La isla de los muertos de Arnold Böcklin

Hay pocas pinturas que a pesar de la armonía de su composición intranquilicen tanto a quien las contempla.

Los colores son suaves, el mar está en calma… Sí, una barca con una figura blanca estática, como amortajada, pero erecta se dirige a una isla, eso da que pensar.

Su autor Arnold Böcklin realizó cinco versiones del cuadro entre 1880 y 1886 de las que solo se conservan cuatro. Hitler adquirió la tercera versión en calidad de canciller del Reich y en un primer momento lo conservó en su casa de Berchtesgaden para luego colgarlo en la Cancillería. Ante él se retrató en una fotografía de prensa junto a Molotov, en aquella época ministro de asuntos exteriores de la Unión Soviética. Un año más tarde las tropas alemanas invadieron la URSS.

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La cuarta versión la adquirió el barón Von Thyssen, esta también se encontraba en Berlin hasta que desapareció durante la II Guerra Mundial dándose hoy en día por perdida.

Böcklin nunca dio explicaciones sobre su significado, el título: La isla de los muertos se lo debe a un marchante de arte.

Se dice de ella que influyó en Dali, De Chirico, Rubén Dario, Rilke, Rachmaninov. La obra se hizo tan popular que se reprodujo como litografía y que tanto Lenin como Herman Hesse habían tenido una de ellas decorando las paredes de sus casas.

No se sabe en que lugar se inspiró el autor para pintarla, algunos creen que fue en la isla de Isquia, otros que en la de Ponza o la de Kotor, incluso en el cementerio de los Ingleses de Florencia.

Lo cierto  es que aún sigue siendo fuente de inspiración en nuestros días.

En el cine: La isla Skull o de la Calavera, donde vive King Kong.

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En la película Furia de titanes (1981): Perseo cruzando el río Styx.

 

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En cómics como Martin Mystère:

Martin Mystere

O la versión del dibujante Milo Manara:

Isla de los muertos. Milo Manara

Incluso en la Diagonal de Barcelona, en el cruce con el Passeig de Sant Joan, hay un monumento a Verdaguer que se inspiró en La isla de los muertos como aseguraba Vidal-Folch:

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Es un cuadro que siempre me ha impresionado y me ha atraído a la vez, y no es por la barca, ni por Caronte ni por la extraña caja adornada que porta:
 
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Ahora lo sé. Es por los cipreses. En cualquier cementerio son los árboles los que cobijan y rodean a los muertos, pero en el cuadro de Böcklin: la isla, los hipogeos, los muros de piedra guardan y protegen a los cipreses. Todo se centra y se dirige a ellos como si fueran lo único vivo, lo único que importa.
 
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¿Qué tienen los otros árboles que no tenga yo?
Yo no soy triste,
lo que pasa es que todos me miráis con tristeza.
El ciprés del cementerio (Gloria Fuertes)
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La promesa de Solivella

Allá por el año 1743 una epidemia de viruela devastó la población de Solivella, un pequeño pueblo de la Conca de Barberá en Tarragona, causando numerosas bajas sobre todo entre los jóvenes y los niños.

La gente del pueblo no sabía qué hacer, ya habían invocado a sus patrones protectores de la peste como a san Roque, san Antón, san Sebastián o a los santos San Cosme y Damián, los cuales tenían imágenes en la iglesia de Santa María de la cual eran copatrones, pero todo fue en vano, los niños y los jóvenes se seguían muriendo y eso era algo que una sociedad agrícola, que dependía de  básicamente de su futura mano de obra para sobrevivir, no se podía permitir.

Tenían que encontrar una solución mejor. Alguien pensó que por qué no dejarse de intermediarios y recurrir al mismísimo Jesucristo. En aquella época los responsables diocesanos predicaban las bondades del Sagrado Corazón de Jesús y su culto era muy popular por milagroso. Les pareció una buena opción y así lo establecieron.

Si remitían los males, cada año y a perpetuidad harían una misa solemne y una procesión por todas las calles del pueblo adornándolas con flores y en absoluto silencio. Ese día sería siempre el mismo y todo el mundo dejaría de trabajar para poder asistir y así agasajar al santísimo.

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Se eligió el 9 de septiembre porque era la fecha en la que se concentraban en el pueblo todos los payeses de esas tierras para pagar las contribuciones en grano y especies a los señores de Llorac propietarios de la villa. Aquel año la peste se acabó.

Esa tradición que en estos días ha cumplido los 274 años, aunque es probable que sea muy anterior pues la datación se basa en la fecha de los privilegios episcopales, papales y reales que seguramente se pidieron mucho después de los hechos y que se conservaron hasta la Guerra del Francés, se ha mantenido tal cual, incluso hoy en día si el 9 de septiembre cae en domingo se traslada al lunes para poder cumplir bien la promesa.

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La madrugada de ese día todos los habitantes del pueblo realizan alfombras con dibujos de colores en sus calles para que por ellas pase la procesión. En cada plaza y en muchas esquinas hombres, mujeres y niños escenifican cuadros plásticos de pasajes bíblicos contentos de tomar el relevo a todos aquellos que les precedieron.

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Este año he asistido por primera vez a esa ceremonia que renueva un pacto protector contra epidemias y desgracias de todo tipo. Una de las alfombras se solidarizaba con el dolor que hace muy pocos días sufrió mi ciudad. Sí, estaba dedicada a Barcelona.

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El Diccionario del diablo de Ambrose Bierce

Ambrose Bierce (1842 -1914 ) fue un escritor y periodista estadounidense al que se le considera heredero literario de Edgar Allan Poe, Nathaniel Hawthorne y Herman Melville. Algunos de sus cuentos son obras maestras de la literatura de terror como: La muerte de Halpin Frayser, La cosa maldita, Un suceso en el puente sobre el río Owl, Un habitante de Carcosa, Un terror sagrado, La ventana tapiada, etc.

Es un maestro  a la hora de conseguir atmósferas desasosegantes, lúgubres y feroces.

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Su estilo es siempre irónico y mordaz, no en vano se ganó el apodo de «Bitter Bierce» (El amargo Bierce).  

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Una de las obras en la que lo demuestra es en el Diccionario del diablo. Contiene 998 definiciones. He aquí alguna de ellas:

Ancianidad: Época de la vida en que transigimos con los vicios que aún amamos, repudiando los que ya no tenemos la audacia de practicar.

Ayer: Infancia de la juventud, juventud de la madurez, el pasado entero de la ancianidad.

Caníbal: Gastrónomo de la vieja escuela, que conserva los gustos simples y la dieta natural de la época preporcina.

Carro fúnebre: Cochecito de niños de la muerte.

Cleptómano: Ladrón rico.

Cobarde: Dícese del que en una emergencia peligrosa piensa con las piernas.

Dentista: Prestidigitador que nos pone una clase de metal en la boca y nos saca otra clase de metal del bolsillo.

Fanático: Dícese del que obstinada y ardorosamente sostiene una opinión que no es la nuestra.

Historia: Relato casi siempre falso de hechos casi siempre nimios producidos por gobernantes casi siempre pillos o por militares casi siempre necios.

Médico: Alguien a quien lanzamos nuestras súplicas cuando estamos enfermos, y nuestros perros cuando nos hemos curado.

Nepotismo: Práctica que consiste en designar a la propia abuela para un cargo público, por el bien del partido.

Peligro: Bestia salvaje que el hombre desprecia cuando está dormida, y de la que huye cuando despierta.

Prójimo: Aquél a quien no está ordenado amar como a nosotros mismos, pero que hace todo lo posible para que desobedezcamos.

Urraca: Ave cuya inclinación al robo ha sugerido a algunos la posibilidad de enseñarle a hablar.

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Es una obra interesante e irónica que recomiendo leer, siempre y cuando uno esté dispuesto a no ofenderse y a pasar por alto la provocación que suponen algunas de las definiciones ( que no incluyo aquí) muchas de ellas inaceptables en nuestros días.

No, no es un diccionario satánico, en este el libro el demonio es él.

 

 

 

LA NOCHE OSCURA DEL ALMA

San Juan de la Cruz y Lorena McKennitt una fusión de la mística y de la música celta que enaltece el espíritu y los sentidos. Hoy comparto esta entrada con un poema que parece que hable de amor sensual, pero que describe a la perfección el éxtasis.

La Maleta de Max F.

El poeta místico Juan de la Cruz, fue un religioso del Renacimiento. Nacido en un pueblo de Avila en 1542 siendo su nombre laico Juan de Yepes y Alvarez, estuvo toda su vida vinculado con la liturgia católica. Estuvo relacionado con Teresa de Jesús en la reforma carmelitana, hasta el punto que le costó pasar un tiempo en prisión.

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Desde el punto de vista literario, Juan de la Cruz  fue el catalizador que, tomando como columna vertebral de su obra la Biblia, principalmente el Cantar de los Cantares, incorporó los temas y motivos de la poesía popular tradicional castellana así como la lírica renacentista consolidada procedente del potente Renacimiento italiano.

La obra lírica que se le atribuye sin cuestionarse es la que se incluye en el llamado Códice de Sanlúcar ya que fue supervisado por el propio autor y en él se recogen tres poemas mayores y siete composiciones menores.

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Aunque florezcan las amapolas en los campos de Flandes

La amapola es la flor que simboliza las víctimas de la Gran Guerra. Ya en la época napoleónica se había observado que los territorios que habían sido campos de batalla se cubrían de amapolas en primavera.

El 3 de mayo de 1915 el teniente coronel John McCrae, médico de origen canadiense que sirvió como cirujano en un hospital de campaña durante la Primera Guerra Mundial, y gran amante de la poesía; tras acudir al entierro de su compañero Alexis Helmer, escribió un poema que tituló “En los campos de Flandes” en el que mencionaba las amapolas que nacían entre las tumbas de los soldados.

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El poema fue publicado poco tiempo después en la revista británica Punch, muy crítica con el conflicto bélico. Una secretaria de la oficina de la YMCA, Moina Michael quedó impactada por la poesía y el 9 de noviembre de 1918 (dos días antes del armisticio de la Primera Guerra Mundial) decidió comprar unas amapolas y repartirlas entre los asistentes en la conferencia que celebró la YMCA en Nueva York.

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La francesa Anna Guérin (también voluntaria de la organización) quedó conmovida por el gesto de su compañera y cuando volvió a Europa decidió hacer lo mismo en su país, el día del final de la Gran Guerra, el 11 de noviembre. Desde entonces, coincidiendo con el aniversario y todas las conmemoraciones que se realizan durante el mes de noviembre, infinidad de personas lucen cada año una amapola en la solapa o en el pelo como homenaje a los soldados caídos.

A ese día se le conoce como Poppy Day  (Día de la Amapola).

Este es el poema  «En los campos de Flandes». Recitado en inglés por Leonard Cohen:

 

«En los campos de Flandes
crecen las amapolas.
Fila tras fila
entre las cruces que señalan nuestras tumbas.
Y en el cielo aún vuela y canta la valiente alondra,
escasamente oída por el ruido de los cañones.
Somos los muertos.
Hace pocos días vivíamos,
cantábamos, amábamos y éramos amados.
Ahora yacemos en los campos de Flandes.
Contra el enemigo continuad nuestra lucha,
tomad la antorcha que os arrojan nuestras manos agotadas.
Mantenerla en alto.
Si faltáis a la fe de nosotros muertos,
jamás descansaremos,
aunque florezcan
en los campos de Flandes,
las amapolas».

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                                                                John Mc Crae

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“Jamás descansaremos, aunque florezcan en los campos de Flandes las amapolas”

GOTAS DE SOL

He leído todos los libros, pero solo uno sigue

siendo sagrado es el volumen de maravillas

abierto siempre ante mis ojos.    

I’ve read all the books but one
Only remains sacred, this
Volume of wonders, open
Always before my eyes.

KATHLEEN RAINE

En este verano lleno de gotas de sol, un fragmento de la poesía de Kathleen Raine:

 

                       EL SOL

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No es que la luz sea santa, sino que lo santo es la luz:
Solamente viendo, siendo, conocemos,
extasiados, sin aliento, arrobamiento del corazón.
Ni el microscopio ni el telescopio pueden descubrir
lo inmensurable: no en lo visto sino en el que ve
epifanía de lo rutinario.
Un jacinto en un vaso era, sobre mi mesa de trabajo,
ante mis ojos se abrió allende la belleza el flujo vivo, puro de la luz.
“Soy yo,” supe entonces, “yo soy esa flor, esa luz soy yo,
el que ve y lo visto a un tiempo.”
Lejos en el pasado, mas para siempre; pues nadie puede des-conocer
el Paraíso nativo en cada brizna de hierba,
guijarro, y partícula de polvo, inmaculado.
“Así ha sido y será siempre,” supe entonces,
ni la inmundicia, ni la violencia, ni nuestra propia ignorancia
pueden profanar ese manantial sagrado:
¿Por qué iba yo, una entre la muchedumbre innúmera de la luz,
a temer en mi desaparición ser lo que por siempre es?

 


Su mejor historia. (Their Finest)

Agosto en Barcelona, 18 horas, 30 grados y humedad del 75%. Solución: ir al cine a ver lo que sea.

Lo que sea fue una sorpresa. Su mejor historia ( Lone Scherfig, 2016) es una película dentro de una película.

El titulo inglés original (Their Finest) deriva de una cita de Winston Churchill, quien en un discurso pronunciado en el Parlamento en 1940 dijo: “Por lo tanto, nos apoyamos en nuestros deberes, y así soportemos que si el Imperio Británico y su Commonwealth duran mil años, los hombres seguirán diciendo: ‘Esta fue su mejor hora’ (‘This was their finest hour’)”.

En Londres, en plena Segunda Guerra Mundial, un grupo de cineastas recibe el encargo de realizar una película patriótica que levante el ánimo de las tropas en esos momentos cruciales y que conmueva a los espectadores ingleses. Para ello contratan a Catrin Cole (Gemma Arterton), una secretaria que tendrá que escribir el guión proporcionándole una visión femenina y lo hará enfrentándose a sus compañeros varones.

El planteamiento ya es de por sí interesante, pero lo mejor es la descripción del proceso creativo, de los recursos literarios, de cómo parir una historia a partir de un hecho puntual que ni siquiera fue cierto y poder decir que está basado en hechos reales. La protagonista Catrin Cole (Gemma Artenton se opone porque sabe que no es verdad, que no pasó así, pero su compañero Tom Buckley (Sam Clafin) le dice que no está basada en un hecho real sino en miles de casos reales y eso la convence.

Otro de los diálogos entre los dos, rivales, pero cómplices que se admiran, decía algo más o menos así:

La gente va al cine para ver historias que tienen estructura, que tienen una intención, que quieren decir algo porque eso no lo encuentran en la vida. En la vida nada tiene sentido, en el cine sí.

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Refleja muy bien la lucha de la mujer por equipararse al hombre en oportunidades y derechos y  por ser reconocida en una sociedad en donde los hombres temen que no vuelvan a sus tareas cuando la guerra termine.

Destaca la interpretación del genial Bill Nighy en el papel del actor Ambrose Hilliard, vieja gloria del cine que no acepta  su decadencia, pero que hace el papel porque como le dice a Catrin:  “Dar la espalda a esas oportunidades ¿no sería dar a la muerte el dominio sobre la vida?  y la fugaz aparición de Jeremy Irons como el secretario de guerra.

Their Finest Hour and A Half Directed by Lone Sherfig

 

Muy recomendable para todos los escribientes. Hay un momento de la película en el que a Catrin le rechazan el guión y le dicen que lo reduzca a la mitad:

-¿Pero qué puedo quitar?

-Quite lo que sobre.

 

 

Sueño o realidad. Giorgio de Chirico

“Para llegar a ser verdaderamente inmortal, una obra de arte debe escapar a todos los límites humanos: la lógica y el sentido común solo interfieren”. G. de Chirico (1888-1978).

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                                          La tristeza de la primavera (1970)

Maniquíes sin cara, plazas italianas, baños misteriosos, jardines amueblados. En la pintura de G. de Chirico todo es posible. Los hombres se convierten en objetos y los objetos se convierten en dioses mientras la arquitectura y la mitología dialogan.

A Giorgio de Chirico se le considera el padre de la pintura metafísica porque explora el mundo interior a través de los objetos cotidianos, porque conecta directamente con lo simbólico y con el inconsciente. Se le considera inspirador de Dalí, R. Magritte, Andy Warhol, del Pop Art.

Cuando paseas por entre las 142 obras: cuadros, dibujos, esculturas que ahora se exponen en el Caixaforum de Barcelona , primero llama la atención la belleza de sus retratos realistas, pero cuando vas un poco más allá te encuentras con su autoretrato. En él va ataviado con una túnica clásica como única vestimenta.

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                                                      Autoretrato (1949)

A partir de aquí las cosas empiezan a cambiar. Poco a poco vas entrando en un sueño. Un sueño a la vez extraño y conocido, de lineas rectas y sobrias. Sientes como si ya hubieras estado allí, en plazas vacías llenas de sombras imposibles y de luces congeladas. Pierdes la sensación de tiempo, eso es algo que inquieta, pero que también tranquiliza.

Aparecen maniquíes como personificaciones de los mitos griegos. Musas sin cara y de cabezas ovales y lisas, pero que conservan los atributos que las identifican: la vara de Melpómene como Musa de la tragedia y la careta roja de Talía, la Musa de la comedia. Están inmóviles, como si fueran los decorados de un teatro. 

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                                          Las Musas inquietantes (1947)

Vemos una pareja con cabezas ovoides que están  sentados en sillones y que van vestidos  con túnicas griegas. Dentro de ellos, junto a sus corazones, se guardan templos, puentes, ríos, libros… Por la delicada postura de sus brazos sentimos el respeto y la protección que les profesan. Son “Los arqueólogos”.

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                                                   Los arqueólogos (1927)

En el espacio central de la exposición, entre las arcadas de la sala y colocadas a modo de ágora griega, se descubren algunas de sus esculturas.

Brillan, Los focos halógenos del techo hacen que proyecten mil luces y sombras. Una de estas esculturas representa a un toro con cuerpo de hombre, ¿o es un hombre con cabeza de toro? Está situado delante de un templo, pero rodeado de ruinas. Su título nos adentra aún más en su misterio.

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                                                 Minotauro arrepentido (1969)

Poco a poco despertamos, vamos volviendo a la realidad que ahora parece un poco más amable. Siempre pasa eso después de soñar. 

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                                        Plaza de Italia con fuente (1968)

Un día G. de Chirico escribió: “Hay más misterio en la sombra de un hombre caminando en un día soleado, que en todas las religiones del mundo”. 

                                                                        …

 Sueño o realidad. Giorgio de Chirico. Caixaforum Barcelona (19 de julio al 22 de octubre 2017)

 

 

¿Que yo me contradigo?

¿Que yo me contradigo? Pues sí, me contradigo. Y, ¿qué? (Yo soy inmenso, contengo multitudes).

Esta frase es de Walt Whitman (1819-1892), uno de los mayores poetas estadounidenses que también  fue enfermero voluntario, ensayista, periodista y humanista. Sobre todo es conocido por uno de sus poemas dedicado a Abraham Lincon en el que habla de él sin mencionarlo, solo con metáforas. Seguro que recordáis la película “El club de los poetas muertos”:

¡Oh Capitán, mi Capitán. Nuestro azaroso viaje ha terminado.

Pero no quiero hablar de su obra épica sino de su poesía cotidiana, la que habla del hombre, de los animales, de la religión, del sexo. De su profundo amor por la vida, de su positivismo y de su alegría.

De su poema “Hojas de hierba”:

 

Creo que una brizna de hierba, no es inferior a la jornada de los astros
y que la hormiga es perfecta,
y que también lo son el grano de arena y el huevo del zorzal,
y que la rana es una obra maestra, digna de ser significada
y que la zarzamora podría adornar los salones del cielo,
y que una vaca paciendo con la cabeza baja, supera a todas las estatuas,
y que un ratón es un milagro capaz de asombrar a millones de incrédulos.
Y que la menor articulación de mi mano, puede humillar a todas las máquinas.
Quédate conmigo este día y esta noche y poseerás el origen de todos los poemas.
Creo en ti alma mía, el otro que soy no debe humillarse ante ti ni tú debes humillarte ante el otro.
Retoza conmigo sobre la hierba, quita el freno de tu garganta.

 

De “UN CANTO A MI MISMO”.

 

CANTO A MI MISMO

                         1
Me celebro y me canto a mí mismo.
Y lo que yo diga ahora de mí, lo digo de ti,
porque lo que yo tengo lo tienes tú
y cada átomo de mi cuerpo es tuyo también.
Vago… e invito a vagar a mi alma.
Vago y me tumbo a mi antojo sobre la tierra
para ver cómo crece la hierba del estío.
Mi lengua y cada molécula de mi sangre nacieron aquí,
de esta tierra y de estos vientos.
Me engendraron padres que nacieron aquí,
de padres que engendraron otros padres que nacieron aquí,
de padres hijos de esta tierra y de estos vientos también.
Tengo treinta y siete años. Mi salud es perfecta.
Y con mi aliento puro
comienzo a cantar hoy
y no terminaré mi canto hasta que muera.
Que se callen ahora las escuelas y los credos.
Atrás. A su sitio.
Sé cuál es su misión y no la olvidaré;
que nadie la olvide.
Pero ahora yo ofrezco mi pecho lo mismo al bien que al mal,
dejo hablar a todos sin restricción,
y abro de par en par las puertas a la energía original de la naturaleza
desenfrenada.

Versión de: León Felipe

De “A UN EXTRAÑO”

 

“¡Desconocido que pasas! No sabes con cuánto ardor te contemplo,
Debes ser el que busco, o la que busco (esto me viene como en sueños),
Seguramente he vivido contigo en alguna parte una vida de gozo,
(…)
No debo hablarte, debo pensar en ti cuando esté sentado solo o me despierte solo en la noche,
Debo esperar, no dudo que te encontraré otra vez,
Debo cuidar de no perderte”.

Me es difícil elegir entre sus poemas, no compartir: “No te detengas” (No dejes que termine el día sin haber crecido un poco…), “Sobre él, a quien amo día y noche”.

Muy difícil, pero hay un fragmento de Canto a mi mismo que me encanta:

                 

Quédate hoy conmigo,
vive conmigo un día y una noche
y te mostraré el origen de todos los poemas.
Tendrás entonces todo cuanto hay de grande en la Tierra y en el Sol
(existen además millones de soles más allá)
y nada tomarás ya nunca de segunda ni de tercera mano,
ni mirarás más por los ojos de los muertos,
ni te nutrirás con el espectro de los libros.
Tampoco contemplarás el mundo con mis ojos
ni tomarás las cosas de mis manos.
Aprenderás a escuchar en todas direcciones
y dejarás que la esencia del Universo se filtre por tu ser.

 

Y todo lo que puedo hacer es intentarlo

All I can do. Es una canción de Ben Kendrick. La primera vez que la oí fue en la banda sonora de un anuncio que me llamó la atención. Pensé que traería cola (el anuncio), pero enseguida me atrapó la canción:

Quizás es porque también soy de las que me pregunto: ¿Pero en realidad de qué estoy huyendo?

Recuperé el anuncio en internet. Era de unos conocidos supermercados alemanes y, sí, leí que había sido muy polémico, Había muchas personas a favor  por fomentar los hábitos saludables de alimentación, y muchas otras en contra por lo que se podía considerar una discriminación y estigmatización hacia las personas obesas.

Entiendo el porqué de las dos posturas. Pero yo no lo veo así. Para mi la canción y la pequeña historia son un alegato a la libertad, a los que persiguen una ilusión e intentan conseguir lo que quieren cuando lo desean de verdad. Eso obliga a enfrentarse a la mediocridad de los demás, al pensamiento único:

 

No comparto totalmente la frase final: Come como lo que quieras ser. La cambiaría por algo más o menos así:

Piensa como lo que quieras ser, lo demás vendrá solo.

aguila