Arte

RANGOLIS. Protección y Bienestar

El origen la palabra “Rangoli” proviene del sánscrito “rang” que significa color y “aavalli” enredadera.

Esos dos elementos se combinan creando una expresión artística que aporta bienestar a todo el que lo contempla y que sirve de protección ante el mal.

Se hacen con pétalos de flores, harina, semillas o arena coloreada. Es un arte efímero que transmite la idea de fragilidad y de provisionalidad de la vida.

Cuenta la leyenda que un sumo sacerdote cayó en la más profunda tristeza tras la muerte de su hijo y que oró a Brahma pidiéndole que devolviera la vida al niño. Brahma conmovido por su dolor pidió a una mujer que dibujara en el suelo el retrato del pequeño, sopló sobre él y resucitó al niño. Así nació el primer rangoli.

Hoy en día los dibujos se realizan a la entrada de las casas para protegerlas de las desgracias y como saludo a los huéspedes. Normalmente los crean las mujeres.

Es una tradición que ha ido pasando de generación en generación porque con la armonía de sus formas y colores reduce la energía negativa y atrae a la buena suerte.

También se dice que empezaron a hacerse porque al barrer el piso de las casas o cubrirlo con estiércol se formaban líneas disarmónicas que rompían los flujos energéticos.

Recuerdan mucho a las estructuras fractales, una figura que se repite formando un todo sin principio ni fin.

Como esta poesía de Rabindranath Tagore:

SERVIR

«Dormía, y soñaba
que la vida era alegría.

Desperté, y vi
que la vida era servicio.

Serví, y vi
que el servicio era alegría.»

“No hay paz que no pueda hallarse en el momento presente”.Tasha Tudor

Tasha Tudor (Boston, 28 agosto 1915- Vermont, 18 junio 2008) fue una ilustradora de cuentos infantiles que decidió vivir en la naturaleza y con los recursos del pasado.

Tasha Tudor. Ilustración Laura in the snow.

Hilaba sus propias ropas, sembraba sus hortalizas, ordeñaba a las cabras. Vestía faldas largas con delantales y cofias. Fue descalza, siempre que pudo, hasta el final de sus días. Cambió su nombre por Tasha en honor a Natasha Rostova de Guerra y Paz, y Tudor que era el apellido de su madre.

Desde muy pequeña adoraba los objetos antiguos y bellos, los cuales representaba en todas sus pinturas, así como las flores, que enlazaba en guirnaldas dotando a sus dibujos de una delicada feminidad con aires de otros tiempos.

En 1944 publicó su primer libro “Mother Goose” que le permitió comprarse y restaurar una granja antigua y vivir según sus deseos. Publicaría cien más, así como numerosas tarjetas postales (más de cuatrocientas) que le darían fama mundial.

Hoy en día la gente está tan abatida. Si tomaran un té de manzanilla y pasaran más tiempo libre por la noche disfrutarían más de la vida”.

También confeccionaba cestas, marionetas y muñecas y hacía representaciones teatrales para su familia. Se han hecho varios documentales de su vida, el primero en 1957 fue: The Golden Key: Enter the Fantasy World of Tasha Tudor.

“La manera más básica y poderosa de acercarse a una persona es escuchándola”.

Fue un emblema del romanticismo rural. Dedicó su vida a la belleza y a la sensibilidad, a la jardinería y a sus perros Corgi, de los que decía tenían mirada de persona y enseñó a vivir de otra manera, más ligada a la tierra, a la familia y a las cosas sencillas y entrañables.

A pesar de todas las contaminaciones y horrores, qué hermoso es este mundo”.

Suponiendo que solo vieras las estrellas una vez al año, piensa en lo maravilloso que es el mundo”.

El vendedor de lámparas que supo fotografiar un mundo

Gilbert Garcin (La Clotat, Francia, 1929-2020), es uno de los fotógrafos franceses surrealistas más reconocidos. Ha expuesto en todo el mundo. Su historia es tan alucinante como su obra.

Hasta los 65 años tuvo una vida convencional, trabajaba en una tienda de lámparas como comercial. Su vida artística empezó cuando se jubiló. Siempre había sido habilidoso y le habían gustado las fotos, así que se inscribió en Arles en los talleres de fotografía. Como no tenía demasiadas posibilidades económicas hizo el mismo de modelo en todas sus fotos, más tarde convenció a Monique, su mujer, que al principio se oponía a salir en sus “inventos” para que le acompañara en sus composiciones.

Porque Garcin, no solo fotografiaba sino que recortaba las fotos y las pegaba en un soporte de madera para poder componer con ellas un mundo, el de los sentimientos, el de las relaciones humanas, el de la pareja.

Todas sus fotografías sugieren mil historias según quien las contemple:

-Mira, se están peleando. Se están peleando, pero eso les mantiene unidos.

-No, viven juntos desde hace mucho tiempo y la convivencia necesita un equilibrio de fuerzas, una armonía para perdurar.

“Comenzar a los 65 años tiene muchas desventajas, y una sola ventaja: la experiencia vivida”.

Gilbert Garcin empezó su obra a los 65 años, pero no expuso profesionalmente hasta los 80.

Murió este año, el 17 de abril de 2020 a los 91 años mientras dormía.

Garcin no solo nos deja un gran legado artístico sino también la certeza de que no hay barreras, de que todo es posible si se tiene un propósito y algo que decir.

Objetos de deseo. Surrealismo y diseño

La primera exposición que he visitado después de casi tres meses de confinamiento fue la de Caixa Forum en Barcelona “Objetos de deseo. Surrealismo y diseño”. Sí, el surrealismo está bien para empezar, como mínimo es coherente con la situación que estamos viviendo.

Mascarilla, acceder por las zonas habilitadas. No hizo falta mantener la distancia de seguridad, no había nadie. Gracias a ello tuvo una atención personalizada, una de las azafatas del museo me hizo una visita guiada en exclusiva. En el fondo una delicia.

La muestra está dividida en cuatro partes de las que destaco algunas obras:

Sueños de modernidad:

Salvador Dalí y Antoni Gaudi.

Imagen y arquetipo:

Piero Fornasetti. Platos decorados (1950)

Erotismo:

Salvador Dalí. Mae West. Sofá labio (1936)

El pensamiento Salvaje:

Fernando y Humberto Campana. “Cabaña” (2003)

En el surrealismo se fuerzan los límites entre la realidad y la ficción. Una forma o un objeto no tiene porqué siempre ser lo que parece. Como la obra de los hermanos Campana, parece una cabaña, pero es una estantería a la que solo se puede acceder metiendo las manos entre la cortina de rafia.

Lo importante son las emociones humanas, lo irracional, la provocación. El absurdo en la vida cotidiana y en el día a día.

Cepillo de Pelo. Bless (1999)

Su ideal de belleza lo describió el Conde de Lautréamont: “Bella (…) como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección”.

Su fuerza vital, su sentido profundo está en el binomio Eros-Tánatos, la relación entre la vida y la muerte. ¿O acaso no es absurdo nacer para morir irremediablemente?

Galileo Chini. El arte en todo

Apasionado de la belleza, del arte en los objetos cotidianos, en las paredes, en los palacios y en los escenarios, Galileo Chini (Florencia, 1873-1956) fue uno de los artistas que representaron el modernismo italiano, llamado Stilo Liberty o Floreale.

Pintor , decorador, ceramista y diseñador gráfico fue un artista integral de de formación autodidacta que participó en las decoraciones exteriores e interiores de muchos palacios italianos, también hizo carteles y escenografías teatrales trabajando con los textos operísticos de Sem Benelli.

Galileo Chini "vaso arte della ceramica", 1903- 1904. Galileo Chini is the famous Italian artist credited with introducing the art nouveau or Liberty style into Italy. Esculturas, Mosaicos, Tradições Italianas, Objetos, Floreros De Cristal, Jarrón De Porcelana, Diseños Vintage, Uñas Azules, Creatividad

Trabajó para los reyes Rama V y Rama VI de Tailandia, realizando para ellos las pinturas del Palacio del Trono de Bangkok, así como varios retratos del rey Rama VI.

Uno de sus admiradores y mayores coleccionistas fue Luchino Visconti que incluyó en sus películas algunas de sus obras.

A causa de una ceguera progresiva su actividad se fue reduciendo hasta su muerte en Florencia en 1956.

“Aquel que ha contemplado la belleza está condenado a reproducirla o morir”.

Luchino Visconti

“Noli mi Tangere”. No me toques

En el mundo del arte esta expresión se refiere a determinado tipo de obras, sobre todo pinturas, en donde Jesús resucitado no permite a María Magdalena que le toque, pues todavía no ha subido al Padre.

“Noli me tangere” es una corrupción de la expresión latina “Noli me tanguere” que literalmente quiere decir No me toques aunque también se suele traducir como “No te acerques a mi”.

Una de las más famosas de ellas es la de Correggio (1518):

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Se dice que inspiró a Picasso en uno de sus cuadros “La vie” (1903) en el gesto de la mano del hombre que está representado en el centro del cuadro y que podría significar el alejamiento que necesitaba el propio Picasso de su madre portadora del eterno niño.

La Vie 1903 by Pablo Picasso Print from Wanford Art Reproductions.

 

Noli mi Tangere en la Edad Media también se refería a un tipo de úlcera maligna en la piel ( posiblemente cancerosa) que era mejor no tocar para que no empeorara.

Y en el plano conceptual también puede representar a un objeto exento de contradicción o análisis como un amuleto del que uno no se va a desprender porque le ha traído suerte, piensen los demás lo que piensen.

Hoy son tiempos de Noli Mi Tangere. No es bueno tocar a los demás , ni tan siquiera acercarse mucho a nadie.

No me toques
No me toques
estoy contaminada
no me beses
estoy contaminada
no me muerdas imbécil!
estoy contaminada.

 Nicanor Parra (Poesía Política, 1983).

El poema
El Poema
Juan Ramón Jiménez. (Piedra y cielo, 1917-18)

 

Pero hay un poema precioso que colma y sublima esa voluntad de tocar.

 

La espera

Te están echando en falta tantas cosas.

Así llenan los días

instantes hechos de esperar tus manos,

de echar de menos tus pequeñas manos,

que cogieron las mías tantas veces.

Hemos de acostumbramos a tu ausencia.

Ya ha pasado un verano sin tus ojos

y el mar también habrá de acostumbrarse.

Tu calle, aún durante mucho tiempo,

esperará, delante de tu puerta,

con paciencia, tus pasos.

No se cansará nunca de esperar:

nadie sabe esperar como una calle.

Y a mí me colma esta voluntad

de que me toques y de que me mires,

de que me digas qué hago con mi vida,

mientras los días van, con lluvia o cielo azul,

organizando ya la soledad.

 

Joan Margarit. (Todos los poemas, 1975-2012)

Con mucho TACTO – Profesor LÍLEMUS

Cartas desde mi celda

Cualquier confinamiento aunque sea en el más hermoso de los paraísos propicia la reflexión. Gustavo Adolfo Bécquer se recluyó en el monasterio de Veruela junto a su hermano Valeriano  para intentar curar su tuberculosis. Su primera estancia fue durante el invierno de 1864 y hasta la primavera de 1865.

 

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Ambos hermanos pintaban y dibujaban, su padre había sido un reconocido pintor, pero Gustavo Adolfo ante todo era ya escritor y poeta. Su primera estancia en Veruela (Alcalá de Moncayo) fue desde el invierno de 1864  hasta gran parte de la primavera siguiente.

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Gustavo Adolfo dibujado por Valeriano en Veruela (1864)

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“Concierto de espectros” Gustavo Adolfo (1860)

Allí escribió nueve cartas (en realidad la última fue escrita en Madrid)  que fueron siendo publicadas periódicamente por el diario madrileño “El Contemporáneo” y que luego se convertirían en el libro “Cartas desde mi celda”.

https://es.wikisource.org/wiki/Cartas_desde_mi_celda  (texto completo).

Son crónicas del día a día, de las costumbres de aquellos pueblos, con descripciones preciosistas de todo cuanto le rodeaba. Hay cartas escritas  a modo de leyenda:  la sexta habla de la ejecución de una hechicera “La tía Casca”, la siete y la ocho son cuentos de brujas y de brujerías, y la novena habla del monasterio de Veruela. 

En todas hay un elogio a la vida y a la naturaleza, pero de una manera u otra en todas está presente la muerte.

En la tercera carta habla de su propio entierro, tenía 28 años cuando la escribió, moriría seis años después:

… ¡Vivir!… Seguramente que deseo vivir, porque la vida, tomándola tal como es, sin exageraciones ni engaños, no es tan mala como dicen algunos; pero vivir oscuro y dichoso en cuanto es posible, sin deseos, sin inquietudes, sin ambiciones, con esa felicidad de la planta que tiene a la mañana su gota de rocío y su rayo de sol; después un poco de tierra echada con respeto y que no apisonen y pateen los que sepultan por oficio; un poco de tierra blanda y floja que no ahogue ni oprima; cuatro ortigas, un cardo silvestre y alguna hierba que me cubra con su manto de raíces, y por último, un tapial que sirva para que no aren en aquel sitio, ni revuelvan los huesos.

He aquí hoy por hoy todo lo que ambiciono. Ser un comparsa en la inmensa comedia de la humanidad; y concluido mi papel de hacer bulto, meterme entre bastidores, sin que me silben ni me aplaudan, sin que nadie se aperciba siquiera de mi salida.

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El copo y la Rueca (1855) Gustavo A. Bécquer

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Bizarrías (1855) Gustavo A. Bécquer

Sin duda la muerte estuvo presente en casi todos los momentos de su vida, pero lo fue de una manera irónica muy al estilo postromántico, gracias a ello y al aislamiento al que a veces tuvo que someterse pudo escribir lo que escribió. Tal como él dijo: 

 

“La soledad es el imperio de la conciencia”

 

 

 

La importancia de la perspectiva. Sergi Cadenas

Parecen dos personas, pero es la imagen de la misma mujer transformada por los años.

Parecen dos cuadros, pero es uno solo que va cambiando según la perspectiva del que lo mira.

Sergi Cadenas (Girona, 1972) es un pintor autodidacta que que empezó su trayectoria artística en el mundo del hierro forjado, en el negocio que su familia regenta desde hace varias generaciones. 

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Sus cuadros al óleo son tridimensionales. Utiliza tiras verticales en donde pinta a cada lado de ellas un personaje que va cambiando según el ángulo por donde se mire.

Es un arte cinético que plantea la idea de dualidad y de relatividad de todo lo que nos rodea.

En sus obras no te siguen los ojos del personaje retratado, tú le sigues a él acompañándole en su transformación vital.

Es un mago que convierte a las niñas en gato.

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Que es capaz de cambiar el sexo y la raza con solo andar unos pasos.

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Así ocurre el milagro.

 

 

“Todo lo que escuchamos es una opinión, no un hecho. Todo lo que vemos es una perspectiva, no es la verdad”.

Marco Aurelio.

“La vida es curiosa, ¿no crees? A veces, cuando observamos las cosas al cabo de un tiempo o desde una perspectiva un poco diferente, algo que creíamos absurdamente esplendoroso y absoluto, algo por lo que renunciaríamos a todo para conseguirlo, se vuelve sorprendentemente desvaído. Y entonces te preguntas qué demonios veían tus ojos.“

Haruki Murakami.

Kirie. Solo con un papel y unas tijeras

El Kiri-e es un arte ancestral japonés que consiste en crear una obra plástica a partir de una hoja de papel, recortándola y contrastándola con un fondo negro.

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Esta técnica ya se usaba hace más de mil años, era el Isi-Katagami y consistía en recortar  plantillas de papel para estampar los dibujos en los kimonos. se hacía con brochas consiguiendo así hermosos patrones.

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El efecto que produce el Kirie es como el de una delicada puntilla, una filigrana, hecha con mucha habilidad y paciencia.

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“La impaciencia entorpece el pensamiento y lo transforma en impulso. La paciencia es inteligencia, por lo tanto es equilibrio y armonía del espíritu”.

Norys Uribe Santana

 

 

 

Decidir entre el bien y el mal. Patinir

A Joachim Patinir (Belgica,1480-1524) se le conoce por ser el precursor de la pintura paisajística. En sus obras siempre hay figuras y una historia que contar, pero lo que llama la atención es la fuerza y la importancia de la naturaleza. Solo se conservan 29 de sus pinturas que todas son fácilmente reconocibles por su carácter simbólico, por sus figuras pequeñas y sus planos escalonados con un horizonte elevado lo que las hace casi panorámicas.

El paso de la laguna Estigia” es una de sus obras más interesantes. El barquero Caronte conduce a un alma frágil y desnuda su destino final. Las figuras están en el centro, pero a los lados hay dos posibilidades: A la izquierda está el paraíso con ángeles y edificios de cristal, estos no se ven bien, están ocultos por la vegetación, solo asoma un camino estrecho y difícil a través de las rocas. A su derecha la navegación es más fácil.

El infierno arde a lo lejos también oculto por la naturaleza. En la orilla hay árboles frutales y animales fantasmagóricos .

También hay una figura escatológica, que casi no se ve, un hombre defecando, que simboliza el pecado y el demonio, y que es un tema repetido en los cuadros de Patinir.

En el centro se plantea la gran decisión del hombre entre el bien y el mal. La decisión ya está tomada. Vemos como el barquero lleva la nave hacia la derecha, hacia el infierno. El alma lo sabe y dirige allí su mirada aunque no se imagina lo que se encontrará.

Esa es la historia, pero lo que más destaca en el cuadro no son las figuras, es la fuerza de los elementos, es el fuego, es sobre todo el agua.

Agua en calma en la laguna, transparente en el paraíso, negra en el infierno. Agua en las nubes de destrucción y vida.

Una curiosidad, Jorge Semprún (1923-2011) siempre quedaba en el Museo del Prado delante de este cuadro para mantener conversaciones en encuentros clandestinos durante los años de la dictadura. Fue tanta su admiración hacia esa tabla que la trama de una de sus novelas “La montaña blanca” estaba centrada en ella “El paso de la laguna Estigia” y en cuyo texto se refiere al azul-Patinir.

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” …que seguía siendo el que solía ser, un azul fijo y loco, inalterable”.