Arte

Objetos de deseo. Surrealismo y diseño

La primera exposición que he visitado después de casi tres meses de confinamiento fue la de Caixa Forum en Barcelona “Objetos de deseo. Surrealismo y diseño”. Sí, el surrealismo está bien para empezar, como mínimo es coherente con la situación que estamos viviendo.

Mascarilla, acceder por las zonas habilitadas. No hizo falta mantener la distancia de seguridad, no había nadie. Gracias a ello tuvo una atención personalizada, una de las azafatas del museo me hizo una visita guiada en exclusiva. En el fondo una delicia.

La muestra está dividida en cuatro partes de las que destaco algunas obras:

Sueños de modernidad:

Salvador Dalí y Antoni Gaudi.

Imagen y arquetipo:

Piero Fornasetti. Platos decorados (1950)

Erotismo:

Salvador Dalí. Mae West. Sofá labio (1936)

El pensamiento Salvaje:

Fernando y Humberto Campana. “Cabaña” (2003)

En el surrealismo se fuerzan los límites entre la realidad y la ficción. Una forma o un objeto no tiene porqué siempre ser lo que parece. Como la obra de los hermanos Campana, parece una cabaña, pero es una estantería a la que solo se puede acceder metiendo las manos entre la cortina de rafia.

Lo importante son las emociones humanas, lo irracional, la provocación. El absurdo en la vida cotidiana y en el día a día.

Cepillo de Pelo. Bless (1999)

Su ideal de belleza lo describió el Conde de Lautréamont: “Bella (…) como el encuentro fortuito de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de disección”.

Su fuerza vital, su sentido profundo está en el binomio Eros-Tánatos, la relación entre la vida y la muerte. ¿O acaso no es absurdo nacer para morir irremediablemente?

Galileo Chini. El arte en todo

Apasionado de la belleza, del arte en los objetos cotidianos, en las paredes, en los palacios y en los escenarios, Galileo Chini (Florencia, 1873-1956) fue uno de los artistas que representaron el modernismo italiano, llamado Stilo Liberty o Floreale.

Pintor , decorador, ceramista y diseñador gráfico fue un artista integral de de formación autodidacta que participó en las decoraciones exteriores e interiores de muchos palacios italianos, también hizo carteles y escenografías teatrales trabajando con los textos operísticos de Sem Benelli.

Galileo Chini "vaso arte della ceramica", 1903- 1904. Galileo Chini is the famous Italian artist credited with introducing the art nouveau or Liberty style into Italy. Esculturas, Mosaicos, Tradições Italianas, Objetos, Floreros De Cristal, Jarrón De Porcelana, Diseños Vintage, Uñas Azules, Creatividad

Trabajó para los reyes Rama V y Rama VI de Tailandia, realizando para ellos las pinturas del Palacio del Trono de Bangkok, así como varios retratos del rey Rama VI.

Uno de sus admiradores y mayores coleccionistas fue Luchino Visconti que incluyó en sus películas algunas de sus obras.

A causa de una ceguera progresiva su actividad se fue reduciendo hasta su muerte en Florencia en 1956.

“Aquel que ha contemplado la belleza está condenado a reproducirla o morir”.

Luchino Visconti

“Noli mi Tangere”. No me toques

En el mundo del arte esta expresión se refiere a determinado tipo de obras, sobre todo pinturas, en donde Jesús resucitado no permite a María Magdalena que le toque, pues todavía no ha subido al Padre.

“Noli me tangere” es una corrupción de la expresión latina “Noli me tanguere” que literalmente quiere decir No me toques aunque también se suele traducir como “No te acerques a mi”.

Una de las más famosas de ellas es la de Correggio (1518):

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Se dice que inspiró a Picasso en uno de sus cuadros “La vie” (1903) en el gesto de la mano del hombre que está representado en el centro del cuadro y que podría significar el alejamiento que necesitaba el propio Picasso de su madre portadora del eterno niño.

La Vie 1903 by Pablo Picasso Print from Wanford Art Reproductions.

 

Noli mi Tangere en la Edad Media también se refería a un tipo de úlcera maligna en la piel ( posiblemente cancerosa) que era mejor no tocar para que no empeorara.

Y en el plano conceptual también puede representar a un objeto exento de contradicción o análisis como un amuleto del que uno no se va a desprender porque le ha traído suerte, piensen los demás lo que piensen.

Hoy son tiempos de Noli Mi Tangere. No es bueno tocar a los demás , ni tan siquiera acercarse mucho a nadie.

No me toques
No me toques
estoy contaminada
no me beses
estoy contaminada
no me muerdas imbécil!
estoy contaminada.

 Nicanor Parra (Poesía Política, 1983).

El poema
El Poema
Juan Ramón Jiménez. (Piedra y cielo, 1917-18)

 

Pero hay un poema precioso que colma y sublima esa voluntad de tocar.

 

La espera

Te están echando en falta tantas cosas.

Así llenan los días

instantes hechos de esperar tus manos,

de echar de menos tus pequeñas manos,

que cogieron las mías tantas veces.

Hemos de acostumbramos a tu ausencia.

Ya ha pasado un verano sin tus ojos

y el mar también habrá de acostumbrarse.

Tu calle, aún durante mucho tiempo,

esperará, delante de tu puerta,

con paciencia, tus pasos.

No se cansará nunca de esperar:

nadie sabe esperar como una calle.

Y a mí me colma esta voluntad

de que me toques y de que me mires,

de que me digas qué hago con mi vida,

mientras los días van, con lluvia o cielo azul,

organizando ya la soledad.

 

Joan Margarit. (Todos los poemas, 1975-2012)

Con mucho TACTO – Profesor LÍLEMUS

Cartas desde mi celda

Cualquier confinamiento aunque sea en el más hermoso de los paraísos propicia la reflexión. Gustavo Adolfo Bécquer se recluyó en el monasterio de Veruela junto a su hermano Valeriano  para intentar curar su tuberculosis. Su primera estancia fue durante el invierno de 1864 y hasta la primavera de 1865.

 

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Ambos hermanos pintaban y dibujaban, su padre había sido un reconocido pintor, pero Gustavo Adolfo ante todo era ya escritor y poeta. Su primera estancia en Veruela (Alcalá de Moncayo) fue desde el invierno de 1864  hasta gran parte de la primavera siguiente.

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Gustavo Adolfo dibujado por Valeriano en Veruela (1864)

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“Concierto de espectros” Gustavo Adolfo (1860)

Allí escribió nueve cartas (en realidad la última fue escrita en Madrid)  que fueron siendo publicadas periódicamente por el diario madrileño “El Contemporáneo” y que luego se convertirían en el libro “Cartas desde mi celda”.

https://es.wikisource.org/wiki/Cartas_desde_mi_celda  (texto completo).

Son crónicas del día a día, de las costumbres de aquellos pueblos, con descripciones preciosistas de todo cuanto le rodeaba. Hay cartas escritas  a modo de leyenda:  la sexta habla de la ejecución de una hechicera “La tía Casca”, la siete y la ocho son cuentos de brujas y de brujerías, y la novena habla del monasterio de Veruela. 

En todas hay un elogio a la vida y a la naturaleza, pero de una manera u otra en todas está presente la muerte.

En la tercera carta habla de su propio entierro, tenía 28 años cuando la escribió, moriría seis años después:

… ¡Vivir!… Seguramente que deseo vivir, porque la vida, tomándola tal como es, sin exageraciones ni engaños, no es tan mala como dicen algunos; pero vivir oscuro y dichoso en cuanto es posible, sin deseos, sin inquietudes, sin ambiciones, con esa felicidad de la planta que tiene a la mañana su gota de rocío y su rayo de sol; después un poco de tierra echada con respeto y que no apisonen y pateen los que sepultan por oficio; un poco de tierra blanda y floja que no ahogue ni oprima; cuatro ortigas, un cardo silvestre y alguna hierba que me cubra con su manto de raíces, y por último, un tapial que sirva para que no aren en aquel sitio, ni revuelvan los huesos.

He aquí hoy por hoy todo lo que ambiciono. Ser un comparsa en la inmensa comedia de la humanidad; y concluido mi papel de hacer bulto, meterme entre bastidores, sin que me silben ni me aplaudan, sin que nadie se aperciba siquiera de mi salida.

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El copo y la Rueca (1855) Gustavo A. Bécquer

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Bizarrías (1855) Gustavo A. Bécquer

Sin duda la muerte estuvo presente en casi todos los momentos de su vida, pero lo fue de una manera irónica muy al estilo postromántico, gracias a ello y al aislamiento al que a veces tuvo que someterse pudo escribir lo que escribió. Tal como él dijo: 

 

“La soledad es el imperio de la conciencia”

 

 

 

La importancia de la perspectiva. Sergi Cadenas

Parecen dos personas, pero es la imagen de la misma mujer transformada por los años.

Parecen dos cuadros, pero es uno solo que va cambiando según la perspectiva del que lo mira.

Sergi Cadenas (Girona, 1972) es un pintor autodidacta que que empezó su trayectoria artística en el mundo del hierro forjado, en el negocio que su familia regenta desde hace varias generaciones. 

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Sus cuadros al óleo son tridimensionales. Utiliza tiras verticales en donde pinta a cada lado de ellas un personaje que va cambiando según el ángulo por donde se mire.

Es un arte cinético que plantea la idea de dualidad y de relatividad de todo lo que nos rodea.

En sus obras no te siguen los ojos del personaje retratado, tú le sigues a él acompañándole en su transformación vital.

Es un mago que convierte a las niñas en gato.

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Que es capaz de cambiar el sexo y la raza con solo andar unos pasos.

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Así ocurre el milagro.

 

 

“Todo lo que escuchamos es una opinión, no un hecho. Todo lo que vemos es una perspectiva, no es la verdad”.

Marco Aurelio.

“La vida es curiosa, ¿no crees? A veces, cuando observamos las cosas al cabo de un tiempo o desde una perspectiva un poco diferente, algo que creíamos absurdamente esplendoroso y absoluto, algo por lo que renunciaríamos a todo para conseguirlo, se vuelve sorprendentemente desvaído. Y entonces te preguntas qué demonios veían tus ojos.“

Haruki Murakami.

Kirie. Solo con un papel y unas tijeras

El Kiri-e es un arte ancestral japonés que consiste en crear una obra plástica a partir de una hoja de papel, recortándola y contrastándola con un fondo negro.

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Esta técnica ya se usaba hace más de mil años, era el Isi-Katagami y consistía en recortar  plantillas de papel para estampar los dibujos en los kimonos. se hacía con brochas consiguiendo así hermosos patrones.

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El efecto que produce el Kirie es como el de una delicada puntilla, una filigrana, hecha con mucha habilidad y paciencia.

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“La impaciencia entorpece el pensamiento y lo transforma en impulso. La paciencia es inteligencia, por lo tanto es equilibrio y armonía del espíritu”.

Norys Uribe Santana

 

 

 

Decidir entre el bien y el mal. Patinir

A Joachim Patinir (Belgica,1480-1524) se le conoce por ser el precursor de la pintura paisajística. En sus obras siempre hay figuras y una historia que contar, pero lo que llama la atención es la fuerza y la importancia de la naturaleza. Solo se conservan 29 de sus pinturas que todas son fácilmente reconocibles por su carácter simbólico, por sus figuras pequeñas y sus planos escalonados con un horizonte elevado lo que las hace casi panorámicas.

El paso de la laguna Estigia” es una de sus obras más interesantes. El barquero Caronte conduce a un alma frágil y desnuda su destino final. Las figuras están en el centro, pero a los lados hay dos posibilidades: A la izquierda está el paraíso con ángeles y edificios de cristal, estos no se ven bien, están ocultos por la vegetación, solo asoma un camino estrecho y difícil a través de las rocas. A su derecha la navegación es más fácil.

El infierno arde a lo lejos también oculto por la naturaleza. En la orilla hay árboles frutales y animales fantasmagóricos .

También hay una figura escatológica, que casi no se ve, un hombre defecando, que simboliza el pecado y el demonio, y que es un tema repetido en los cuadros de Patinir.

En el centro se plantea la gran decisión del hombre entre el bien y el mal. La decisión ya está tomada. Vemos como el barquero lleva la nave hacia la derecha, hacia el infierno. El alma lo sabe y dirige allí su mirada aunque no se imagina lo que se encontrará.

Esa es la historia, pero lo que más destaca en el cuadro no son las figuras, es la fuerza de los elementos, es el fuego, es sobre todo el agua.

Agua en calma en la laguna, transparente en el paraíso, negra en el infierno. Agua en las nubes de destrucción y vida.

Una curiosidad, Jorge Semprún (1923-2011) siempre quedaba en el Museo del Prado delante de este cuadro para mantener conversaciones en encuentros clandestinos durante los años de la dictadura. Fue tanta su admiración hacia esa tabla que la trama de una de sus novelas “La montaña blanca” estaba centrada en ella “El paso de la laguna Estigia” y en cuyo texto se refiere al azul-Patinir.

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” …que seguía siendo el que solía ser, un azul fijo y loco, inalterable”.

Los que no se fueron

Hay un pueblo bellísimo de la sierra de Francia en Salamanca que está tapizado de retratos de personas. Es Mogarraz.

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Está en el Parque Natural de Las Batuecas y gracias a su aislamiento geográfico ha conservado intacto su encanto de villa medieval a través de los años.

Pero hoy además de por sus características arquitectónicas y paisajisticas es admirado porque en las paredes de sus casas están pintados muchos de sus antiguos habitantes.

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Todo empezó en 2012 con la exposición Retrata 2/388, un proyecto artístico de Florencio Maíllo.

Trescientas ochenta y ocho pinturas sobre chapas metálicas  reutilizadas, con las que antaño sus habitantes protegían las casas de las inclemencias climatológicas; fueron realizadas con la técnica de la encáustica, que consiste en mezclar cera caliente como  aglutinante con los pigmentos cromáticos para así resultar más densa y resistente.

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Florencio usó como referencia cada una de las imágenes que tomó Alejandro Martín en el otoño de 1967 cuando fotografió por encargo, frente a una sábana blanca en la bodega de sus padres, a casi toda la población mayor de edad de Mogarraz  para hacerse el carnet de identidad. El fotógrafo era un aviador del Ejército que años después se convirtió en el primer alcalde de la democracia de la localidad.

La muestra de Florencio Maíllo quiso homenajear a todas aquellas personas que en su mayoría no emigraron de la localidad.

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Cada cuadro de la obra está colocado en donde vivían sus protagonistas cuando fueron fotografiados o en donde residen actualmente. Los que no tenían casa propia o tuvieron que venderla recubren los muros de la iglesia.

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Cuando acabó la exposición el artista regaló los cuadros a los vecinos  pero ninguno de ellos quiso descolgarla de las fachadas de sus casas. Incluso otras personas del pueblo quisieron ser pintadas. Hoy son más de seiscientos retratos los que habitan el pueblo como testigos mudos del presente y del pasado.

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La nostalgia del sol en los terrados,
en el muro color paloma de cemento
—sin embargo tan vívido—y el frío
repentino que casi sobrecoge.
La dulzura, el calor de los labios a solas
en medio de la calle familiar
igual que un gran salón, donde acudieran
multitudes lejanas como seres queridos.
Y sobre todo el vértigo del tiempo,
el gran boquete abriéndose hacia dentro del alma
mientras arriba sobrenadan promesas
que desmayan, lo mismo que si espumas.
Arte Poética (J. Gil de Biedma)

 

Dibujos que descubren la verdad. Lois Gibson

Antes el dibujo y la pintura servían para reproducir y conservar en el recuerdo paisajes y  personas, desde que apareció la fotografía en el siglo XIX su esencia cambió, pero sigue habiendo un tipo de dibujos en donde la reproducción para el recuerdo aún es crucial e insustituible. El dibujo forense.

Lois Gibson es una de sus máximas exponentes. Trabaja para la policía de Houston y esta es su historia.

Todo empezó con un suceso muy desgraciado. En 1971 y con 21 años fue asaltada y violada en Los Ángeles, fue tal el impacto que le provocó que no pudo ni denunciar los hechos, pero retuvo la cara de su agresor, poco más tarde y por casualidad le volvió a ver cuando era detenido por la policía por otro delito.

Años después se licenció en Arte y se dedicó a hacer retratos callejeros para poder sobrevivir. Se trasladó a Houston al enamorarse de un turista que posó para ella de modelo. Fue allí en donde un día se ofreció a colaborar con la policía al no poder olvidar su experiencia traumática. Desde 1989 Lois ha ayudado a identificar más de 1266 delincuentes.

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Al principio nadie creyó que aquella pintora pudiera resolver nada, sobre todo porque la gente cuando es agredida tiende a no querer recordar nada, pero ella no les preguntaba por la cara sino por la expresión, eso les desbloqueaba y así empezaba a dibujar.

 

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Lois también puede reconstruir rostros a través del tiempo, con fotos de niños desaparecidos o dados en adopción ha ayudado a su identificación al poder dibujar su apariencia actual. Incluso a rescatar los rostros de personas asesinadas en el Holocausto gracias a los testimonios de familiares.

Hoy da clases en el Instituto de Arte Forense de Houston que fue fundado por ella.

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«Tengo 68 años y te juro que no puedo dejar este trabajo. Soy una adicta. Es demasiado maravilloso poder detener asesinos con solo un dibujo». 

Spondylus. El oro rojo de los Incas

Hubo un tiempo, en otra cultura, que una criatura marina sublimó el ritual humano de la alimentación y se convirtió en el enviado de los dioses, los incas lo llamaban mullu, nosotros lo conocemos como spondylus.

Su color escarlata en el fondo del mar anunciaba la corriente del Niño, era el indicador, el augurio de lo que iba a pasar. Era la palabra de los dioses y además su regalo más preciado, su alimento divino.

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En la cultura Chimú aquella concha roja con apófisis puntiagudas, no era solo un bien material. Era Dios. El tener uno confería  a quien lo poseía un elevado estatus social y espiritual. Cuando los conquistadores descubrieron la importancia que estos moluscos tenían para los incas recogieron muchos del fondo del mar ayudados por sus hombres y sus naves. Se los cambiaron por oro despreciando su significado y pensando que estaban haciendo un gran negocio. Los indígenas tampoco entendieron ese trueque y se rieron de esos hombres que querían cambiar los regalos de sus dioses por simples metales amarillos. Así se fue acabando el oro y el mensaje sagrado de los spondylus.

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Sobre ellos Gaspar Burón y Carme García presentamos la instalación “Spondylus” en un lugar muy especial, en una pescaderia que a su vez es una sala de arte: “La Peixateria Sala de Creació Artística” de Sant Boi.

En ella se pretende recuperar el sentido de ese trueque espiritual. Imágenes, volúmenes y palabras para la gente que va a comprar pescado, que va a cambiar monedas por criaturas del mar, para que cuando absorban su esencia puedan ser pez, alga y spondylus; y así se produzca el gran intercambio. La fusión absoluta con todo lo creado.

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Carme García i Parra.