las cartas mientras una criada, también bien vestida aunque con joyas más vulgares y seguro que falsas por su tamaño exagerado, le vuelve a servir vino. Es el momento.el juego

La meretriz le hace un gesto al tahúr y él cambia uno de los naipes por el As que esconde en el cinturón.

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La noche no acabará bien para el joven noble. Perderá el dinero sin conseguir a la dama. Porque ya se sabe que a nada bueno llevan las malas compañías.

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“El tahúr del As de diamantes” está fechado entre los años 1620 y 1640 y se encuentra actualmente en el Museo del Louvre. De él se conoce otra versión seguramente anterior “Tahúr con as de tréboles” de la que se diferencia en muy pocos detalles, uno de ellos es el palo  de las cartas con las que están jugando.

George La Tour (1593-1652) fue un pintor extraño, tuvo mucho éxito en vida, pero después de muerto cayó en el olvido. A principios del siglo XX fue redescubierto por un grupo de investigadores que lo encumbraron al considerarlo como uno de los pintores más importantes del siglo XVII en Francia gracias al dominio de la luz que situaba siempre en un punto de la escena, y a los ambientes intimistas que conseguían sus composiciones. Solo se conservan cuarenta de sus cuadros.