Pintura

“Yo trabajo como un hortelano”. El testamento creativo de Joan Miró

En 1958 el crítico de Arte Yvon Taillandier se reunió con Joan Miró para hablar de su obra. De esa conversación surgió el libro ( de apenas cincuenta hojas) “Yo trabajo como un hortelano” que recoge su filosofía creativa y su testamento vital.

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En 1964 se publicó una edición en castellano de solo 600 ejemplares de los cuales los 45 primeros contenían una litografía original firmada por el autor. Esta obra, por ser tan limitada, había estado agotada hasta ahora. En diciembre de 2018 la Editorial Gustavo Gili la volvió a editar en un formato más sencillo acercándola de nuevo a los lectores.   

Empieza así:

“Soy de un natural trágico y taciturno. En mi juventud, pasé períodos de profunda tristeza. Ahora soy bastante equilibrado, pero todo me disgusta: la vida me parece absurda”.

Habla de cómo se inspira para crear:

…”Lo voluntario en mí es la tensión de espíritu”…La atmósfera propicia a esta tensión la hallo en la poesía, la música, la arquitectura…en mis paseos cotidianos, en ciertos ruidos…

“Las cosas inmóviles me resultan grandiosas, mucho más grandiosas que lo que se mueve. Lo que busco, en efecto, es un movimiento inmóvil, algo que sea el equivalente de lo que se llama la elocuencia del silencio, o lo que San Juan de la Cruz designaba con las palabras, creo, de música muda”.

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De donde le vienen las ideas:

“Llego a un mundo partiendo de una cosa que se pretende muerta. Y como le pongo título aún resulta más viva”.

“De todas maneras, necesito un punto de partida, aunque fuese tan solo un grano de polvo o un resplandor luminoso. Esta forma procrea una serie de cosas, pues una da nacimiento a otra”.

“Las cosas más simples me dan ideas. Un plato en el que un campesino come su sopa”.

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Habla de la vida de los objetos:

“Para mi un objeto es algo vivo. Este cigarrillo, esta caja de cerillas contienen una vida secreta mucho más intensa que ciertos seres humanos”.

“Así un trocito de hilo puede desencadenar un mundo. Llego a un mundo partiendo de una cosa que se pretende muerta”.

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De la importancia del título:

“Hallo los títulos de mis obras a medida que trabajo, encadenando una cosa a otra en la tela. Cuando he encontrado el título, vivo en su atmósfera. Para mí, el título resulta entonces una realidad cien por cien; como les sucede a otros con el modelo, una mujer echada, por ejemplo. El título es, para mí, una realidad exacta”. 

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Del anonimato:

“El anonimato me permite renunciar a mí mismo, llego a afirmarme más aún. De igual modo el silencio es un rechazo del ruido, pero , el menor ruido en el silencio resulta enorme”.

“La misma tendencia me hace buscar el ruido escondido en el silencio, el movimiento en la inmovilidad, la vida en lo inanimado, lo finito en lo infinito, las formas en el vacío y mi yo en el anonimato”.

De cómo trabaja:

“Trabajo en un estado de pasión y de arrebato. Cuando empiezo una tela, obedezco a un impulso físico, a la necesidad de lanzarme; es como una descarga física”.

“Lo importante para mi es que se perciba el punto de partida, el choque que lo determinó”.

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El libro acaba completando la frase que lo inició:

“Por el mismo engranaje, mi pintura puede considerarse como humorística y alegre, aunque yo sea trágico”.

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Una obra de Arte.

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La inspiración. “Recibir el aliento”

¿Se puede crear de la Nada o toda obra tiene un origen anterior y lo único que hacemos es interpretarla de un modo diferente?

La palabra inspiración viene del latín: Ins (hacia dentro) Spirare (respirar), pero tiene sus raíces en el helenismo y en la cultura hebrea. Significa “recibir el aliento”.

Hay quien dice que no es posible crear del vacío y que los artistas están constantemente inspirados por otros artistas y por las tradiciones del pasado.

Platón utilizaba la teoría de la inspiración para explicar el origen de la creación literaria. Para él, esta no dependía de los conocimientos o saberes adquiridos, sino que surgía gracias a la  intervención divina.

Para Aristóteles todo provenía de la experiencia y de la información que nos llega a través de los sentidos.

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En el fresco “La escuela de Atenas”  (1510-1511) Rafael representa a los dos filósofos: Platón señalando al cielo y Aristóteles a la tierra.

Hay muchas obras de Arte que se inspiran y copian de la naturaleza y de otras obras artísticas anteriores ¿Son por eso menos geniales?

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Picasso “Almuerzo sobre la hierba” 1960. Reinterpretación de un cuadro de Manet.

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“Almuerzo sobre la hierba” de Manet. 1863. Inspirado en una obra de Rafael (1505), hoy perdida, pero que se sabe como era gracias a un grabado de Marcantonio Raimondi. “El juicio de Paris” (1514-1515).

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Pero ni el mismísimo Rafael se resistió a aprovechar la genialidad de otros artistas.

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En la Villa Medicis, lugar por donde Rafael solía pasear en sus años de juventud  en Roma, se encontró un sarcófago del siglo III d C que representa “El Juicio de Paris” y de composición muy parecida. 

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¿Aristóteles o Platón? ¿Realmente importa de donde venga la inspiración de una obra si consigue generar en quien la contempla emociones como el amor, la pasión o el éxtasis.   ¿Acaso eso no es Creación?

 

 

Daria Petrilli. Las mujeres que habitan en los sueños

Daria Petrilli (1970, Roma) es una ilustradora y artista digital italiana. En sus obras  se representan mujeres con animales, naturaleza, tierra, bosque, cielo, lunas…

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Son composiciones sosegadas que evocan el arte clásico, pero que están dotadas de una gran fuerza onírica.

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En ellas nada es gratuito ni recargado, ni banal porque en sus ilustraciones todo está armonizado.

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Es surrealismo en estado puro. 

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Son mujeres que llevan peces en el vientre, que tienen loros en la cabeza y también plumas, con ojos de gato en la espalda, con gorriones que salen volando desde el corazón en campos de adormideras.

Son mujeres hechas de erizos que nacen de dentro de las flores, que tienen cabeza de paloma, que pasean ibis rojos.

Son etéreas, frágiles. Mujeres  pájaro y espejo que cabalgan entre sueños.

Son la belleza y el silencio.

Daria Petrilli http://www.tuttartpitturasculturapoesiamusica.com

Daria Petrilli.

Picasso versus Picabia. La pintura en cuestión

“Picabia y Picasso son más o menos de la misma estatura, que es bastante baja, y pesan más o menos lo mismo, que es un peso bastante honroso. Y no serían quienes son si uno fuese el otro. No obstante, a veces se dice que Picasso es un pintor francés y que Picabia es un pintor español, cosas que pasan. Se ponen, sin saberlo, la misma corbata y esta vez llevaban el mismo par de zapatos y todos nos dimos cuenta y cada uno se lo señaló al otro y yo les dije que se levantaran y se quedaran de pie uno al lado del otro: tenían la misma estatura, tenían los mismos zapatos, pero no se parecían nada, nada en absoluto”.

Esta cita de Gertrude Stern (Autobiographie de tout le monde, 1937) abre la muestra “La pintura en cuestión” que se expone estos días en la fundación Mapfre de Barcelona y  refleja muy bien el antagonismo entre los dos pintores.

Gertrude tenía razón, aunque eran parecidos no se parecían en nada. Picasso y Picabia tuvieron una relación caracterizada más por la desconfianza que por la amistad.

En ella se enfrentan el uno al otro.

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Picabia misterioso, sensual. Picasso altivo, inacabado.

Picasso esencia, esquema. Picabia irreal, irreverente.

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Picasso: mujer de ojos grandes con pestañas que son lágrimas, que piensa, pero que llora.

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Picabia: Mujer oscura con garras en la boca, pero que si te fijas bien lleva dentro una paloma que está esperando echar a volar.

Los dos tienen la misma fuerza, los dos se expresan en libertad y tienen algo que les une aún más:

Nunca hicieron lo que se esperaba de ellos.

 

 

 

 

Los ojos del Guernica

Café Les Deux Magots, París 1936. Una joven sentada en una de las mesas juega con una navaja a clavarla entre sus dedos. Lleva sangre en el guante. Picasso entra acompañado por Paul Éluard, la observa, se acerca y empieza a hablar con ella. Al despedirse le pide el guante. No se vuelven a encontrar hasta meses más tarde en casa de unos amigos comunes en Mougines. Ya nada volverá a ser igual para ninguno de los dos.

La mujer es Dora Maar, tiene veintiocho años, él cincuenta y cinco. Es fotógrafa, pintora y poeta, en aquel momento es la amante de George Bataille con quien había experimentado todas las transgresiones, y en todos los escenarios, llevándolo al cúmulo de su productividad como escritor. Con Picasso pasa igual. Dora es quien le inspira, la que le propone el local para realizar la obra de grandes dimensiones que ha de reflejar los horrores de la Guerra Civil española, un piso en la Rue des Agustines, el mismo en dónde Balzac había ambientado su novela “La Obra Maestra desconocida” y que Dora había frecuentado con Bataille. Es ella la que se encarga de fotografiar la realización de la obra.

 

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 Son de ella las caras de todas las mujeres del cuadro, son de ella las lágrimas, son de ellas todos los ojos del Guernica, los del toro también.

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Él la llama “La mujer que llora”.

Pero Picasso la absorbe, la aniquila, hace que deje de ser un referente artístico para los surrealistas, que olvide su personalidad, que pase a ser otra de sus mujeres “locas” (dos de las cuales se suicidaron).  Cuando la deja en 1943, Dora Maar cae en una depresión psicótica que necesita internamiento psiquiátrico durante once días y luego desaparece del mundo recluyéndose hasta su muerte en 1997 en su piso de París en la Rue Savoie, 6,  junto a más de cien obras de Picasso y muchas de sus geniales fotografías.

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“Después de Picasso solo Dios”, le dijo a su analista.

Todo el mundo conoce al pintor, sus cuadros, su energía, la expresión de su cara, su mirada.

Rafael Alberti le dedicó un poema “Los Ojos de Picasso” :

Siempre es todo ojos.
No te quita ojos.
Se come las palabras con los ojos.
Es el siete ojos.
Es el cien mil ojos en dos ojos.
El gran mirón
como un botón marrón…

Vale la pena oírlo con la voz del poeta:

Pero los ojos del Guernica, así como tantos otros, no eran los de Picasso, eran los ojos de Dora Maar.

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Georgia O’Keeffe. El sexo en las flores

Georgia O’Keeffe ( 1887-1986 ) es considerada como la madre del modernismo americano. En sus cuadros utiliza la abstracción geométrica como expresión. Son famosas sus tres épocas pictóricas: Sobre la ciudad de Nueva York, sobre flores y sobre huesos de animales en paisajes de Nuevo México.

 

Sus pinturas del desierto, en donde vivió en su finca “Lejanía”, de la desolación, del sol en los esqueletos de animales merecen una entrada aparte en este blog. Hoy muestro su faceta más conocida, la de ser la pintora de las flores que recuerdan las formas sexuales femeninas, cosa que, por cierto,  ella siempre negó que fuera así.

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Pintaba primeros planos donde no se percibía la flor entera, captaba su esencia a través de esa abstracción.  Se recreaba en la forma de los bordes de los pétalos, en su color, en su luminosidad haciendo  que el espectador que contemplaba el cuadro sintiera la necesidad de recorrerlos despacio, de entrar dentro de esas flores como si fueran insectos que necesitaran libar de ellas.

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Son pura sensualidad. Georgia siempre negó que fueran explícitas ni intencionadamente sexuales, es el espectador el que ve el sexo en las flores.

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“Solo cuando se elige, se dejan elementos de lado y se fijan los puntos básicos, se tropieza uno con el significado verdadero de las cosas”.

A Georgia no le gustaban las flores, en su juventud había dicho:

“No me gustan, son horribles, sólo las pinto porque son los modelos más baratos”.

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“La pintura figurativa no es buena mientras no lo sea en un sentido abstracto. Una colina o un árbol no crean por sí mismos un buen cuadro, tan solo porque se pueda ver una colina o un árbol. Todo depende de la interrelación de líneas y colores, con ella se crea expresión. Para mí esto es justamente la base de la pintura”.

Una de sus obras “Estramonio/Flor blanca” realizada en 1932, fue el cuadro más caro vendido en subasta por una pintora. Superó los 44 millones de dólares en 2014.

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La casa como célula generadora. Portlligat,Gala y Dalí

La casa empezó siendo un cobertizo en donde se guardaban las barcas y los aperos de los pescadores de Portlligat, un pueblo a un kilómetro de Cadaqués. Cuando en 1930 Dalí vio la bahía y la pequeña barraca se quedó vinculado a ellas para siempre.

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Allí conoció a Gala, por aquel entonces esposa de Paul Eluard, allí se refugiaron cuando su padre no aprobó su relación y vivieron una época de aislamiento y austeridad después de los locos años en París.

El pequeño refugio se convirtió en su verdadera casa, y a lo largo de cuarenta años fueron  ampliándola adquiriendo las casetas adyacentes. La vivienda, lo que él consideraba una célula madre fue creciendo y formando “una verdadera estructura biológica”, como decía él.

El espacio se organiza en torno al recibidor, una pequeña sala ocupada por un oso polar disecado y que sostiene un utensilio de pesca a modo de lámpara. A partir de ahí la casa se va ramificando, se enrosca formando un laberinto de espacios irregulares a los que se accede por escalones protegidos con esteras de mimbre.

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Las ventanas tanto las interiores como las exteriores son de medidas diferentes y desde todas se ve el mar.

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En ella se distinguen tres espacios: La zona cuerpo, intima, doméstica, con el comedor, la cocina, una sala oval con eco en su centro. El dormitorio, en él dos camas, un espejo por donde podía ver reflejado el nacimiento del sol, una jaula grande con pájaros y una más pequeña con grillos.

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En la zona mente, la biblioteca, su estudio, su sillón de trabajo, sus gafas y sus pinceles;  el almacén de pinturas con algunas de ellas mal cerradas, todo tal y como lo dejó.

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La zona espíritu, el jardín mediterráneo en donde hacían vida, se relajaban en una piscina surrealista y recibían a sus invitados.

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En el jardín también se encuentra la zona del olivar, su taller al aire libre.

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Había estado muchas veces en Porlligat, pero nunca había entrado en la casa. Verdaderamente es mágica, está llena de objetos extraños, no siempre de buen gusto, de animales disecados, abigarrada de peluches, de fotos. Dicen que se conserva igual que estaba (menos los libros), con las flores secas amarillas “siemprevivas” que le gustaban a Gala. Es como el Atanor, como el caldero de dos alquimistas.

Un día de 1982 Gala se cayó en las escaleras del dormitorio y se fracturó el fémur. Murió poco después. Dalí jamás volvió a Portlligat.

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“Sorprendente, extraordinaria y nunca vista”.  Eso dijo de la casa Josep Pla.

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Los Proverbios Flamencos de Brueghel el Viejo

También llamado “La capa azul” o “La locura del mundo” es un cuadro de Brueghel el Viejo pintado en 1559, que sigue la tradición de El Bosco por lo absurdo y disparatado de algunas escenas.

Representa una tierra habitada por proverbios que tratan de la locura y de la estupidez humana como antes lo hicieron en sus obras literarias Rabelais: “Gargantua y Pantagruel” en  1564 , y Erasmo de Rotterdam en 1508 con su “Elogio de la locura”.

En ella se representan entre 85 y 120 proverbios y dichos, La diferencia en el número radica en las distintas lecturas de quien los ve o que en algunas escenas están representados varios a la vez. 

Fue un cuadro muy popular  que se copió numerosas veces, sobre todo por Pieter Brueghel el joven, su hijo, quien llegó a hacer hasta veinte copias del mismo.

He aquí varios proverbios que siempre son actuales porque la naturaleza humana no ha cambiado demasiado desde entonces:

 

Llevar fuego en una mano y agua en la otra. No ser digno de confianza. Tener dos caras

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Ponerle el cascabel al gato. Atreverse a hacer algo difícil y peligroso.

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La indecisión. Sentarse en las cenizas entre dos banquillos por no saber cual elegir.

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La suerte está echada. Cuando ya no se puede hacer nada.

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Lanzar plumas al viento. Hacer algo infructuosamente.

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Matar dos moscas (pájaros) de un golpe.

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Tirar la casa por la ventana. Tirar el dinero.

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Echar margaritas a los cerdos. Malgastar esfuerzos en algo que no lo merece.

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El pez grande se come al chico.

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Ser capaz incluso de atar al diablo a una almohada. Quien la sigue la consigue. La obstinación lo supera todo.

quien la sigue...

 “La capa azul” que es uno de los proverbios que da título al cuadro. Una mujer joven de escote pronunciado cubre delicadamente a su marido anciano y achacoso con una capa azul que lleva una visera tan amplia que le impide casi totalmente la visión.

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Este es el detalle que ocupa la parte inferior del centro del cuadro y que gracias al vivo color de la capa focaliza la atención de la obra. Simboliza la infidelidad, pero quizás vaya más allá y resuma todas las escenas, que signifique el tercer nombre de la pintura “La Locura del Mundo”, viejo, ciego y seducido por lo banal.

Decía el cineasta Jean-Luc Godard que el arte nos atrae solamente cuando revela en nosotros secretos. Vale la pena sumergirse en este cuadro y buscar.

 

 

 

 

 

Una cierta oscuridad

Una mañana del año 1911, en París, un hombre con bata blanca entró en el museo del Louvre y robó la Gioconda sin que nadie se diera cuenta de ello hasta el día siguiente.

La noticia se propagó por todo el mundo y el espacio vacío que había dejado el cuadro se convirtió en un punto de peregrinaje al que acudieron muchos curiosos para verlo y también artistas como Picasso, Apollinaire (a los cuales incluso se les llegó a acusar de haber sido los autores), Kafka …

 

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“Una cierta oscuridad” es el nombre de una exposición que se muestra ahora en CaixaForum de Barcelona y que parte de la base de lo que sugiere este hecho.

El caso es que no pensaba verla, yo iba a ver otra exposición sobre el antiguo Egipto: “Faraón”. Me gustó, sí, muchos medios, piezas interesantes, mucha gente, pero no me aportó demasiado. Cuando ya estaba a punto de abandonar el museo descubrí otra sala, la de la foto del vacío que dejó la Gioconda y entré sin pensar, como siguiendo la música del flautista de Hamelin.

En esta muestra se valora lo que no se ve, la ocultación, la mirada y la no mirada. Es una crítica a la sobrevaloración de lo visual que tan importante es en nuestros tiempos.

“Si no lo veo no lo creo, si lo veo ya no tengo porqué plantearme nada”.

Son juegos con el ver y el no ver, con la ausencia y la presencia. Como uno de los poemas visuales de Joan Brossa, sin palabras y con tan solo un estuche vacío de compases para homenajear a Leonardo Da Vinci.

Como una poesía de Pedro Salinas

¡Qué paseo de noche
con tu ausencia a mi lado!
Me acompaña el sentir
que no vienes conmigo…

Es el recuerdo de una huelga de 2012. La que hizo Ira Lombardía (artista e  influencer) al eliminar de su web todas las imágenes visuales para defender la ecología de la imagen y no contribuir a la bulímia icónica. Una pausa de la mirada y a la vez un acto de rebeldía y resistencia.

 

 

Iraida Lombardía - I'm on strike (2012)

Por cierto la Gioconda antes del robo era un cuadro más de Leonard Da Vinci, lo que contribuyó a su fama, a que fuera uno de los cuadros más famosos del mundo, fue su desaparición y todas las reproducciones que se hicieron durante esos años.

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Esta es una de las fotos que cierra la exposición. Es de Martin Parr.

Da que pensar. A veces lo que tenemos delante de los ojos no nos deja apreciar lo que de verdad queremos ver.

 

 

Odilon Redon. El simbolismo fantástico

Odilon Redon (Burdeos 1840- París 1916) fue un pintor simbolista al que se le considera uno de los precursores del surrealismo.

En su obra lo corriente se convierte en excepcional y místico. Los mitos paganos conviven con el materialismo científico y los animales imaginarios se pasean entre piezas de maquinaria.

Redón hace el retrato del inconsciente, el dibujo de las imágenes de los sueños.

Sus personajes parecen tranquilos, pero intranquilizan. Esconden una historia, muchos sonríen, saben que guardan un secreto que nunca revelaran al que los observa.

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Hasta 1890 su pintura fue casi exclusivamente en blanco y negro, estuvo muy influido por Goya (que murió en Burdeos, su ciudad natal). A él le dedica varias de sus litografías inspiradas en las series de Los caprichos, Los desastres de la guerra y las pinturas negras.

 

 

 

 

Poco a poco, ya en la cincuentena, va llegando al color realizando acuarelas y óleos. Era un gran admirador de Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire y de Charles Darwin, de quienes ilustró varias publicaciones.

Su obra se mantuvo casi en el anonimato hasta que se publicó una novela de culto en 1884, “À rebours”,de Joris-Karl Huysmans, en la que aparece un aristócrata decadente que colecciona dibujos de Redon.

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“Toda mi originalidad consiste en dar vida, de una manera humana, a seres inverosímiles y hacerlos vivir según las leyes de lo verosímil, poniendo, dentro de lo posible, la lógica de lo visible al servicio de lo invisible”.

“Mis dibujos inspiran, no se definen. No determinan nada. Ellos los colocan en el ambiguo mundo de la indeterminación. Se trata de una especie de metáfora”.

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“¿Lo que distingue al artista del aficionado? Sólo el dolor que siente el artista. El aficionado busca sólo placer en el arte.”

 

Odilon Redón murió en París el 6 de julio de 1916.