Arte

Rosas. Rachel Ruysch y Vicente Huidobro

Rachel Ruysch (La Haya, 1664-Ámsterdam 1750) fue una pintora especializada en bodegones de flores. Empezó su carrera artística ayudando a su padre Frederick Ruysch, famoso anatomista y coleccionista de objetos singulares, a preparar los objetos en un “liquor balsámico” con flores y encajes, algo muy del gusto de aquel tiempo. Fue, incluida en el gremio de pintores de San Lucas y trabajó para la corte en Düselfdorf siendo considerada una de las pintoras más renombradas de su época. Tuvo diez hijos y continuó trabajando hasta los ochenta y tres años.

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Vicente Huidobro (Santiago, Chile,1893-Cartagena, Chile,1948) fue un poeta chileno fundador del Creacionismo, que conoció a Picasso, Juan Gris, Max Jacob, Joan Miró, y que colaboró con Apollinaire, Breton, entre otras figuras del momento.

El Creacionismo predicaba que los artistas no debían imitar la naturaleza sino que tenían que competir con ella creando un nuevo lenguaje vitalista que generara belleza y sugiriera imágenes.

En uno de los poemas más bellos de Huidobro se refleja sus principios Creacionistas, habla de una rosa:
Arte poética

Que el verso sea como una llave
que abra mil puertas.
Una hoja cae; algo pasa volando;
cuanto miren los ojos creado sea,
y el alma del oyente quede temblando.

Inventa mundos nuevos y cuida tu palabra;
el adjetivo, cuando no da vida, mata.

Estamos en el ciclo de los nervios.
El músculo cuelga,
como recuerdo, en los museos;
mas no por eso tenemos menos fuerza:
el vigor verdadero
reside en la cabeza.

Por qué cantáis la rosa, ¡oh poetas!
hacedla florecer en el poema.

Sólo para nosotros
viven todas las cosas bajo el sol.

El poeta es un pequeño Dios.

 

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El arte como disciplina olímpica

Cuando en 1894 el barón de Coubertin fundó el Comité Olímpico Internacional proclamó que una de sus funciones sería “…unir en matrimonio legítimo el músculo y la mente” , que las Olimpiadas modernas no solo serían físicas sino que también incluirían Arte y Literatura.  Duró poco tiempo, de 1912 a 1948, pero en siete Olimpiadas se otorgaron más de 151 medallas en concursos artísticos.

La primera participación oficial fue en Suecia en 1912, en los Juegos de Estocolmo. Varias organizaciones se opusieron, entre ellas el Comité Organizador de la ciudad anfitriona, pero el barón terminó consiguiendo su objetivo.

Se compitió en cinco categorías: arquitectura, música, pintura, escultura y literatura. Todas las obras presentadas “debían ser originales e inspiradas en el deporte”.

Solo se recibieron 33 obras y se otorgaron 5 medallas de oro y una de plata, pero la calidad fue decepcionante.

En olimpiadas posteriores el nivel y la participación se fue acrecentando. Estas fueron algunas de las obras ganadoras:

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Carlo Pellegrini “Winter Sports”, medalla de oro en pintura 1912

“Skaters”, de Johan van Hell, ganador de la medalla de bronce en pintura en los Juegos de 1924. Bridgeman Art

“Skaters”, de Johan van Hell, medalla de bronce en pintura en los Juegos de 1924.

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Rugby”, de Jean Jacoby, medallla de oro de pintura en 1928

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Walter Winans, medalla de oro en escultura en 1912.

Este artista también había sido el ganador de dos medallas olímpicas en tiro al blanco.

 

Oda al Deporte

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¡Oh, deporte, placer de los dioses, esencia de la vida!

Has aparecido de pronto, en medio en la gris claridad

en que se agita la ingrata labor de la existencia moderna,

como mensajero radiante de los años pasados,

años aquellos en que la humanidad sonreía.

Y sobre la cima de los montes, se ha posado un resplandor de aurora,

y rayos de luz han iluminado el oscuro arbolado.

 

Esta Oda de Georges Hohrod y a M. Eschbach fue medalla de oro literaria en 1912 estaba dividida en nueve apartados y escrita en alemán y francés para resaltar la cooperación de los idiomas y los países. Después de entregados los premios se descubrió que era obra del propio barón de Coubertin que se había presentado bajo seudónimo para animar la participación.

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Finalmente, en los Juegos de 1948 se decidió el cese de las competiciones de arte. Estas fueron reemplazadas por una exhibición conocida como la Olimpiada Cultural y que aún se celebra en nuestros días.

Se dijo que no formaba parte del espíritu olímpico que los artistas presentaran sus obras y después hicieran dinero con ellas

A todo esto, muchos miembros del mundo del arte vieron las competiciones con desconfianza, no querían tener que competir porque podría dañar su propia reputación.

 

“Lo más importante del deporte no es ganar, sino participar, porque lo esencial en la vida no es el éxito, sino esforzarse por conseguirlo.” Pierre de Coubertin.

El viñedo rojo. El único cuadro que vendió Van Gogh en vida

Vincent van Gogh (1853-1890), pintó unos novecientos cuadros y realizó más de 1600 dibujos. Se dice que solo llegó a vender uno en toda su vida. Fue este:

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“El viñedo rojo cerca de Arlés” 1888.

” He terminado también una tela de una viña toda púrpura y amarilla con menudas figuras azules y violetas y un sol amarillo.” Cartas a Théo (Nov. 1888).

Es un cuadro simple, casi infantil, pero muy potente por los colores y el movimiento, que te atrapa y te muestra la vida en la Provenza durante la vendimia.

“Más vale ser atrevido aunque se cometan muchos errores que ser estrecho de mente y demasiado prudente”.

Así entendía V. van Gogh el Arte, pero a finales del siglo XIX los pintores academicistas consagrados lo consideraban un atrevimiento y una aberración.

Durante el otoño de 1883 en Bruselas un grupo de artistas insatisfechos se reveló contra las normas impuestas y formaron el grupo de Los Veinte, se llamaron así por ser ese el número de sus componentes, (entre ellos: Auguste Rodin, Robert Picard, Dario Regoyos, Anna Boch…) y porque se aproximaba el nuevo siglo. Entre 1884 y 1893 organizaron exposiciones anuales a las que invitaban a la vanguardia artística de París.

La exposición de 1990 contaba como artistas invitados a Toulose Lautrec, Eugène Boch, Cézanne, Pisarro y un tal Vincent van Gogh amigo personal de Eugène Boch quien había sido el que le había propuesto para la muestra. Vincent presentaba varios cuadros entre ellos dos de girasoles y “El viñedo rojo”.

 

Días antes de la inauguración cuando Henri de Groux, uno de los veinte, vio sus pinturas anunció que sus obras no se presentarían junto al abominable jarrón de girasoles de Monsieur Vicent o cualquier otro provocador, pero el resto de los artistas del grupo apoyaron a Van Gogh.

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H. de Groux, muy disgustado, dijo de él, durante la cena de la inauguración, que era un ignorante y un charlatán, esas palabras le valieron un duelo con Toulouse Lautrec que al final no se realizó porque Signac intermedió. 

Anna Boch, la única mujer que participaba en el grupo de los veinte y que ya era una reputada pintora, autora de obras como “Remendando redes” y “La cosecha”, se dice que para apoyar a su hermano Eugène que había insistido en que Van Gogh fuera uno de los participantes, compró el cuadro “El viñedo rojo” por cuatrocientos francos.

 

Lo cierto es que también era una gran coleccionista de cuadros y que tenía mucha visión de futuro. La pintura está ahora en el museo Pushkin de Moscú. 

Ninguno de sus demás cuadros se vendió.

En 1987 la sala Chiristie’s subastó uno de sus lienzos de la serie ” Los girasoles” por veintidós millones y medio de libras esterlinas. La puja apenas duró más de cinco minutos y el comprador pagó además otros dos millones y cuarto de libras en concepto de comisión de la casa de subastas. 

“Y no puedo hacer nada, ante el hecho de que mis cuadros no se vendan. Llegará un día, sin embargo, en que se verá que esto vale más que el precio que nos cuestan la pintura y mi subsistencia, de hecho, muy pobre” (25 de octubre de 1888).

Pintar el tiempo.Roman Opalka

Roman Opalka (1931-2011). Fue un artista francés de procedencia polaca que siempre estuvo obsesionado con el paso del tiempo y la eternidad.

 

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Un día de 1965 cuando esperaba a su esposa en un café de Varsovia y ella se retrasaba mucho tuvo la idea de materializar el tiempo. Lo hizo pintando en un óleo líneas de números en orden creciente, sin separarlos por comas o puntos. Fue llenando un lienzo tras otro (233 en total), con la idea de hacerlo hasta el final de su vida. Pintaba alrededor de 380 números por día con un pincel del nº cero, sobre fondo negro en lienzos con la altura correspondiente a su altura y al ancho que tenía la puerta de su estudio de Varsovia. Así nació el proyecto de su vida: “Opalka 1965/1 a infinito”

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Cuando alcanzó el número un millón, eso fue sobre 1972, fue añadiendo un 1% de blanco en cada fondo del lienzo, iba grabando en un magnetófono las series numéricas  y realizaba una foto de sí mismo delante del cuadro para dejar constancia tanto del cambio en la caligrafía de los números como en su voz y en la imagen de su persona. En 2008 se encontró pintando números blancos sobre fondo blanco, lo que llamó “Blanco merecido”.

 

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Opalka murió en Roma en 2011 a punto de cumplir los ochenta años. Llegó hasta el número 5.607.249. Su intención era alcanzar el 7.777.777 un número con un profundo significado místico y religioso para él.

“Todo mi trabajo es una sola cosa, la descripción del número uno al infinito; una sola cosa, una sola vida […] el problema es que somos, y estamos a punto de no serlo”.

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Roman Opalka describió su titánico desafío como una metáfora de la existencia humana:

“El tiempo como lo vivimos y cuando lo creamos encarna nuestra progresiva desaparición; estamos al mismo tiempo vivos y frente a la muerte, ese es el misterio de todos los seres vivos”. La conciencia de este inevitable desaparición ensancha nuestras experiencias sin disminuir nuestra alegría”.

Truman Capote, en su obra “A sangre fría” (1966), también habló de la eternidad:

“¿Qué más da? En la eternidad todo es lo mismo. Porque recuerda esto: si un pájaro llevara la arena, grano a grano, de un lado a otro del océano, cuando la hubiera transportado toda, eso sólo sería el principio de la eternidad”.

Nueve camellos pasando por el ojo de una aguja. Willard Wigan

Willard Wigan (Birmingham, 1957) es un escultor de obras prácticamente invisibles para el ojo humano que solo pueden apreciarse mediante lupas o microscopios. 

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Las realiza con bisturíes quirúrgicos e instrumentos de alta potencia óptica, ha aprendido a trabajar entre latido y latido del corazón, aguantando la respiración para evitar cualquier movimiento.

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El Taj Mahal sobre la cabeza de un alfiler, La Última Cena dentro del ojo de una aguja, la Estatua de la Libertad, un tigre de Bengala, son algunas de sus obras más famosas.

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Durante meses, con una precisión asombrosa esculpe hasta los más mínimos detalles demostrando su teoría de que las cosas pequeñas pueden ser las más grandes.

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Todo comenzó en el colegio cuando los profesores le decían que no haría nada, que sería un fracasado. No entendía ese mundo porque para él la “Nada” no existía, la “Nada” siempre era algo, así que se escapaba de clase y se escondía en el cobertizo de su casa. Allí descubrió a las hormigas que iban y venían por el suelo y decidió hacerles la vida más fácil construyendo para ellas muebles, balancines, sombreros… Así todo empezó a cobrar sentido.

Su obra es lo opuesto a la monumentalidad, es un mundo diminuto, propio de cuentos. Es Nanofantasía.

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Usa como materiales filamentos de su propia camisa, fibras de osito de peluche, esquirlas de vidrio, alas de mosca. No utiliza pegamento, encaja las piezas por fricción o con hilos de tela de araña (altamente resistentes) 

Para él lo más difícil es mantener las manos casi inmóviles para no estropear la obra. Trabaja de madrugada evitando cualquier ruido externo, en un estado de meditación con una respiración y un ritmo cardíaco que ha aprendido a controlar.

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“Perseverancia y dedicación. Si una cosa sale mal al principio, como así será, sigue intentándolo”.

 

 

 

 

 

Dante y Virgilio en el octavo círculo del infierno. Bouguerou

En un primer plano, tan cerca que casi puedes tocarlos, un hombre condenado muerde a otro en el cuello, le retiene violentamente sujetándole por el brazo y le clava las uñas en el pecho. Es Gianni Sichicchi, está en el octavo círculo del infierno de Dante, el de los falsificadores de personas, cosas, dinero y palabras, por haber suplantado la personalidad de un muerto para beneficiarse de sus bienes.
El hombre al que agrede es Capocchio, famoso hereje y alquimista que no consiguió convertir nunca los metales en oro, pero que se benefició de ello. Este apenas puede defenderse, solo consigue tirar de los cabellos a su adversario.
Gustave Doré también ilustró la escena en sus grabados:
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Pero en el cuadro de 1850 William Bouguereau (La Rochelle, 1825-1905), que se exhibe en el  Museo de Orsay, está pintado con sumo realismo y con una técnica inmejorable.
Es la escena de la Divina Comedia en donde Dante y Virgilio entran en el octavo círculo del infierno y observan a los condenados:
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Bouguerou los representa en el lado izquierdo de la pintura. Dante apoya su mano en Virgilio como protegiéndolo de la brutalidad de la lucha mientras que un demonio alado, con los brazos cruzados y sonrisa irónica  los contempla.
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Los colores son cálidos, rojos, marrones y negros, son los colores del infierno, también los de los personajes, los de Dante y Virgilio y sobre todo de lo que centra la atención del cuadro, las cabezas de los luchadores, sus cabellos intensamente pelirrojo y negro.
La luz incide en tres puntos: Los dos hombres en el centro, en el fondo del cuadro y a la derecha en donde se representan las llamas del infierno.
Se representan diferentes clases sociales:
Dante y Virgilio como los intelectuales. Dante como poeta y artista, Virgilio coronado de laurel como filósofo. Ellos no participan, solo contemplan.
El diablo está por encima de todos, es el más poderoso, el que ríe y puede destruir a los hombres, mira con malos ojos a los intelectuales que con sus ideas pueden ayudar a los hombres a salir del caos.
Mientras, la gente del pueblo se mata, se devoran entre ellos y se consumen entre las llamas.
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Lo más curioso es que W. Bouguerou era un pintor de obras religiosas, mitológicas y sentimentales. Pintaba niños en escenas cotidianas, angelotes, mujeres tímidamente eróticas. Realizó más de ochocientas pinturas.

En “Dante y Virgilio” hay fuerza, dureza, sensualidad, incluso tensión sexual. 
Nunca volvió a pintar algo así.
  

 

 

 

 

 

Penelles. El pueblo pintado

Penelles es un pueblo de la Noguera (Lleida) que no llega a los 500 habitantes. Normalmente al mediodía en muchos pequeños pueblos de Lleida no se ve un alma en la calle, pero al llegar a Penelles te sorprende ver grupos de personas con mapas recorriendo las plazas,  las calles y mirando las paredes.

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Los vecinos del lugar están encantados, su pueblo interesa, en él se realizan obras de arte urbano, mucha gente participa, y eso es muy importante porque quiere decir que su pueblo no morirá, que tendrá futuro.

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Más de ochenta grafitis ocupan las paredes de sus casas, lo cual correspondería, más o menos, a una obra de arte por cada cinco habitantes.

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La idea se consolidó en 2016 “GarGar Festival de Murals i d’Art Rural”, y ha servido para difundir la cultura artística en el mundo rural y dinamizar a la población. Este año se ha celebrado la tercera edición.

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Los artistas se desplazan a Penelles, toda una semana, para realizar sus murales. No cobran, solo reciben los sprays, el material y tienen cubierta la manutención y el alojamiento, del que la mayoría de las veces se encargan los vecinos del pueblo.

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La única condición impuesta es que el tema del graffiti sea del mundo rural o esté relacionado con la zona. Nada de política ni de religiones. 

Esta imagen rural se ha convertido en uno de los murales más celebrados de los vecinos de Penelles.

Se procura que la asistencia de artistas locales, nacionales e internacionales esté compensada. Este año han participado primeras figuras de Inglaterra, Francia, Alemania y Portugal.

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Gargar, el nombre del Festival, no es casual. Se llama Gargar al ruido que hace la ganga, un ave local en peligro de extinción. Es el sonido que la ayuda a sobrevivir. 

La locura y el arte. Yayoi Kusama

Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) es una de las artistas más importantes de Japón. Su trabajo está basado en el arte conceptual, es precursora de los movimientos Pop, minimalismo y arte feminista. Una de sus características son las superficies obsesivamente cubiertas de puntos, la repetición y los patrones que dan a toda su obra un efecto psicodélico. 

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Empezó a crear en la década de los 40 inspirada en el estado catastrófico de Japón después de la guerra con materiales improvisados como los sacos de semillas del negocio de sus padres y pintura común mezclada con arena.

En 1957 se trasladó a vivir a Nueva York en plena efervescencia del expresionismo abstracto influyendo en artistas como Andy Warhol, Claes Oldenburg y George Segal.

En 1966 participó en la 33 Bienal de Venecia con “Narcissus Garden”. La obra consistía en 1.500 bolas de espejo en un lago que reflejaban la cara del espectador y que se podían comprar a dos dólares. El anuncio decía “su narcisismo en venta”.

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A lo largo de su carrera ha trabajado con gran variedad de medios: pintura, collage, escultura, arte performance, instalaciones y happenings en donde ella pintaba a participantes desnudos con lunares de colores.

10 cosas que debes de saber sobre Yayoi Kusama  - hotbook-215

”Los puntos son sólidos e infinitos. Son una forma de vida. Sol, luna, estrellas son cientos de millones de puntos. Cada ser humano es también un punto. Los puntos no pueden existir por sí mismos, solo pueden existir cuando se reúnen unos con otros. Admiro completamente su infinitud y estoy profundamente conmovida por la grandiosa presencia del universo, que está lleno de un poder misterioso”.

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”El lunar tiene la forma del sol, que es símbolo de la energía del mundo y de nuestra vida, y tiene también la forma de la luna, que es la quietud. Los lunares no pueden estar solos, como sucede con la vida comunicativa de la gente, dos o tres o más lunares llevan al movimiento. Nuestra tierra es sólo un lunar entre los millones de estrellas del cosmos. Los lunares son un camino al infinito. Cuando borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con lunares, nos integramos a la unidad de nuestro entorno. Nos volvemos parte de la eternidad”.

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En 1973, Kusama volvió a Japón en donde padeció problemas psicológicos por la descompensación de su trastorno obsesivo. En 1977 se internó voluntariamente en un hospital psiquiátrico en donde decidió quedarse a vivir el resto de sus días.

A sus noventa años continua produciendo obras de arte en diferentes medios y ha publicado varias novelas, poesía y una autobiografía.

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”Todos los artistas que son sinceros son psicológicamente conflictivos. Si uno piensa en Munch y Van Gogh, por ejemplo, está clarísimo. Yo no soy una excepción. Ese tipo de artistas, entre los que me incluyo, padecen por la creación artística y sufren tanto psicológica como económicamente”.

 

El papel de burbujas como obra de arte. Bradley Hart

Un rollo de papel de burbujas olvidado en una sala de arte le inspiró, fue como ver un bloque de mármol para un escultor.

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El artista canadiense Bradley Hart realiza sus obras inyectando pintura en celdas de plástico. Creó un software para asignar un código de color a cada burbuja que va aplicando con jeringas cargadas de pintura consiguiendo así un efecto de pixelado.

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Hace retratos hiperrealistas de personajes conocidos, de obras de arte famosas, de paisajes.Resultado de imagen de bradley hart artist

Pero esa es solo una parte de su obra. Quizás lo más interesante es la imagen que se forma con la pintura sobrante  en la parte trasera del cuadro cuando el exceso de pintura gotea por el lado plano de la envoltura de burbujas.

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Las gotas se funden al secarse y luego se retiran del plástico. El resultado es una obra independiente, parecida a la anterior, pero transformada, él lo llama “Impresión”.

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Es hacer arte partiendo de algo sin valor, como es un  envoltorio de plástico, para crear dos obras, una muy parecida a la realidad y otra casi espectral que nace de los residuos que se generan.

 

Es encontrar el potencial oculto de las cosas que desechamos.

Cuando el arte crea vida

En el fondo del mar hay un círculo de 26 niños de todas las razas cogidos de la mano. No son solo esculturas, están vivos porque el crecimiento de la vida animal y vegetal los va transformando, los hace evolucionar, simula su crecimiento vital, desde la infancia a la adolescencia, y todo gracias a la colaboración entre el hombre y la naturaleza. 

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Jason deCaires Taylor (Dover, 1974) es un artista que sumerge sus estatuas bajo el agua. Poco a poco, con los movimientos del mar y la ocupación de las colonias coralinas, las caras y los contornos de las mismas se alteran y se convierten en seres extraños, formas  híbridas entre el ser humano y el mineral.

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Son obras de arte construidas con materiales no nocivos para el fondo marino  (hormigón de PH neutro) que ayudan a repoblar las zonas devastadas por huracanes y tormentas, creando arrecifes de coral sobre ellas y a su alrededor, y fomentando la proliferación de la vida y la conservación del ecosistema. 

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En 2006 este escultor hizo el primer parque de esculturas submarinas en Grenada que fue considerado por National Geographic una de las 25 Maravillas del mundo. Y en el año 2009 creó el Museo Subacuático del Arte (MUSA) que posee más de 500 esculturas esparcidas por toda la costa de Cancún.

Se pueden visitar buceando, en barcos con fondo de cristal o desde el aire. 

En sus obras Jason deCaires intenta transmitir la idea de que la intervención humana no tiene por qué resultar siempre negativa, y de que además puede ser  muy hermosa y artística:

«Debajo del agua todo se magnifica un 25 por ciento, se refracta la luz, los colores cambian y se producen efectos caleidoscópicos porque la única fuente de luz es la superficie».

«Descolgar el arte de las paredes blancas de una galería ofrece al espectador un sentido distinto de participación».

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Lo más interesante es la paradoja. En el fondo son obras de arte efímeras porque el mar las transforma tanto que las acaba devorando, pero eso hace que sean inmortales.. 

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